Porão dos Filmes

O Ultimo Samurai

2009-08-16T17:40:00.000-07:00

É curioso constatar como apostas tidas como certas às vezes não funcionam muito bem na bilheteria. O Último Samurai tem tudo para agradar o grandepúblico mas misteriosamente não teve um bom retorno financeiro nos EUA.

No comando deste épico está Edward Zwick que apesar de não ser um cineasta já tem um bom curriculum na bagagem, foi produtor de 'Traffic' e 'Shakespeare Apaixonado' e diretor de Lendas da Paixão e de outro bom épico 'Tempo de Glória'. A intenção com 'O Último Samurai' foi abordar de forma grandiloquente a filosofia destes guerreiros japoneses que tinham na honra, justiça e disciplina a base de todo o seus ensinamentos. As locações são belíssimas, muitas tomadas abertas e com uma reprodução de época (1876) impecável.

Tom Cruise vive o capitão Nathan Algren que está em plena crise de consciência por ter combatido e assassinado dezenas de índios. Sente-se tão mal que está entregue à bebida e não tem mais motivação na vida. Mesmo assim é designado para uma missão especial, treinar o exército japonês com armas de fogo para conter uma revolta de samurais. Numa luta Algren é capturado justamente por estes guerreiros e ai começa a sua transformação. Primeiro o estranhamento com cultura e costumes tão diversos. Aos poucos vai assimilando tudo. Nesse processo de adaptação tem contato com o lider dos samurais, Katsumoto, o excelente Ken Watanabe. É claro que dessa relação vai crescer uma mútua admiração. Paralelamente surge o envolvimento da irmã de Katsumoto com o americano, que é mostrado de forma muito sutil. A última cena de batalha é a mais emocionante, mostra bem como a brutalidade por sí só pode ser vencida pela engenhosidade.

Cruise está discreto, não chega a ter grande desempenho mas também não atrapalha o filme é mesmo de Ken Watanabe, que compra a cena sempre que aparece. É claro que como grande porém, e é necessário dizê-lo aqui, é a previsibilidade de tudo, nos primeiros instantes da fita já sabemos exatamente como acabará.

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Título Original: The Last Samurai

Gênero: Aventura

Tempo de Duração: 154 min

Ano de Lançamento: 2003

Qualidade: DVDRip

Formato: Rmvb (RAR)

Áudio: Inglês

Legenda: Português

Tamanho: 605 mb

Operação França

2009-08-16T17:34:00.000-07:00

Pode parecer irônico, mas é refrescante saber que Laranja Mecânica "perdeu" o Oscar para Operação França. Ao mesmo tempo em que o filme de Stanley Kubrick mostrou-se inovador com sua visão pessimista (e real) do futuro, este clássico policial do até então promissor William Friedkin possui mais cenas antológicas do que qualquer filme policial já feito. Friedkin mostrava-se um cineasta com olho apurado, técnica esperta e muita ousadia na direção de cada tomada que compunha seus filmes. Operação França, que deu o Oscar de melhor diretor e melhor filme à Friedkin, é um exercício dos mais fascinantes e empolgantes do gênero.

Mais do que isso, diga-se, instaurou um paradigma sobre os futuros filmes do gênero. Friedkin elaborou uma trama simples e objetiva. Bem roteirizada e dirigida, porém, mantém o espectador atento a tudo. Aqui, um suspiro significa muito. O cineasta que faria O Exorcista no ano seguinte mantém o clímax durante todo o filme, elevando-o ao ápice extremo na cena final, magistral e sujestiva. Aliás, as cenas de ação vistas aqui são inesquecíveis. Friedkin primou pelos cortes longos e, nas cenas de perseguição a pé, praticamente abduziu diálogos e trilha sonora, o que acaba deixando o espectador tenso e ansioso pelo desfecho, já que ouvimos os passos e, com a ajuda da excelente fotografia de Owen Roizman (que abusa dos enquadramentos laterais e faz bastante uso do chicote), sentimos como se estivéssemos dentro da ação.

Além disso, é possível notar que o diretor dedica-se exclusivamente para cada tomada do longa-metragem. E isso fica ainda mais evidente quando vemos a maneira com que as perseguições são conduzidas. A mais clássica delas, quando quatro detetives seguem dois suspeitos durante vários quarteirões numa longa seqüência muito bem montada, já virou referência a partir do momento em que foi concebida, tamanha é a classe e a eficiência utilizada por Friedkin e sua equipe. Ou você prefere aquele momento antológico no trem, com todo aquele vai e vem crescente de tensão. Há ainda quem coloque a inesquecível tomada na escadaria como a mais brilhante já feita dentro do gênero. Mas Operação França não é só uma espetacular direção.

A construção dramática é impecável, focando diretamente dois detetives: Jimmy "Popeye" Doyle (Gene Hackman) e Buddy "Cloudy" Russo (Roy Scheider). O roteiro escrito com garra por Ernest Tidyman, baseado no livro de Robin Moore, conta a história real da investigação que resultou na maior apreensão de heroína da história dos EUA. Inserindo alguns detalhes fictícios, Tidyman elabora com perfeição todo o envolvimento dos detetives (na vida real, Eddie Egan e Sonny Grosso, que ainda fazem pequenas pontas no filme) "em busca do ouro", além de entregar personagens consistentes e e extremamente realistas para Hackman e Scheider.
O realismo marcante na cena da perseguição de carro (que acabou resultando em uma batida que não estava planejada, mas que foi mantida devido ao seu realismo) pode ser visto em igual teor nos personagens de Gene Hackman e Roy Scheider. O roteiro mostra Doyle (Hackman) como um policial impetuoso, mal-encarado e bastante violento. Algo tão realista que assusta. Já Russo faz o tipo mais correto, que segue as táticas investigativas com mais afinco. Destaque para Gene Hackman, que impressiona pela veracidade com que apresenta seu personagem. Roy Scheider, que tem um personagem menos complexo e intenso, não decepciona, porém.

Nada mais prazeroso do que assistir um filme feito com amor e competência por um grande realizador. É exatamente isso que William Friedkin é, um realizador de filmes. Além de mostrar que a edição é a peça chave para um bom suspense, Friedkin já mostrava talento hábil para dirigir cenas de ação. Operação França pode ser considerada a obra-prima que de fato é.

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Título Original: The French Connection

Gênero: Policial

Tempo de Duração: 104 min

Ano de Lançamento: 1971

Qualidade: DVDRip

Formato: Rmvb (RAR)

Áudio: Inglês

Legenda: Português

Tamanho: 348 mb

Pausa

2009-08-06T20:50:00.000-07:00

Estou com uns problemas no computador e vou ter que levar para arrumar, daqui uma semana no maximo o Blog voltara a ativa !

Obrigado pela atenção

Um Corpo Que Cai(Vertigo)

2009-08-04T07:42:00.000-07:00

Alfred Hitchcock era um autor. Mesmo que seus filmes tenham mantido sempre a mesma linha de suspense, mudando somente as histórias, Hitch conseguia injetar o suspense onde menos se espera e, como ninguém, manipulava sua câmera da maneira mais inovadora possível. Apesar do esqueleto narrativo de praticamente toda sua filmografia ser parecido, incrivelmente o cineasta conseguia de reinventar a cada filme. Salvo isso, "Vertigo" é o filme mais diferente de Hitchcock. Quando foi lançado, "Vertigo" recebeu um reconhecimento medíocre, e hoje é considerada por muitos a obra máxima do mestre do suspense. Na verdade, quase todas suas películas são obras máximas, afinal.

Em "Vertigo", Hitch trai o espectador divindo a trama em duas histórias totalmente distintas. Na primeira parte, o cineasta trata o longa como um drama sobrenatural com caráter intimista. De repente, a trama pula para uma história sobre um homem obcecado por um fantasma. De louco apaixonado, o detetive passa para um enlouquecido e paranóico sujeito. Claro que o filme entrega momentos fantasiosos, como a cena em que o corpo da mulher cai no telhado. Porque o personagem de James Stewart, que é um detetive, não foi dar assistência a vítima. No entanto, momentos assim explicam o real significado do adjetivo gênio, dado a Hitch. Não há explicação para tudo em filmes do diretor, o espectador tem de correr atrás e tirar suas próprias conclusões enquanto há dúvidas.

O filme se passa na cidade mais aconchegante dos Estados Unidos, São Francisco. Onde um detetive aposentado (James Stewart) que foi afastado da polícia por problemas de saúde, logo depois de ver seu parceiro morrer, sofre de um terrível medo de altura é encarregado de vigiar uma mulher (Kim Novak) com possíveis tendências suicidas, até que algo estranho acontece nesta missão.

Com um estudo de personagem minucioso e altamente detalhado, Hitchcock pincela, à sua maneira, a dupla de protagonistas principais. Repare na mudança dos personagens, Hitch gera confusão na cabeça do espectador, agregando mais tensão e dúvidas sobre o desfecho da história. Levando a risca a idéia de "as coisas não são o que parecem ser" e "nunca confie demais", Hitchcock transborda classe e eficiência enquanto desfila seu novo truque de câmera. Vertigo, o truque que empresta nome ao filme, é a sequência de zooms e afastamento da câmera, que dá ao público a sensação de vertigem sentida pelo personagem de James Stewart. Brilhante.

Tendo como grande aliado a direção de Hitchcok, a fotografia desempenha função importante na hora de incluir veracidade no visual do filme. A fotografia colorida transparece com um vermelho crepúsculo, o que ajuda nos momentos de suspense dando mais melancolia a cada cena. Ainda com uma trilha sonora assustadoramente impecável, "Vertigo" proporciona uma das cenas mais memoráveis (e assustadoras) do cinema de Hitchcock. Se até Scorsese disse que "Vertigo" é a obra mais pessoal do mestre, quem sou eu para discordar.

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Título Original: Vertigo
Gênero: Suspense
Tempo de Duração: 128 min
Ano de Lançamento: 1958
Qualidade: DVDRip
Formato: Rmvb (RAR)
Áudio: Inglês
Legenda: Português
Tamanho: 402 mb

Nascido para Matar(Full Metal Jacket)

2009-08-04T07:37:00.000-07:00

Ninguém nunca gostou da guerra. Muito menos quem está dentro dela, ou preparando-se para ela. No cinema, a guerra geralmente é tratada com cuidado excessivo, quando dirigida por grandes cineastas. Foi assim com "Glória Feita de Sangue", de Stanley Kubrick, e com o implacável "Platoon", de Oliver Stone. Isso só para citar alguns. Incansável, Kubrick ainda voltaria ao tema em 1987, exatamente 30 anos após seu "Paths of Glory", que acabou servindo de prelúdio para o filme em questão. E com "Nascido Para Matar", seu penúltimo filme, o cineasta reafirma seu multitalento, afinal, é praxe e todo mundo sabe que Stanley Kubrick produziu mais uma obra-prima dentre as tantas de sua carreira.

O primeiro ato do filme nunca é menos que perfeito, para começar. Poucos filmes na história conseguiram ser donos de um primeiro ato com competência parecida com o de "Nascido Para Matar". Kubrick precisa apenas de 5 minutos para paralisar o espectador com um início que é, no mínimo, perturbador, e mesmo que o ritmo alucinante de diálogos impagáveis diminua a partir da metade do segundo ato, o filme nunca deixa de envolver e questionar o espectador. O primeiro ato é cheio de cenas longas, o que poderia ser chato e cansativo, se não fosse conduzido da maneira certa. Na verdade, seria impossível o filme ser chato, pois basta olhar o brilhante roteiro (premiado com o Oscar) adaptado da obra de Gustav Hasford, que fica evidente a grandeza do longa-metragem.

Já que chegamos ao roteiro, vamos à história do filme. Kubrick quebra a história em duas, a primeira mostra um sargento sádico preparando seus recrutas para a guerra. Hartmann treina seus soldados de forma absurdamente fanática, com métodos assustadores e com uma rigorosidade implacável. Sua principal vítima é o gorducho recruta Gomer Pyle, vivido por um competente Vincent D'Onofrio. Pyle sofre tudo que se pode imaginar, até dos seus colegas de acampamento. Conforme o tempo vai passando, Pyle vai adquirindo forma e disciplina até se tornar um soldado pronto para combate. Quando Pyle, aparentemente, está de bem com tudo e com todos...Bom, quem já viu o filme sabe que a cena do banheiro é perfeita, afinal.

Na segunda parte, Kubrick mostra o sargento Joker (escolhido propositalmente, em inglês Joker significa Coringa) cobrindo a guerra como correspondente de um jornal militar. No campo de batalha, ele se junta a combatentes com nomes sugestivos como Bola Oito, Animal Mother e Tenente Touchdown. Mostrando a visão de Joker sobre a guerra e seus horrores, Kubrick imprime um retrato infeliz, mas incrivelmente real sobre uma das guerras mais mortíferas da história.ther.

Se Kubrick dirige o filme com sua competência habitual, deve-se também destacar a fotografia de Douglas Milsome. Douglas fotografa usando abundamente o recurso do contraluz e abolindo as cores mais vibrantes, deixando o filme com um tom mais leve, contrastando muito bem com o clima (nada leve) de morte que é contado no filme. Enfim, foi pouco. Todo o reconhecimento que "Full Metal Jacket" recebeu quando foi lançado foi insuficiente para descrever a competência deste belo exemplar sobre a guerra do Vietnã. Afinal, tudo que poderia ter sido dito sobre este combate já foi dito. "Nascido Para Matar" pode sim, ser considerado uma das grandes obras da década de 80, assim como pode ser rotulado como um clássico.

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Título Original: Full Metal Jacket
Gênero: Guerra
Tempo de Duração: 117 min
Ano de Lançamento: 1987
Qualidade: DVDRip
Formato: Rmvb
Áudio: Inglês
Legenda: Português
Tamanho: 376 mb

Janela Indiscreta

2009-08-03T19:37:00.000-07:00

A facilidade que o mago Alfred Hitchcock tem em pegar situações simples, cenários mais simplistas ainda, e transformá-los em um antro de medo e tensão é algo indiscutível. Um dom que fomos presenteados de diversas formas de clássicos como Psicose, Um Corpo que Cai, Disque M para Matar, Festim Diabólico e Janela Indiscreta, o filme-tema desta matéria a seguir.

Filmado entre Novembro de 1953 e Janeiro de 1954, a história gira em torno de um jornalista chamado Jeff, interpretado por James Stewart, que está de ‘molho’ em sua casa, depois de quebrar a perna arriscando-se na produção de uma matéria. Como não tem nada para fazer durante o dia, ele passa a espiar o cotidiano de seus vizinhos, até que desconfia que um deles tenha matado a própria esposa e tenta provar isso para sua mulher e um amigo detetive.

Um enorme cenário foi construído nos estúdios da Paramount, contendo 31 janelas para o filme ser ambientado. Ele começa um pouco devagar justamente para apresentar aos telespectadores essa enorme vizinhança artificial, e isso não cai ao gosto de algumas pessoas, inclusive não caiu no meu, apesar de ser totalmente necessário para o entendimento do que está acontecendo ao redor.

O filme tem seu suspense apresentado de maneira crescente, a partir do momento da suspeita já citada. Uma coisa que achei bastante legal foi o modo com que tudo foi apresentado, nos colocando na mesma perspectiva do personagem, descobrindo as coisas com ele, nos levando a querer bisbilhotar o que acontece em volta também. No final já nos vemos em meio a situações que nos deixarão apreensivos e envolvidos completamente na trama, graças ao roteiro firme e bem estruturado.

Mas não é só de um roteiro excelente que o filme se vangloria. As atuações de James e Grace Kelly estão magníficas, contribuindo bastante para o clima proposto. Até mesmo o gênio Hitchcock faz sua aparição habitual (e discreta) ao consertar um relógio em um dos apartamentos. A fotografia, que começa com tomadas calmas e distantes, também evolui para um ponto dramático e com planos fechados, ou seja, tudo está em uma perfeita sincronia para a obra prima final.

Uma obra-prima do gênio Alfred Hitchcock. Apesar de eu ainda preferir Um Corpo que Cai e Psicose, aconselho esse para aqueles que querem cair de cabeça em uma trama simples, porém envolvente e cheia de mistérios. Rodado todo no mesmo lugar e com um início tranqüilo demais, não deve agradar a todos os gostos, mas quem gosta de um bom suspense cairá de cabeça nessa lição de como se fazer um filme que Hitchcock nos deu de graça com “Janela Indiscreta”.

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Título Original: Rear Window
Gênero: Suspense
Tempo de Duração: 107 min
Ano de Lançamento: 1954
Qualidade: DVDRip
Formato: Rmvb (RAR)
Áudio: Inglês
Legenda: Português
Tamanho: 376 mb

Agente 86(Get Smart)

2009-08-02T10:09:00.000-07:00

Maxwell Smart está de volta! O atrapalhado, mais heróico detetive que conseguia colocar todo o andamento de uma missão em perigo, mas que no final concertava tudo, a sua maneira, chega às telas do cinema com Steve Carell na pele do agente.

A semelhança física do ator com o protagonista do seriado, Don Adams é surpreendente, assim como, a facilidade com que nos faz rir sem esboçar nenhum reação. Sua presença em muitas cenas já é o suficiente para gerar gostosas risadas. E Carell (O Virgem de 40 anos e A Feiticeira - O Filme) acertou quando optou por não imitar Adams, mas de dar uma ‘nova roupagem’ ao personagem, atualizando-o para os dias de hoje.

Para aqueles que assistiram a série na década de 60, reprisada pela TV Bandeirantes nos anos 70/80, a identificação com os personagens será imediata. Mesmo transpondo a trama para o ano 2000, o diretor Peter Segal (Como Se Fosse a Primeira Vez e Tratamento de Choque) conservou muitas das idéias da série. O clássico Sapato-Fone; o engraçado e nada eficiente Cone do Silêncio, sempre utilizado quando Max e o Chefe conversavam algo secreto; as Mãos Falsas, úteis quando Max era algemado, entre outras parafernálias, estão lá. Ao lado deles, os colegas da Agência.

A parceira 99, talvez a única agente da Control a compreender as idéias de Max é bem retratada pela atriz Anne Hathaway (O Diabo Veste Prada e O Segredo de Brokeback Mountain), assim como o paternal e paciente Chefe, agora vivido pelo ator Alan Arkin. Fazendo uma pequena pontinha, Bill Murray aparece como o Agente 13, aquele que sempre surgia nos locais mais improváveis. Mas há ainda Dwayne ‘The Rock’ Johnson vivendo o misterioso Agente 23 e a dupla de gênios Bruce (Masi Oka) e Lloyd (Nate Torrence).

Mas os vilões também estão lá. Terence Stamp na pele de Siegfried, o arrogante e temido inimigo da KAOS e seu braço direito, Shtarker, interpretado pelo ótimo Ken Davitian, completam o time. Aliás, prepare-se para se divertir com as observações de Davitian a respeito da conduta de seu chefe. Hilárias.

Com ótimas piadas, um roteiro enxuto e várias sequências de ação, Agente 86 conta a história de como Maxwell Smart tornou-se um agente. Para os novatos que nunca assistiram ao seriado, o roteiro explica os motivos que levaram a Control a promover seu analista de sistema a um agente secreto.

Em Agente 86 (Get Smart, EUA/2008 – Comédia, 110min. – Warner Bros.) a Control se vê diante de uma perigosa armadilha arquitetada pela sua inimiga KAOS. Com todas as identidades de seus agentes reveladas, com exceção de 99, Max ganha uma oportunidade. Ao lado da experiente parceira, que não se sente nem um pouquinho segura ao seu lado, eles precisam impedir que a arquiinimiga KAOS destrua o mundo com sua poderosa arma nuclear.

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Título Original: Get Smart
Gênero: Comedia
Tempo de Duração: 110 min
Ano de Lançamento: 2008
Qualidade: DVDRip
Formato: Rmvb (RAR)
Áudio: Inglês
Legenda: Português
Tamanho: 390 mb

Silencio dos Inocentes

2009-08-02T10:03:00.000-07:00

Sabe aqueles filmes que mesmo com o passar do tempo não envelhecem e ainda conseguem surpreender muita gente? Este é o caso “O Silêncio dos Inocentes”. Este filme ganhou o Oscar de Melhor Filme, Diretor, Ator (Anthony Hopkins), Atriz (Jodie Foster) e Roteiro Adaptado, além de ter concorrido nas categorias Montagem e Som. Sem dúvida nenhuma, “O Silêncio dos Inocentes” marcou a história do cinema e virou referência para muitos outros longas do gênero.

O filme conta a história de uma policial estagiária do FBI, Clarice Starling (Jodie Foster). Ela é uma das melhores em sua área e é sempre destaque em vários seguimentos da organização. Ao ser chamada por seu chefe e atual tutor, ela fica sabendo que terá que tentar arrancar informação de um brutal assassino que está preso, Dr. Hannibal Lecter (Anthony Hopkins), conhecido como “O Canibal”. O intuito desta “conversa” seria coletar informações que fizessem com que um assassino em série que está à solta, fosse preso. Este é conhecido como Bufallo Bill, um homem cruel que seqüestra e mata mulheres arrancando sua pele e órgãos.

Jodie Foster, no início, tinha medo de contracenar com Anthony Hopkins. Certamente, não à toa. Ele está fascinante no papel de Dr. Lecter. Bem como assustador, insano, irônico, maníaco e brilhante. Estes são alguns dos adjetivos que Anthony Hopkins recebeu ao ser premiado com o Oscar de Melhor Ator. Sem dúvida nenhuma ele interpretou um dos maiores vilões de todos os tempos. Dr. Hannibal Lecter é muito inteligente. Consegue deduzir coisas com uma simples informação. Tanto que ele, com poucas instruções, descobre quem é Bufallo Bill e o porquê de Clarice ser do FBI.

“O Silêncio dos Inocentes” possui muitas cenas chocantes. Dá para perceber que esta era a intenção do cineasta Jonathan Demme. Ele quis chocar, mas não frustrar os seus espectadores. Na cena em que Dr. Lecter ataca um policial, por exemplo, é bastante forte, mas há um enigma por trás daquilo, que se revelaria logo após a este ataque canibal.

O interessante é que antes de Jodie e Hopkins serem chamados para os papéis, outros dois grandes atores foram convocados. Gene Hackman e Michelle Pfeiffer, felizmente, não aceitaram. Penso que depois de todo o reconhecimento dado à dupla de “O Silêncio dos Inocentes”, Michelle e Hackman ainda devem sentir as dores do arrependimento por não terem aceitado os papéis. Talvez ela ficasse bem no lugar da policial do FBI, porém Hackman não teria chances, pois Hopkins é o ator perfeito para o papel do temível canibal.

“O Silêncio dos Inocentes” é uma obra "mais-do-que-recomendadável". Os diretores de “Seven - Os 7 pecados capitais”, “Colecionado de Ossos”, “Beijos que Matam” assistiram a esse filme antes de produzirem seus respectivos. Este é um modelo de longa-metragem que foi usado em vários outros. Raramente veremos um igual e que chegue a ser comparado com tal proeza.

Por mais que este filme contenha violência, ela consegue não ser tão bizarra como em “Hannibal”, que é a continuação de “O Silêncio dos Inocentes”. Creio que a troca da direção de Jonathan Demme para Ridley Scott foi o principal fator de “Hannibal” possuir um ar de explícito. Nada que tire o brilho do filme e de Hopkins, mas gostaria de ter visto como este ficaria com a direção de Jonathan Demme.

Hopkins, quando foi questionado em uma entrevista da FOX sobre Dr. Lecter nunca piscar os olhos respondeu: “O principal aspecto do Lecter é ser penetrante... ele é penetrante... ele tem uma mente poderosa, ele é evasivo. Na cena do interrogatório com Clarice, na cena da cela, ele a investiga e nunca perde o controle sobre ela. Investiga o tempo todo. Por isso ele é penetrante “.

Infelizmente nós vemos alguns erros um tanto quanto bizarros, como quando Clarice está no porão da casa de Buffalo Bill, podemos ver um fio segurando o mosquito que está voando ao redor de uma lâmpada. Outro erro clássico é a cena do tiroteio final entre Clarice e Buffalo Bill, onde pode-se ouvir o som de balas caindo no chão. Os dois estão usando revólveres, portanto, a munição gasta não deveria cair, mas sim ser disparada. Felizmente tem-se que ser muito detalhista para notar este tipo de coisa. Que são erros clássicos, são, mas nada que atrapalhe o brilho desta produção.

Uma coisa em que eu tenho que concordar com a crítica: dificilmente um outro filme de suspense vai conseguir proeza igual em agradar ao público e à crítica ao mesmo tempo.

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Título Original: The Silence of the Lambs
Gênero: Suspense
Tempo de Duração: 114 min
Ano de Lançamento: 1991
Qualidade: DVDRip
Formato: Rmvb (RAR)
Áudio: Inglês
Legenda: Português
Tamanho: 403 mb

Cidade de Deus

2009-07-31T08:18:00.001-07:00

O melhor filme da nova geração do cinema nacional facilmente, o único que conseguiu aliar a estética publicitária com intensidade cinematográfica que estava faltando à nova safra. Ele tem o apuro técnico dos filmes do Walter Salles ou da Conspiração filmes, mas com uma crueza e verdade que remete a obras como Pixote. O filme faz um discurso sério e mostra uma realidade chocante mas ao mesmo tempo embala o público com uma história e personagens cativantes, em um visual moderno que funciona perfeitamente com o estilo do filme.

É uma espécie de Snatch - Porcos e Diamantes misturado com Amores Brutos, mas sem tentar ser nenhum desses filmes.

E achei melhor que ambos, o que me deixou bastante emocionado pois são dois filmes que gostei imensamente. O que Cidade de Deus tem que os outros filmes não podem oferecer é um universo que podemos nos identificar, saem os guetos londrinos ou mexicanos, entra a nossa favela, saem os marginais irlandeses com sotaque engraçado, entra o malandro carioca, em vez de ouvir 'Fuck isso' ou 'Fuck aquilo', você ouve 'Porra', 'Caralho', 'Filho da Puta', mas finalmente nossos palavrões soam bem!

O filme tem muitos momentos engraçados, o ritmo é excelente e as duas horas e vinte minutos voam, mas não poupa o espectador de algumas cenas chocantes principalmente as que envolvem menores. Tomaram cuidado pra não deixar muito apelativo, mas ainda bem que foram corajosos o suficiente pra não fechar os olhos à certas situações que infelizmente acontecem todos os dias nas periferias das cidades, e são essenciais para tentar entender como funciona esse mundo paralelo que, como diz o narrador da história, é o nosso Vietnã.

Tecnicamente é perfeito, a fotografia filtrada com poucas cores é ótima, aliada a uma edição frenética e movimentos de câmera ágeis e bem planejados, mas o que me chamou mais atenção foi o áudio, o filme tem som Dolby DTS e recomendo assisti-lo num cinema equipado para tal. Os diálogos são perfeitamente compreensíveis, os efeitos enchem a sala de projeção (em certos tiroteios você se sente literalmente no meio do fogo cruzado) e a trilha sonora é excelente! Os atores são um caso especial, a co-diretora Katia Lund utilizou na maioria atores amadores selecionados nas comunidades onde o filme foi realizado e devo dizer que ela fez um trabalho incrível, apesar de ser fácil de notar uma certa insegurança em alguns deles, na maioria ela consegue resultados excelentes e dá uma veracidade impressionante à história.

Falando na história, ela é fictícia mas inspirada em fatos reais narrados por um jornalista que foi morador da Cidade de Deus no livro do mesmo nome. Conta a história de um garoto chamado Buscapé desde sua infância nos anos 60, até o final dos anos 70, dando uma idéia da criação das favelas, da origem do tráfico de drogas e de sua relação no dia a dia dos moradores. Contado através dos olhos dele, é um filme sobre o mundo do crime mas também sobre personagens, tratados de maneira quase mítica e também de forma bastante humana.

É pra divertir, emocionar, chocar, fazer pensar, parece que finalmente o cinema nacional está amadurecendo para o fato de que você não tem só que agradar ao mercado, mas fazer um filme que diga algo. Prestigiem esse filme enchendo as bilheterias, o filme merece e os que financiam o cinema nacional poderão notar que existe público para filmes mais ousados.

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Título Original: Cidade de Deus
Gênero: Drama
Tempo de Duração: 135 min
Ano de Lançamento: 2002
Qualidade: DVDRip
Formato: Rmvb
Áudio: Português
Legenda: s/l
Tamanho: 545 mb

Fim dos Dias

2009-07-31T08:11:00.000-07:00

Segundo as escrituras, Satanás (ele mesmo, em carne, osso e maldade) virá à Terra nos últimos dias de 1999 para fecundar uma predestinada. Assim será gerado o Anticristo, que iniciará uma nova era sob o domínio das trevas. Só há duas formas de impedir o apocalipse: matar a esposa do demônio ou protegê-la do coisa-ruim até a virada do ano. Esse é o enredo proposto por Fim dos Dias, filme do fortão Arnold Schwarzenegger.

Como a maioria das produções do gênero, o Fim dos Dias é um show de clichés e fórmulas repetidas. As sequências no metrô lembram muito Velocidade Máxima. As cenas do demônio se recompondo depois de ser esmagado, fuzilado e explodido já foram vistas na série Exterminador do Futuro, com o próprio Schwarzenegger. E se não bastasse, o herói do filme é um ex-policial (!) revoltado (!!) com a perda de sua filha e esposa(!!!), que foram mortas por ele ter cumprido com o seu dever e ter testemunhado contra um criminoso(!!!!!!). É mole? Isso para não falar no final do filme: mais previsível, impossível. Para muitos, esses ingredientes seriam suficientes para provocar enjôo, mal-estar, dores de cabeça e depressão. Porém, para quem gosta de pancadaria, tiros, explosões, efeitos especiais e situações sensacionais, esse é o filme. Tem tudo isso, em doses cavalares.

A idéia é no mínimo oportuna. A proximidade do terceiro milênio é terreno fértil para quem pretende explorar a natural insegurança e crescente misticismo das pessoas. Essa estratégia não é nova. Sempre que passa um cometa perto da Terra, ou acontece um atentado terrorista ou mesmo um terremoto, lá estão os produtores de Hollywood prontos para faturar milhões. O curioso é saber se alguém vai se interessar por esse filme depois que da virada do milênio...

Uma dica: para quem realmente se interessa pelo assunto e quer ver um bom filme sobre a vinda do Anticristo, não pode deixar de assistir A Profecia (The Omen, 1976). Diversão e sustos garantidos.

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Título Original: End Of Days
Gênero: Suspense
Tempo de Duração: 126 min
Ano de Lançamento: 1999
Qualidade: DVDRip
Formato: Rmvb (RAR)
Áudio: Inglês
Legenda: Português
Tamanho: 342 mb

Era Uma Vez no Oeste

2009-07-31T08:09:00.001-07:00

“Vi três casacos iguais a esse há pouco tempo, esperando um trem. Dentro dos casacos, havia três homens. Dentro dos homens, três balas”. A frase poderia soar como piada ou, pior, como clichê de terceira categoria, se fosse pronunciada no momento errado ou por um personagem equivocado. Não é o caso. Esse é apenas um dos abundantes momentos antológicos de um dos mais fantásticos faroestes de todos os tempos: “Era Uma Vez no Oeste” (C’Era una Volta il West, Itália/EUA, 1969), obra-prima de despedida do gênero feita pelo italiano Sergio Leone.

O autor da tirada impagável é o personagem clássico dos maravilhosos western spaghetti que Leone dirigiu na década de 1960: um pistoleiro sem nome, de passado misterioso, futuro incerto e objetivo desconhecido. Em “Era Uma Vez no Oeste”, o então iniciante ator Charles Bronson substituiu Clint Eastwood, protagonista dos três filmes anteriores do diretor. Basicamente, é o mesmo personagem da trilogia dos dólares, com uma pequena e significativa diferença: ao invés de andar com um cigarro apagado na boca, Bronson carrega uma gaita. Por isso, é apelidado de “Harmonica” por um co-protagonista, o bandido Cheyenne (Jason Robards, em esplêndida atuação).

A dupla se encontra pela primeira vez em um bar. Cheyenne acaba de fugir da prisão e descobre que alguém tentou jogar nele a culpa pela chacina de uma família da região, fazendo os assassinos usarem casacos idênticos às roupas que o bando dele usa – a mesma utilizada pelos homens que haviam tentado matar o gaitista. No mesmo bar está Jill (Claudia Cardinale), viúva que herdou a fazenda da família assassinada. Não vai demorar muito para que todos comecem a desconfiar que um certo Frank (Henry Fonda), capanga de um rico proprietário de terras na região, esteja por trás dos atos criminosos.

O filme de Sergio Leone é, nas palavras do próprio diretor, uma ópera de violência. Está correto. Leone é um estilista nato e construiu um filme silencioso, carregado de tensão e humor cínico, que explode em violência no momento certo, causando o máximo de impacto possível no espectador. O cineasta italiano tinha tudo para fazer um filme patético: ele não falava inglês, mas construiu o roteiro nessa língua; pediu para que o maestro e colaborador habitual Ennio Morricone escrevesse a trilha sonora (quatro temas, um para cada personagem principal) antes de filmar uma única cena, algo impensável em Hollywood; e dispensou o uso de storyboards, afirmando que tinha cada uma das cenas gravada da mente.

Leone estava certo, como sempre. Sua capacidade como criador dispensava esses artifícios banais. As quase três horas de “Era Uma Vez no Oeste” flagram um gênio no ápice de sua forma. Tome a seqüência de abertura como exemplo. Três temidos pistoleiros aguardam a chegada de um trem que traz algo esperado com ansiedade. A platéia não sabe o que é. Em onze minutos, sem diálogos e sem música, Leone estica a tensão a um ponto insuportável, utilizando apenas sons naturais (o rangido de um velho moinho, o zumbido de uma mosca, o apito do trem ao longe) e sua marca registrada – a combinação de closes dos rostos tensos e suados dos atiradores com paisagens panorâmicas de tirar o fôlego.

Como essa seqüência antológica existem muitas outras: a chacina da família irlandesa que desencadeia a trama; a longa tomada sem cortes da chegada de Jill à cidade de Tombstone, uma vila em construção; o ataque solitário de Cheyenne ao trem cheio de bandidos. A fotografia espetacular de Tonino Delli Colli valoriza cada rosto, cada plano, cada imagem, e consegue a proeza de combinar com perfeição os tons verdes da vegetação rasteira que predomina no deserto espanhol, onde a maior parte do filme foi produzida, à poeira vermelha de Monument Valley (EUA), onde Leone gravou algumas seqüências panorâmicas (o diretor mandou importar sacas do pó vermelho para espalhar nas locações interiores, como bares e fazendas, na Itália).

Aliado a tudo isso, Leone oferece uma direção de arte impecável, produzindo momentos que influenciariam vários grandes cineastas nos anos seguintes. Os casacos cor-de-terra da gangue de Cheyenne, por exemplo, tornaram-se um símbolo usado por assassinos de vários filmes feitos depois. Leone também exigiu que todos os atores usassem maquiagem que simulava a pele queimada pelo sol abrasivo, o que deu um realismo inédito à produção.

Outro acerto está na trilha sonora literalmente antológica, com quatro temas que se revezam, um melhor do que o outro (o emocionante lamento que acompanha os passados de Harmonica, em gaita e guitarra, ressoou em várias outras obras do mestre Morricone, enquanto os toques secos do banjo no tema de Cheyenne serviram de inspiração para a “Marcha Imperial” da série Star Wars).

Há ainda um quarteto de atores no melhor da forma. Robards quase rouba a cena como o cínico Cheyenne; Henry Fonda usa os olhos azuis como contraponto formidável para a frieza de um dos assassinos mais desalmados que o cinema já produziu; Bronson não precisa abrir a boca para impor respeito; e Cardinale está linda como nunca – e ainda fala grosso, como uma verdadeira dama desbocada, muito em voga nos anos 1960.

Os diálogos são a cereja no topo do bolo: apenas quinze páginas de conversas, o que daria algo em torno de 15 minutos em um filme normal. “Era Uma Vez no Oeste”, porém, não tem nada de normal. Não é à toa que Leone é o diretor predileto de Quentin Tarantino. O norte-americano se orgulharia de ter escrito a conversa seca entre Harmonica e Cheyenne, quando o primeiro entrega o outro ao xerife da cidade: “A recompensa por esse homem é de cinco mil dólares, certo?”, pergunta Bronson. “Judas se contentou com 4970 moedas a menos”, provoca Robards. “Não havia dólares naqueles dias”, retruca o pistoleiro. “Ah, mas filhos da p… já existiam”. Antológico é pouco.

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Título Original: C’era una volta il West
Gênero: Faroeste
Tempo de Duração: 165 min
Ano de Lançamento: 1968
Qualidade: DVDRip
Formato: Rmvb
Áudio: Inglês
Legenda: Português
Tamanho: 540 mb

A Bruma Assasina(The Fog)

2009-07-30T07:43:00.000-07:00

A inspirada seqüência de abertura de “A Bruma Assassina” (The Fog, EUA, 1980), apesar de desconectada de todo o resto da narrativa, dá uma pista claríssima ao espectador sobre o tipo de efeito pretendido pelo cineasta John Carpenter. A cena mostra um velho e algumas crianças ao redor de uma fogueira, num acampamento de crianças. Estamos perto da meia-noite, faz muito frio, e o idoso começa a contar, com voz cavernosa, uma história de fantasma. Como Carpenter, o narrador tem apenas um objetivo em mente: meter medo, muito medo na platéia.

Curiosamente, a cena foi filmada e acrescentada ao trabalho depois que a primeira edição já havia sido concluída. É que o estúdio havia considerado a metragem original muito curta (o filme tinha menos de 1h20), tendo ainda pedido a Carpenter que acrescentasse cenas mais explícitas, como era tradição nos filmes B da época (a série “Sexta-feira 13”). O cineasta fez o que lhe foi pedido, e até mais. Na versão original, por exemplo, os cadáveres ambulantes que aparecem tão abundantemente no meio da névoa jamais eram mostrados, de forma que a platéia precisava imaginar que tipo de horror, dentro da fumaça, provocava tantas mortes e acidentes esquisitos.

Carpenter também criou novas cenas, inclusive uma em que a personagem de Jamie Lee Curtis toma um tremendo susto, no necrotério, com um corpo que se move. O diretor inseriu o prólogo como uma espécie de bônus, apenas para esticar a duração final. Infelizmente, este prólogo é o único dos acréscimos que funciona, já que as alterações solicitadas pelo estúdio não apenas soam ilógicas (a tal cena do necrotério resulta gratuita e sem sentido), mas também emprestam ao resultado final uma atmosfera claramente infanto-juvenil, eliminando toda a aura de mistério – e conseqüentemente todo o charme B – que a produção original possuía. Uma pena.

Ainda assim, a história de fantasmas sobre um vilarejo de pescadores assombrados pelos fantasmas de uma tragédia ocorrida 100 anos antes tem lá seus encantos. Toda a ambientação é correta, e as excelentes tomadas que mostram a névoa se movendo lentamente, do meio do oceano e em direção à costa, são bem realizadas. Há personagens promissores, como a radialista (Adrienne Barbeau) obrigada a passar as noites acordada sozinha na solidão de um farol, mas eles não são bem aproveitados pelo roteiro, soando rasos e sem conflitos internos.

É possível vislumbrar claramente uma influência da obra do diretor italiano Dario Argento no trabalho então desenvolvido por John Carpenter. Como Argento, o norte-americano prefere valorizar a construção de uma atmosfera de horror, em detrimento da história, e por isso o filme ganha um quê de onírico, um clima surrealista de pesadelo, nada realista. Além disso, a direção de atores é um ponto fraco evidente. De qualquer forma, há público certo para este tipo de filme, e o status de cult desfrutado por “A Bruma Assassina” comprova isto. Se você prefere um enredo mais sóbrio, contudo, talvez prefira outras obras de Carpenter, a exemplo de “O Enigma de Outro Mundo” (1982).

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Título Original: The Fog
Gênero: Terror
Qualidade: DVDRip
Formato: Rmvb
Áudio: Inglês
Legenda: Português

Uma Lição de Amor(I´am Sam)

2009-07-30T07:36:00.000-07:00

Esse filme devido a atuação do Sean Pean, foi muito falado, até porque Sean é um bom ator e estava concorrendo ao Oscar deste ano exatamente por esse filme.

Bem, quando o filme acabou não tem como não ficar impressionado com a atuação do Sean, que sem muito esforço, rouba a cena em quase todos os momentos do filme. Sim o filme em si, tem uma história até simples, não lembro se já foi mostrada desta forma em outros filmes (provavelmente),e por isso fica ideal para todas as idades.

Algumas pessoas podem achar por isso uma história fraca, mas não deixa de ser divertida e interessante. Penso agora que isso fez com que Sean tivesse uma maior liberdade de atuar, o que para nós foi um ótimo presente. Michelle Pfeiffer continua linda e apenas uma coadjuvante no filme, não atrapalha e da todas as "pontes" para Sean poder dar seu "show", mas ele não está sozinho a garotinha (Dakota Fanning) que faz a filha de Sean, também está bem no filme, vale a pena dar uma conferida nesta dupla.

Vou deixar aqui apenas uma nota que me pareceu muito interessante, quando vemos Sean, atuando não tem como não lembrar da atuação em outro filme de Giovanni Ribisi. Giovanni também já fez um retardado no filme 'The Other Sister' -1999, junto com Juliette Lewis. Todos os jeitos e trejeitos mostrados por Giovanni, nós podemos ver no novo filme do Sean Pean, com certeza Giovanni foi de alguma forma uma fonte de inspiração. Quem ficou curioso, pode ir conferir.

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Título Original: I Am Sam
Gênero: Drama
Tempo de Duração: 133 min
Ano de Lançamento: 2001
Qualidade: DVDRip
Formato: Rmvb (RAR)
Áudio: Inglês
Legenda: português
Tamanho: 430 mb

A Casa da Colina(House on Haunted Hill)

2009-07-30T07:26:00.000-07:00

Criada com o propósito de lançar filmes de horror, a produtora americana "Dark Castle", de Joel Silver e Robert Zemeckis, entrou no mercado do entretenimento em 1999 com "A Casa da Colina" (House on Haunted Hill), refilmagem de "A Casa dos Maus Espíritos" (58), de William Castle e que tinha na liderança do elenco o lendário astro Vincent Price. Logo depois vieram mais três filmes, "Treze Fantasmas" (Thirteen Ghosts, 2001), outra refilmagem de um filme de 1960, "Navio Fantasma" (Ghost Ship, 2002) e "Na Companhia do Medo" (Gothika, 2003), todos sendo filmes explorando fantasmas e assombrações.

"A Casa da Colina" foi dirigido por William Malone (de "Medopontocombr") a partir de um roteiro de Dick Beebe (de "A Bruxa de Blair 2: O Livro das Sombras"), que por sua vez se baseou numa história do escritor Robb White (1909-1990), frequente colaborador de William Castle em vários filmes dos anos 1950 e 60 como "Macabre" (58), "Força Diabólica" (59), "Treze Fantasmas" (60) e "Homicidal" (61).

"A Casa da Colina" é mais um filme de horror com uma história de casa assombrada por fantasmas perturbados. Não apresenta elementos novos, pelo contrário, desfila todos aqueles clichês característicos do tema, com os tradicionais sustos fáceis, personagens estereotipados e algumas mortes violentas. O roteiro até que esforçou-se em criar uma história atraente, com direito a várias revelações, reviravoltas, suspense e tramas que se completam, conseguindo manter um certo interesse, acentuado pela intensidade das cenas envolvendo uma macabra entidade formada por vários espíritos atormentados em busca de vingança, e pelo visual fascinante da enorme torre, destacando-se um belíssimo teto de vidro no salão principal, onde uma série de imagens surrealistas servia de inspiração para as atrocidades do Dr. Vannacutt. As salas abandonadas no porão, onde eram realizadas as torturas dos pacientes, também transmitiam um clima mórbido com suas camas, instrumentos e aparelhagens médicas corroídas pela ação devastadora do tempo, e impregnadas com uma sensação obscura de morte e dor, num ambiente macabro de desolação.

O maior defeito do filme é o péssimo desfecho, com um final extremamente óbvio e super previsível, totalmente conveniente para agradar talvez apenas aquele público escolhido pelos executivos para pagar os custos da produção e encher seus bolsos de lucros. Fora isso, e para os apreciadores menos exigentes do atual cinema de horror, "A Casa da Colina" até que pode garantir cerca de uma hora e meia de diversão rápida.

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Título Original: House on Haunted Hill
Gênero: Terror
Qualidade: DVDRip
Formato: Rmvb
Áudio: Inglês
Legenda: Português

300

2009-07-28T08:22:00.000-07:00

Se pensarmos apenas do ponto de vista técnico, de efeitos visuais e do quanto o filme acrescenta com isso, temos uma das mais belas experiências dos últimos tempos. As cenas de lutas entre os exércitos Persa e de Esparta são de uma beleza louvável. Na maioria das vezes não parecem cenas gravadas com um fundo azul e depois inseridas digitalmente, mas sim que o diretor Zack Snyder (Madrugada dos Mortos) construiu um novo conflito entre esses povos. Cada lança, cada luta, cada sangue jorrado é de uma realidade impressionante.

Mas como cinema é uma experiência onde principalmente a narrativa deve ser levada em consideração, "300" acaba sua exibição devendo e muito para o espectador. A história do exército liderado por Leônidas contra a tentativa de dominação do rei Xerxes é um de uma superficialidade que beira a ingenuidade no momento de se construir um roteiro. Mais preocupado em estabelecer logo as cenas de conflito, as cenas em que são explicadas as motivações da invasão a Esparta e a formação do exército de 300 pessoas é extremamente corrida, como sendo apenas um fiapo para justificar todo o sangue que transborda na tela. Diálogos que desvalorizam o excelente original de Frank Miller e a utilização de uma trilha extremamente melodramática só contribuem para enfraquecer esta que poderia ser uma excelente aventura, um excelente entretenimento.

Com personagens sem profundidade, nunca nos fica claro a real intenção de Leônidas: queria ele salvar seu povo ou apenas se afirmar como um soberano? Da mesma forma, qual a motivação de tantos o seguirem, já que nada fica estabelecido durante a projeção? O único que consegue ter um mínimo de coesão é Xerxes (vivido por Rodrigo Santoro), que demonstra ser "apenas" um ser desalmado que quer o poder pelo poder, tendo como objetivo a dominação dos povos. Ao mesmo tempo, em um mar de personagens masculinos-machões (sem qualquer vestígio de sentimento ou qualquer outra característica que os torna humanos), Xerxes consegue ser um personagem acima, já que transita entre todas as formas não se apresentado como homem, mulher, nem sequer um ser humano. Xerxes é um Deus, que nem sequer deve ser considerado humano como nós.

Recheado de polêmicas e discussões sobre sua profundidade, "300" demonstra ser algo bem menor do burburinho que gerou. Embora tenha acertos, é um filme que realmente poderia ter ido muito além, já que para isso tinha uma boa história, um elenco competente e um bom diretor. Mas às vezes (como neste caso), a vontade de se fazer um filme para a massa faz minar todas as características que fazem de uma obra (quadrinhos, livros) algo realmente considerável e acima da média de outros do gênero, fazendo com que alguns saiam bem feitos como "Sin City", e outros que ficam pelo meio do caminho, como "300" (apenas para ficar na comparação entre obras de Frank Miller). Como grande vilão do filme Rodrigo Santoro consegue ser o que há de melhor no longa (o que não é difícil, já que é um excelente ator), mas pode contribuir muito mais (e escolher projetos melhores) do que aconteceu com "300". De positivo fica toda a exposição que nosso "ator para exportação" conseguiu para efetivamente participar de bons projetos pelo mundo afora.

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Título Original: 300
Gênero: Aventura
Qualidade: DVDRip
Formato: Rmvb
Áudio: Inglês
Legenda: Português

Os Donos da Noite

2009-07-28T08:08:00.000-07:00

Os primeiros minutos de “Os Donos da Noite” (We Own the Night, EUA, 2007) deixam a impressão de que o filme será uma variação urbana das histórias sobre ajustes de contas entre dois irmãos de personalidades diferentes. Um atentado inesperado contra a vida de um deles, porém, faz a narrativa dar uma guinada radical, transformando o que parecia um drama banal em um thriller pesado e sufocante, que remete a outra parábola bíblica: a do filho pródigo. Encharcado de sentimentos opressores – remorso, vergonha, inveja, ódio, vingança – e com um toque autoral inconfundível, o filme se destaca do gênero policial oriundo de Hollywood como uma bem-vinda mancha de sangue.

Curiosamente, apesar de não comportar o senso habitual de espetáculo que o thriller genérico de Hollywood sempre acalenta, trata-se de uma obra de espírito essencialmente norte-americano. É só observar como o conceito de “família” fornece a base moral do sofrimento do personagem Bobby Green (Joaquin Phoenix), o protagonista. Toda a trama é narrada do ponto de vista dele, que trabalha como gerente de um clube noturno situado no subúrbio de Nova York. Dar ao trabalho a perspectiva de Bobby é uma decisão crucial do diretor e roteirista James Gray. Qualquer outra opção, como contar a história dos dois irmãos de forma paralela, abrindo o mesmo espaço para ambos, transformaria a obra em mais um melodrama lamacento.

Bobby é um jovem de futuro promissor. Tem uma bela namorada porto-riquenha (Eva Mendes) e a confiança irrestrita do dono do negócio, um rico imigrante russo que tem parentes ligados ao tráfico de drogas na cidade. Bobby sabe disso, mas faz vista grossa à situação. E é justamente ela que o reaproxima da família, com quem mantém frio contato social. O pai (Robert Duvall) e o irmão Joseph (Mark Whalberg) são policiais e têm planos de endurecer o jogo contra os traficantes da cidade. Tentam recorrer à ajuda de Bobby, já que um dos barões da droga (Alex Veadov) fecha negócios justamente na boate que ele gerencia. Bobby tenta se manter neutro. “Vai chegar a hora em que você terá que escolher um lado”, profetiza o pai. Ele está certo.

Jovem promissor e talentoso, o diretor James Gray é um autor bissexto. Fez apenas três longas em quase quinze anos de carreira, parcialmente por insistir em filmar projetos autorais nos intestinos de uma indústria cinematográfica que abomina este tipo de trabalho. A característica o faz mais conhecido e respeitado no cenário do cinema europeu do que dentro dos Estados Unidos. Gray já ganhou prêmio de melhor diretor no Festival de Veneza. “Os Donos da Noite” entrou na competição oficial do Festival de Cannes de 2007, e deixou boa impressão na crítica européia, algo que não ocorreu nos EUA. O filme demorou seis meses para estrear em casa, fracassou nas bilheterias (US$ 27 milhões) e não teve a aclamação esperada pela crítica.

Em parte, a recepção fria pode ser explicada pela relativa semelhança do longa-metragem com pelo menos dois outros projetos contemporâneos. A presença de Mark Whalberg no elenco é apenas um dos muitos pontos de contato da produção com “Os Infiltrados” (2006), que deu o Oscar a Martin Scorsese poucos meses antes da estréia. “Os Donos da Noite” ainda deu o azar de ser exibido quase ao mesmo tempo em que “O Gângster” (2007), de Ridley Scott, que é muito parecido tanto na ambientação (tráfico de drogas, Nova York estilo vintage) quanto na temática (família). O filme de Scott, veterano que valoriza muito mais o senso de espetáculo, prioriza a trama. O de James Gray prefere os personagens. A escolha rende um bom trabalho, mas afasta o público.

O filme não é perfeito. Tem problemas, por exemplo, na reconstituição de época, que lembra muito mais os anos 1970 do que os anos 1980 (a ação se passa em 1988). As roupas, as músicas e o feeling geral da obra remetem ao período de “Operação França” (1971), título de William Friedkin com o qual guarda semelhanças. A rigor, não há nada na trama que remeta à colorida e singular década de 1980, e a ótima fotografia de Joaquin Baca-Asay usa sombras e chuva como elementos cênicos, dando à narrativa discretos tons pastéis. Se está de acordo com a trama, a textura empoeirada das imagens não bate com a época retratada pelo filme. O problema transparece até mesmo em um ou outro objeto cênico. Personagens aparecem, por exemplo, tomando cerveja em garrafas long neck transparentes, que não existiam em 1988.

As qualidades da produção, porém, são maiores e mais abundantes do que os defeitos. O enredo incorpora três seqüências de ação viscerais e realistas, por exemplo, sem forçar a barra. São momentos espetaculares que se integram de modo orgânico e natural à trama, e chamam a atenção sobretudo pela espetacular edição que som, que se transforma em assinatura estilística do diretor. Gray consegue dar às três seqüências o ritmo da respiração (literal e figurativamente) do personagem principal, usando a mesma estratégia – abafa os sons diegéticos, naturais, e realça um ruído específico em cada cena (um zumbido, o bater do coração, o som do pára-brisa), modulando-o no ritmo e na intensidade necessários. O resultado é sensacional.

Além disso, Joaquin Phoenix apresenta um desempenho excepcional. Sempre eficiente em papéis de homens torturados, o ator engole todos os colegas quando está em cena, incluindo o veterano Robert Duvall. Preste atenção, em especial, na grande seqüência do filme, que flagra uma conversa entre os dois irmãos dentro de uma delegacia. É um momento íntimo e especial, em que cada um confessa os ressentimentos nutridos durante anos em relação ao outro – Bobby invejava a relação amistosa de Joseph com o pai, enquanto Joseph admirava a justamente a coragem do irmão em desafiar o genitor (a grama do vizinho é sempre mais verde, certo?). Pode parecer uma cena sem importância, mas é justamente o instante que encapsula e resume perfeitamente o tema do filme, que é a família.

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Título Original: We Own the Night
Gênero: Ação / Drama / Suspense
Tempo de Duração: 117 min
Ano de Lançamento: 2007
Qualidade: DVDRip
Formato: Rmvb
Áudio: Inglês
Legenda: Português
Tamanho: 532 mb

Festim Diabolico(Rope)

2009-07-27T07:23:00.000-07:00

Festim Diabólico é um exemplar cruel do suspense mais sórdido que Hitchcok sabia compor como ninguém. O suspense pelo suspense, como único exercício de mexer com os nervos. Não bastasse fazer isso como ninguém, ainda aproveitou para criar um filme-exercício que ele nunca mais repetiu, mas serviu para atestar seu pleno domínio de cena, de espaço e de atores. Festim Diabólico é rodado inteiramente sem cortes. Nenhum. Os únicos cortes que existem acontecem a cada oito minutos, porque era o limite dos rolos usados na filmagem. Para não quebrar as seqüências, Hitchcok focava as costas de um dos personagens, trocava o rolo e reiniciava a ação partindo das costas para seguir em frente em seu teatro de suspense que, mesmo ambientado em apenas um ambiente, consegue prender a atenção do início ao fim.

O motivo para essa trama angustiante não poderia ser mais hitchcockiana: dois amigos cometem um assassinato no seu apartamento e escondem o corpo em um baú. O requinte de crueldade é que, minutos depois, os convidados de um jantar oferecido por eles chegam ao apartamento: os pais, a noiva, a tia e até o concorrente do morto pelo amor de sua noiva, que jantam na mesa montada em cima do baú onde está o corpo. Para provar sua genialidade, a dupla de assassinos convida também seu professor ( Stewart ), um homem perspicaz e de idéias avançadas, com a idéia de que, se eles conseguirem enganá-lo, provarão que um assassinato é, também, uma obra de arte, privilégio de inteligências e classes superiores.

Todo o nervosismo está no fato de que a platéia, aqui, é cúmplice dos assassinos, e não do lado bom da estória. É até irônico a forma como Hitchcok brinca com essa dualidade de sentimentos: ele coloca o público primeiro temendo pelo momento em que todo o estratagema pode ser descoberto- e são várias as ocasiões em que isso acontece - e gradativamente passa a colocá-lo ao lado do professor Rubert Cadell de Stewart, dividindo um misto de ansiedade e temor pelo que pode acontecer. E brinca com os nervos do público usando de simples objetos, como uma corda usada para amarrar livros. Faz com que a audiência, extremamente indecisa quanto à seus sentimentos, passe a simplesmente se angustiar pelo que quer que vá acontecer – um sentimento ampliado pela prepotência do cérebro da dupla criminosa, Brandon Shaw, que começa a jogar pistas a esmo sobre seu crime, e o desespero do inseguro Phillip com o jogo perigoso mantido pelo parceiro. Manter esse jogo durante 80 minutos em uma encenação sem cortes, com cada movimento e posição marcado e coreografado não é para qualquer um. Hitchcok amplia esse exercício com o movimento certo, com o close essencial, com a mudança de direção necessária enquanto amplia a tensão. É uma mescla entre o teatro e o cinema – repare como o cenário da cidade muda suavemente de tom, do fim de tarde até a noite – em uma história em tempo real onde a angústia, também, molda-se de forma quase imperceptível, mas extremamente palpável. Uma pena apenas que o final, extremamente abrupto e excessivamente teatral, não faça jus ao restante desse exercício primoroso, que apenas por isso é apenas quase perfeito.

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Título Original: Rope
Gênero: Suspense
Qualidade: DVDRip
Formato: Rmvb
Áudio: Inglês
Legenda: Português

Um Morto Muito Louco(Weekend at Bernie´s)

2009-07-27T07:16:00.000-07:00

Parte integrante daquela minha famosa lista de clássicos dos anos 80 não reconhecidos, Um Morto Muito Louco é um filme que parte de um absurdo, é lotado de humor negro absurdo e tem uma conclusão ainda mais absurda – e, justamente por isso, é tão bom! É um perfeito exemplo de filme que as pessoas assistem mais de vinte vezes e passam a menosprezá-lo por isso, mas se ele não é tão bom quanto dizem, por que assistir tantas vezes? É simples: porque ele contagia, diverte e tem um humor afinadíssimo, e por passar tantas vezes na televisão, acabou ficando um pouco desgastado.

Pense no absurdo: dois jovens funcionários de uma corretora de seguros, Larry Wilson (Andrew McCarthy) e Richard Parker (Jonathan Silverman), procurando subir na carreira, decidem passar um final de semana trabalhando e descobrem uma fraude milionária na empresa. Certos de serem recompensados pela descoberta, levam a informação até o seu chefe (Bernie Lomax, interpretado por Terry Kiser), sem saber que este é o responsável por tal irregularidade. Os jovens são convidados então para passar um fim de semana em sua casa, onde seriam mortos, mas, por causa de problemas com a máfia, é o próprio Bernie que acaba morrendo. Decididos a não perder a oportunidade com aborrecimentos policiais, os dois acabam curtindo o local enquanto tentam fazer com que todos não notem que Bernie está morto.

A partir desta longa e absurda (sim, é importante frisar isso) sinopse, o diretor Ted Kotcheff destrincha o roteiro de Robert Klane da maneira mais simples, clara e divertida possível. O número de situações hilariantemente inverossímeis criadas a partir dessa premissa é fantástico, uma vez que diversos complicados momentos são criados para divertir o público na medida certa. É o tipo de comédia inteligente, que foge totalmente dos clichês (piadas de tombos e sexo), onde o que importa é o roteiro, aproveitar o material que lhe foi concedido no início da projeção. Citar exemplos fica praticamente impossível, uma vez que posso estragar a surpresa daqueles que ainda não viram o longa, mas a capacidade das pessoas em não perceber que o homem está morto é incrível, isso indo desde uma festa em sua casa até a hilariante cena em seu quarto, quando a mulher achava que ele a estava traindo (gerando também um dos diálogos mais engraçados do longa).

O curioso é que o filme é tecnicamente impressionante, uma vez que o trabalho de arte e alguns planos são minuciosamente trabalhados para tudo ficar na mais perfeita sintonia. Quanto à arte, posso citar como exemplo a casa onde grande parte do filme acontece: construída em um parque ambiental nos EUA sob autorização do governo, teve-se de ter o cuidado de desmontá-la ao final da produção para que a paisagem natural não fosse prejudicada pelo filme. Tudo é lindo e muito bem fotografado, com o luxo desfrutado pelos personagens saltando à vista graças ao competente trabalho de ambientação feito pela arte. Quanto aos planos, cito o momento em que Richard Parker está com sua namorada na praia e Bernie aparece ao fundo, atrapalhando o momento, ou então quando este mesmo é jogado da varanda por Larry e o menino o enterra (muitos, muitos e muitos risos).

O trabalho dos atores é impressionante. Andrew McCarthy e Jonathan Silverman quase que refletem aquilo que o público pensa: “Meu Deus, será que eles não percebem que ele está morto?”. Suas piadas são mais divertidas por suas reações a tudo o que acontece do que por sua formação propriamente dita. Mas o destaque no elenco fica mesmo para Terry Kiser, que faz o papel do morto Bernie Lomax. O homem dá um show e se dispõe a tudo: desde ser arrastado por escadas (fraturou várias costelas nesses tombos) até agüentar um aspirador de pó passando pelo seu rosto. Se em alguns raríssimos momentos percebemos uma ação de Terry, o fato de ele ficar completamente a mercê de tudo o que acontece é fantástico, pois o cara parece realmente estar morto e que não está fazendo tudo aquilo no filme (parece um boneco real muitas vezes, porque ele se dispõe, acreditem em mim, a muitas coisas).

Lógico que o filme possui alguns defeitos, como o seu ritmo por demais acelerado em alguns momentos, uma conclusão simples demais para tudo o que havia acontecido e ter uma personagem mal trabalhada e praticamente inútil à história (Gwen, o interesse romântico de Richard, interpretada pela linda Catherine Mary Stewart), mas são erros causados mais pela ingenuidade não tão ingênua assim na confecção do longa por parte de seus realizadores (não vejo uma pretensão como um todo; e quando me refiro à ingenuidade, digo sobre o fato de acontecer tudo sem se preocupar sobre o que o público vai pensar daquele absurdo todo, e completo com não tão ingênuo assim pelo fato de que tudo é intencional, pensado por seus realizadores, que sabiam o que faziam, mas sem a pretensão de deixá-lo tão grande quanto é hoje).

O resultado final é que Um Morto Muito Louco é um filme inteligente, que vai direto ao ponto e diverte muito, mas muito mesmo. As comédias dos anos 80 (e são muitas) se preocupavam em escolher um tema e trabalhá-lo da melhor forma possível, ao contrário de hoje, que tudo parece ser resumir apenas no sexo, apenas trocando a gostosa do cartaz. Se são sinais dos tempos, hoje somos mais burros do que éramos antes, mas como não acredito nessa hipótese, prefiro não engolir as porcarias feitas por Hollywood hoje em dia e continuar rindo com os meus bons e velhos companheiros de sessão da tarde.

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Título Original: Weekend at Bernie´s
Gênero: Comedia
Qualidade: DVDRip
Formato: Rmvb
Áudio: Inglês
Legenda: Português

Touro Indomavel(Raging Bull)

2009-07-26T20:21:00.000-07:00

É comum que alguns cineastas iludam o público realizando uma obra-prima no começo da carreira e depois nunca mais chegam perto do ápice. Se tivessemos que escolher um filme da carreira de Martin Scorsese para ser rotulado como tal, precisaríamos, no mínino, carregar metade de sua filmografia. "Taxi Driver", "A Última Tentação de Cristo", "Os Bons Companheiros", todos dignos de tal alcunha. Mas talvez o filme que de melhor forma elucidou o dom cinematográfico de Scorsese com uma câmera na mão foi mesmo "Touro Indomável".

Visto com um olhar tecnicamente crítico, "Touro Indomável" é praticamente perfeito. Principalmente se observarmos meticulosamente toda a parte técnica do longa. Claro que para chegarmos a uma conclusão lógica e sensata precisamos ver o filme mais de uma ou duas vezes, enfim. Via de regra, Scorsese consegue fugir de todos os clichês dos filmes esportivos. "Rocky - Um Lutador" em 1976, consagrou-se com um estilo de filmagem maravilhoso, lançando, assim, um desafio a mais aos futuros realizadores de filmes sobre boxe. Na verdade, Scorsese não tinha a mínima idéia de como filmar um filme de boxe, então "Raging Bull" se transforma em um filme onde o que menos importa é o boxe. Sim, "Touro Indomável" não é um filme sobre boxe.

Scorsese traça o perfil de Jake LaMotta (De Niro) com destreza única. LaMotta é um pugilista que vive sempre com seu lado animal a espreita. Família, amigos, esposa. Todos são influenciados por sua brutalidade nos relacionamentos. Sua brutalida, porém, o leva a situações complicadas e provoca consequências dramáticas graves na vida e carreira de um homem solitário como é LaMotta.

Sendo LaMotta filho de imigrantes italianos, Scorsese ganhou uma vantagem em relação ao personagem interpretado por Robert De Niro. A rigor, De Niro dispensa comentários. Faz do ringue, das ruas, dos bares e apartamentos, um palco perfeito para que possa entregar uma das atuações mais monstruosas em todos os tempos. Auxiliado pelo bom companheiro Joe Pesci (ótimo), De Niro faz de Jake LaMotta um personagem assustador e violento, mas que, no fim, o espectador acaba torcendo pelo sucesso e pela chamada "volta por cima" do homem. Por isso, afirmo que "Touro Indomável" não é um filme sobre boxe. É um filme sobre um ser humano inseguro de si mesmo, agressivo ao extremo e acaba sempre metendo os pés pelas mãos.

Caminhando até a parte técnica do longa, chegamos na montagem mais competente da filmografia de Scorsese. A montagem de Thelma Schoonmaker (vencedora do Oscar) é antológica, expressa toda a virtuosidade e complexidade de LaMotta de maneira brilhante. As cenas de luta são fantásticas e cada golpe disparado dos punhos de LaMotta é montado de forma arrebatadora. A fotografia em P&B, dando ênfase aos tons de um cinza mais profundo, caiu como uma luva a resistência de Scorsese em filmar a cores. A mixagem de som é outro quesito que merece destaque (sons semelhantes ao de animais berrando foram mixados para acentuar a selvageria das lutas).

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Título Original: Raging Bull
Gênero: Drama
Tempo de Duração: 128 min
Ano de Lançamento: 1980
Qualidade: DVDRip
Formato: Rmvb (RAR)
Áudio: Inglês
Legenda: Português
Tamanho: 430 mb

Inimigos Publicos

2009-07-26T11:36:00.000-07:00

Inimigos Públicos conta uma daquelas histórias que poderiam ser apenas lendas urbanas, mas que realmente aconteceram. O longa, assinado por Michael Mann (O Último dos Moicanos, Colateral) traz um relato dinâmico e envolvente sobre a vida de John Dillinger (Johnny Depp), vilão e herói nacional nos Estados Unidos da Grande Depressão, nos anos 30.

Após passar um tempo na prisão e compartilhar experiências com outros detentos, Dillinger se torna um exímio assaltante de bancos e logo é considerado o inimigo público número um do Estado. Entretanto, diferentemente de outros ladrões, ele preservava o dinheiro da população, roubando apenas os cofres das instituições financeiras. Com essas atitudes, o malfeitor ganhou a simpatia de parte dos civis - revoltados com a situação de crise monetária do país.

Johnny Depp mais uma vez conduz a trama com muita eficiência. A ousadia e a ambição das ações de seu personagem fecham perfeitamente com o ar transgressor que ele apresenta em suas expressões e diálogos. E ainda há de se ressaltar as rápidas mudanças no estado de espírito de Dillinger. Depp pode ser naturalmente cômico ao desfilar em locais públicos e desafiar o povo a reconhecê-lo. Mas apresenta-se também um gângster implacável nas diversas cenas de tiroteio, ou mesmo como um conquistador elegante e um apaixonado fiel à namorada. Diante de tantas ambiguidades e facetas, é fácil de identificar-se com o criminoso, o que aumenta a expectativa sobre seu desfecho.

Embora o filme foque basicamente a vida de gângster de Dillinger, o roteiro, baseado em livro de Bryan Burrough, ainda dá espaço para o início do FBI e à conduta do agente Melvin Purvis (Christian Bale) atrás do criminoso. Além disso, os métodos violentos do diretor do órgão, J.E Hoover (Billy Crudup), agregam conteúdo histórico ao pano de fundo da narrativa.

De negativo, o que sobressai é a relação de Depp com Marion Cotillard, que interpreta Billie Frechette, amante do protagonista. Não que a química do casal seja ruim, mas o relacionamento dos dois é estabelecido de forma tão rápida que parece inverossível. Felizmente, este fator fica apenas em segundo plano perante os outros ótimos momentos da obra.

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Título Original: Public Enemies
Gênero: Policial
Tempo de Duração: 140 min
Ano de Lançamento: 2009
Qualidade: Ts
Formato: Rmvb
Áudio: Inglês
Legenda: Português
Tamanho: 427 mb

As Ruinas

2009-07-24T09:31:00.000-07:00

The Ruins surge como uma adaptação cinematográfica de um livro como o mesmo nome, e conta com a participação de Jonathan Tucker (The Texas Chainsaw Massacre), Jena Malone (Donnie Darko), Laura Ramsey (The Covenant) e Shawn Ashmore (Solstice).

Durante os últimos dias de férias no México, quatro jovens decidem participar numa expedição até a um remoto templo maia escondido no coração da selva mexicana. Assim que chegam à imponente pirâmide, eis que surge um grupo de indígenas locais armados que os impede de abandonar o local. Sem outra alternativa, o grupo acaba por acampar no topo do templo, descobrindo pouco tempo depois que estão rodeados por uma espécie de planta mortífera.

Apesar ser um pouco rebuscada, a ideia de existirem plantas carnívoras adaptadas à captura de seres humanos é no mínimo intrigante. Seguindo esta linha de pensamento, o filme foca alguns aspectos interessantes, como por exemplo o modo engenhoso como as plantas conseguem enganar e capturar as vítimas. Infelizmente, é muito provável que essas ideias tenham perdido um pouco de verosimilhança quando transpostas do livro para o filme. Por outro lado o terror não surge directamente associado às plantas mas antes às reacções e decisões dos personagens, que vão sendo pressionados e postos à prova, tanto em termos físicos como mentais.

Assim, acaba por haver um certo equilíbrio entre o derramento de sangue e a paranóia ou o desespero. Eventualmente, poder-se-á criticar a fraca, senão total ausência de explicação para a existência das plantas, tal como a certa monotonia em termos de cenário, já que a acção decorre quase sempre no mesmo espaço.

Ainda se poderá referir também a certa passividade dos personagens no papel de vítimas, na medida em que nunca se lembram de tentar destruir as plantas.

The Ruins é mais um filme de terror sobre a luta pela sobrevivência, que merece algum mérito por conseguir caracterizar o agente ameaçador de uma forma suficientemente plausível e dinâmica, sem deixar que a história caia no perigoso domínio da pirosice.

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Título Original: The Ruins
Gênero: Terror
Tempo de Duração: 91 min
Ano de Lançamento: 2008
Qualidade: DVDRip
Formato: Rmvb (RAR)
Áudio: Inglês
Legenda: Português
Tamanho: 379 mb

Os Estranhos

2009-07-23T10:25:00.001-07:00

Seguindo à risca o legado deixado pelo mestre Alfred Hitchcock, Bryan Bertino cria, a partir de experiências próprias, um suspense assumidamente despretensioso. Via de regra, o que Bertino quer é trabalhar com idéia do imaginário da platéia. Ele está ali apenas para mexer com os sentidos do público, sem maiores pretensões, deixando de lado qualquer subtexto ou mensagem subliminar. Para ele, isso pode ser visto na maioria absoluta dos suspenses hollywoodianos lançados com freqüência. O objetivo do diretor é manter o espectador preso na cadeira. E Os Estranhos faz isso muito bem, desde que você esteja disposto a ignorar certos aspectos.

A rigor, existem de fato algumas decisões tomadas pelos personagens que se mostram absolutamente inverossímeis. Mas veja bem: quando James Stewart "mandou" Grace Kelly vasculhar o apartamento de um suposto assassino em Janela Indiscreta ou quando o velho Hitch tentou nos convencer de que Kim Novak não era Kim Novak em Um Corpo Que Cai, ninguém reclamou porque era Hitchcock. Agora quando um diretor estreante dirige uma cena tão absurda quanto (até mais, diria), ele não merece um desconto? Aliás, o público deve ficar de olho, afinal pode estar surgindo mais um autor por aí.

Apesar dos créditos mentirosos, Os Estranhos não é baseado em fatos, e sim em experiências vividas pelo próprio diretor. A trama bastante objetiva mostra o casal Kristen (Liv Tyler) e James (Scott Speedman) voltando de uma festa onde houve uma pequena briga entre os dois. Quando estão em casa, uma menina bate na porta (às 4 da manhã) procurando por uma pessoa que eles desconhecem. Depois de mais uma batida e alguns barulhos suspeitos, Kristen desconfia que tem alguém a mais em casa. A partir daí, o suspense que se desenvolve na tela é expressivo e virtuoso. Nós sabemos o que o casal sabe sobre a invasão. Nem mais, nem menos.

Bertino, que também assina o roteiro, errou na construção da ação dramática em situações de pavor. Apesar de ninguém saber como reagiria se estivesse vendo sua casa ser invadida por três seres mascarados que não dão explicação alguma sobre os motivos da invasão ("por que vocês estavam em casa", diz um mascarado, e só), o diretor propõe soluções idiotas para situações críticas, caindo no velho clichê de que é preciso atitudes babacas para tocar o filme para frente. Não é bem assim. Já que tinha um roteiro bastante eficiente, Bertino poderia ter trabalhado melhor algumas idéias. Menosprezar a inteligência do espectador não é legal.

O fato é que os deslizes criativos do diretor e roteirista não são capazes de desviar o foco narrativo do longa. Os Estranhos existe apenas para manter o espectador tenso, apenas isso. E Bertino faz de sua câmera o principal ingrediente para tanto. A câmera anti-estática e que caminha lateralmente com elegância é um artifício muito bem empregado, e que funciona como um tempero a mais ao suspense gradativo que o diretor elabora. Com ângulos que permitem o espectador saber mais que os mocinhos (às vezes, só às vezes) e fotografia excelente, que utiliza uma paleta escura, fazendo bom uso da locação única, Bertino proporciona uma experiência tão assustadora quanto psicológica. A velha trilha sonora estridente está presente como prequel para assustar, mas não consegue fazer isso porque todo mundo já está careca de saber que quando ela começa logo, logo vem o susto. Os Estranhos funciona mais quando quer manter o espectador tenso, sem sanguinolência e membros decepados.

Parente direto de Violência Gratuita, de Michael Haneke, Os Estranhos (menos intelectual e mais descompromissado, mas não menos eficiente) acaba por tornar-se um exercício muito bem executado e, antes tudo, um trabalho primoroso de direção. Ademais, Liv Tyler colabora muito com uma interpretação segura e que transmite o real sentimento de pavor de sua personagem. Scott Speedman não mostra nada mais que a construção preguiçosa de seu personagem. Toda a tensão é confiada a Liv, que não decepciona. Os Estranhos é uma surpresa vinda de Hollywood em tempos onde o cinema (quase) não tem mais voz própria.

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Título Original: The Strangers
Gênero: Terror/Suspense
Qualidade: DVDRip
Formato: Rmvb
Áudio: Inglês
Legenda: Português

Identidade

2009-07-23T10:16:00.000-07:00

Lembra quando você assistiu 'Pânico' pela primeira vez? Desde então, foi difícil surgir outro filme que fizesse você pular da cadeira… Até 'Identidade' chegar aos cinemas.

Se o elenco (que é de primeira) não faz você querer ver esse filme, a história fará. 'Identidade' é um suspense psicológico que vai te deixar arriscando palpites até o ultimo segundo. No estilo "Pânico", você vai ter que adivinhar quem é o assassino, que, obviamente só será revelado no fim do filme.

Lembra daquele jogo "Detetive"? Essa é exatamente a premissa do filme. Dez pessoas completamente estranhas ficam presas num hotel barato (que nos EUA é chamado motel), e de repente, elas começam a morrer uma a uma. Apesar de tudo rolar como se fosse um tipo filme de terror, a direção que a história toma no meio do filme faz você perceber o que fez esse filme se destacar entre tantos outros filmes do genêro. E é claro que eu não vou contar!

John Cusak ('Con Air - Rota de Fuga', 'Adaptação'), Ray Liotta ('Hannibal', 'Turbulencia'), Rebecca de Mornay ('A Mão que Balança o Berço'), Amanda Peet ('Fora de Controle'), Clea DuVall ('Garota, Interrompida', 'Prova Final'), Alfred Molina ('Chocolate', 'Homem Aranha 2'), entre outros, estão impecáveis. Eles fazem você sentir cada segundo do filme, e compartilhar da angustia e do medo dos personagens. Tudo isso somado a cenas fortes, gráficas, e cheias de surpresas, são suficiente pra te deixar grudado na poltrona.

Se você estava esperando por um filme que te fizesse sair de casa e ir ao cinema, a sua espera chegou ao fim. Corra para os cinemas, porque pra cada 100 filmes despejados nas telas, somente um é tão bom quanto esse (o que até chega a ser triste).

Não se fazem mais suspenses como antigamente, mas de vez em quando um filme como esse vem pra manter a sua esperança de que Hollywood é capaz de muito mais do que tem feito ultimamente.

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Título Original: Identity
Gênero: Suspense
Qualidade: DVDRip
Formato: Rmvb
Áudio: Inglês
Legenda: Português

Se Beber Não Case(The Hangover)

2009-07-22T08:38:00.000-07:00

É de praxe todo ano aparecer um filme com humor politicamente incorreto que inesperadamente desbanca alguns blockbusters do verão americano e fatura milhões de bilheteria. Foi assim em 2005 com Os penetras bons de bico, ano passado com Trovão tropical e agora em 2009 com Se Beber, Não Case que consegue ter cenas desprezivelmente engraçadas e situações surreais.

A premissa é a básica despedida de solteiro onde alguns amigos levam o noivo pra uma balada que "nunca vão se esquecer". O detalhe aqui é que após um brinde no telhado de um grande hotel de Las Vegas os companheiros se encontram jogados ao chão, bêbados, sem se lembrar de nada da noite anterior e o pior, perdem o noivo sabe-se lá aonde. O resto do filme é uma busca atrás de pistas sobre o paradeiro do garoto que vai se casar dentro de 24 horas.

Sob a direção de Todd Phillips (diretor de Dias Incríveis e roteirista de Borat) o filme conta com algumas cenas que vão fazer algumas pessoas terem crises de riso como a sequência do tigre e até mesmo os créditos finais, mas o melhor são as sacadas "incorretas" do roteiro como a brincadeira que o barbudo Alan Garner (Zach Galifianakis) promove com um bebê em uma mesa de bar. E elas estão por todas as partes do longa.

Conte ainda com boas performances cômicas de Bradley Cooper (Ele Não Está Tão a Fim de Você) como o canastrão Phil e a melhor de todas, a de Ed Helms (o engraçadíssimo Andy Bernard da série The Office) como o bobinho Stu que conta com sacadas mais absurdas de toda a trama. Ah, e ainda tem uma participação de... Mike Tyson, no papel dele mesmo. E acredite, faz rir.

Depois de ultrapassar a barreira dos 183 milhões de dólares de bilheteria mesmo tendo custado apenas 35 e ainda estar figurando entre as 5 maiores bilheterias durante 3 semanas consecutivas lá fora, o filme tem fortes chances de atrair um grande público também no Brasil (ainda que Trovão tropical tenha feito algo parecido ano passado e mesmo assim passou despercebido pelos cinemas brazucas). Mas o potencial sucesso teen do filme não deve ofuscar o seu brilho como obra proibida pra menores (mesmo com tantos sucessos do mundo pop em seu núcleo) e que tem algo que anda faltando em muitos dos filmes de comédia ultimamente: humor.

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Título Original: The Hangover
Gênero: Comédia
Tempo de Duração:
Ano de Lançamento: 2009
Qualidade: DDC
Formato: Avi
Áudio: Inglês
Legenda: Português
Tamanho: 730 mb

Exterminador do Futuro, A Salvação

2009-07-21T09:40:00.000-07:00

No ano de 2018, a Skynet está capturando seres humanos. John Connor é o responsável pela resistência humana na guerra contra as máquinas.

Para homenagear os fãs, quando Rocky Balboa chegou aos cinemas foram usados trechos dos filmes anteriores como flashback. Apenas Rocky V (1990), considerado o pior da franquia, ficou de fora. Em O Exterminador do Futuro: A Salvação (Terminator Salvation) acontece um fenômeno semelhante: o terceiro longa é considerado o mais fraco e não precisa ser assistido para a compreensão do novo episódio. Os elementos dele não são usados como referência nessa aventura. Já em relação aos outros dois, há falas, músicas e até objetos de cena que fazem alusão às outras peripécias do clã Connor.

Como o protagonista, Christian Bale parece estar tentando copiar os passos de Harrison Ford nas décadas de 1970 e 1980. Nesse período, Ford tinha dois papéis nos cinemas que são venerados pelos nerds: Han Solo, na saga original de Star Wars, e Rick Deckard, de Blade Runner (1982). Já o Bale do século 21 é o intérprete de Batman e John Connor. Mas enquanto Solo é muito mais carismático do que Skywalker, Bale tem uma sina mais triste. Em ambas as produções, a presença dele é ofuscada por um ator que rouba a cena. Em Cavaleiro das Trevas Heath Ledger é o memorável Coringa, e em Exterminador 4 quem se sai melhor é Sam Worthington (Morte Súbita), no papel de Marcus Wright.

Para quem está interessado na ação, o filme é um banquete. Sequências de perseguição, tiroteio e lutas cheias de adrenalina são o presente para os mais empolgados. Os efeitos visuais funcionam bem e não transformam o espetáculo em videogame.

O calcanhar de Aquiles de Exterminador 4 é a cena final. O desfecho parece ter sido tirado de uma redação de sexta série. Para o bem dos fãs, o que é construído nos primeiros 90% do enredo é tão bom que o final não estraga por completo a experiência.

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Título Original: Terminator Salvation
Gênero: Ação / Ficção Científica
Tempo de Duração: 130 min
Ano de Lançamento: 2009
Qualidade: DDC
Formato: Rmvb
Áudio: Inglês
Legenda: Português
Tamanho: 398 mb

Harry Potter e O Enigma do Principe

2009-07-21T09:18:00.000-07:00

A franquia 'Harry Potter' está se tornando cada vez mais interessante nos cinemas. A linha mais adulta e inteligente iniciada com 'Prisioneiro de Azkaban' foi tomando força, e 'O Enigma do Príncipe' é o filme mais sombrio até aqui.

O diretor David Yates conseguiu transformar o quinto filme da franquia, 'Harry Potter e a Ordem da Fênix', em uma sessão divertida. O livro, considerado por muitos fãs como chato, se transformou em um ótimo filme. Sendo assim, ele teve mais liberdade em adaptar 'Harry Potter e o Enigma do Príncipe' da sua maneira.

Como toda adaptação, 'Harry Potter e o Enigma do Príncipe' não irá agradar a todos. Muitas passagens do livro foram deixadas de fora do filme, e algumas alterações serão notadas. Mas no geral, Yates conseguiu novamente e criou uma história bem amarrada, utilizando o que realmente importava no livro para abrir espaço para as duas últimas adaptações que estão por vir. E criou um filme que merece aplausos.

'Harry Potter e o Enigma do Príncipe' traz a história do sexto ano de Harry Potter na escola de magia de Hogwarts. Enquanto Harry começa seu ano em Hogwarts, Lorde Voldemort traz destruição pela Inglaterra e a necessidade de derrotá-lo torna-se cada vez mais forte. Usando um antigo livro de poções que pertenceu ao Príncipe Mestiço, Harry aprofunda seus conhecimentos de magia e prepara-se para a guerra.

Antes ele precisa ajudar Dumbledore a descobrir o segredo da cruzada de Voldemort para conseguir a eternidade: o esconderijo de suas Horcruxes.

De todos os filmes da franquia, este pode ser considerado o que mais difere do livro. O roteiro praticamente alterou rumos da história, mas de uma maneira bem construida e funcional. Afinal, filme e livro são bem diferentes, e o que funciona em um pode não dar certo em outro. A construção dos personagens ficou mais interessante, e os argumentos do roteirista Steve Kloves convencem, sendo coerentes com as atitudes dos protagonistas.

Os atores evoluiram a cada filme e estão cada vez mais ligados aos personagens. Afinal, foram quase 10 anos atuando nos filmes da franquia.

Rupert Grint está hilário como Rony Weasley, e conseguiu uma química ótima com a novata Jessie Cave (Lilá Brown). Emma Watson está cada vez melhor como Hermione, sendo a atriz que teve melhor desempenho desde o primeiro filme, aqui ela prova não ser apenas uma atriz infanto-juvenil que se deu bem em uma franquia milionária, e sim uma ótima atriz que evoluiu e merece louvor. Daniel Radcliffe também demonstra amadurecimento e entrega aqui sua melhor atuação até o momento.

O elenco de nomes britânicos é invejável. De Helen McCrory (Narcisa Malfoy) e Alan Rickman (Severo Snape) a Jim Broadbent (Horácio Slughorn), um show de grande nível de consagrados atores.

A direção de Yates continua brilhante (mesmo que minha preferência ainda seja por Alfonso Cuarón, diretor do perfeiro Prisioneiro de Azkaban). Ele consegue manter o clima do livro, adicionando um toque mais sombrio e adulto com uma fotografia impecável, além de criar efeitos visuais e especiais mágicos.

'Harry Potter e o Enigma do Príncipe' consegue preparar o público para o final da franquia com louvor, além de deixar a certeza que Yates cumprirá seu papel e entregará mais dois filmes ótimos. A única tristeza dos fãs é saber que o momento final está se aproximando, e a franquia milionária que nunca decepcionou chega ao fim em apenas dois anos.

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Título Original: Harry Potter and the Half-Blood Prince
Gênero: Aventura
Tempo de Duração:
Ano de Lançamento: 2009
Qualidade: Ts
Formato: Rmvb
Áudio: Inglês
Legenda: Português
Tamanho: 450 mb

Os Passaros

2009-07-20T10:27:00.001-07:00

Uma tática infalível para ganhar respeito intelectual, nos Estados Unidos, é pegar alguma obra subvalorizada de um ícone da cultura popular daquele país e dar-lhe uma nova interpretação. Camille Paglia fez isso com o filme “Os Pássaros” (The Birds, EUA, 1963), de Alfred Hitchcock, como passo inicial rumo ao estrelato. Paglia escreveu uma longa, minuciosa e estridente análise do filme, depois publicada como livro (também no Brasil, pela Rocco), e provocou uma apressada revisão do conteúdo crítico da película.

Antes do polêmico ensaio de Camille Paglia, “Os Pássaros” era visto como o marco inicial do período de decadência do mestre do suspense. Como se sabe, nos 10 ou 15 anos anteriores Hitchcock havia feito uma quantidade anormal de grandes filmes, incluindo “Um Corpo que Cai” e “Psicose”, as duas obras-primas incontestes. No entanto, muitos críticos da época assinalaram em “Os Pássaros” como o primeiro momento em que Hitchcock começou a perder o controle rígido que tinha sobre o processo de construção dos filmes que fazia.

Eles não estavam errados, é claro. Hitchcock realmente faz o filme de forma pouco usual para ele. Seu método de trabalho era simples: ele montava todo o filme na cabeça, antes de ir para os sets, o desenhava em storyboards minuciosamente e depois simplesmente cumpria aquilo que planejava. Aliás, costumava achar o processo de filmagem em si entediante, pois já sabia o que iria obter. Quando começava a filmar, Hitchcock já estava pensando no filme seguinte.

Em “Os Pássaros”, contudo, tudo foi diferente. As filmagens não foram organizadas, o roteiro de Evan Hunter ia sendo refeito nos sets e boa parte do material filmado acabou no chão da sala de montagem – o único caso em que Hitchcock não aproveitou 100% daquilo que filmou. De qualquer forma, o livro de Camille Paglia se desviou da análise técnica da obra e veio chamar a atenção para um aspecto temático importante do filme: a temática feminista.

Quando “Os Pássaros” começa, a dondoca Melanie Daniels (Tippi Hedren) conhece e é esnobada pelo bonitão Mitch Brenner (Rod Taylor), numa loja de pássaros de San Francisco. Ela fica caída por ele, e toma a iniciativa seguinte: compra um par de “pássaros do amor” e segue para a vila pesqueira de Bodega Bay, onde o paquera passa os finais de semana, com o pretexto de presentear a irmã pequena do rapaz.

A teoria de Paglia é de que Hitchcock foi o primeiro dos diretores clássicos a quebrar o paradigma da submissão feminina em Hollywood. Para Camille Paglia, Hitchcock mostrava o quanto era machista ao associar, de forma sutil, a fúria da natureza a uma espécie de punição pela libertinagem da loura. Afinal, em 1963, quantas mulheres davam em cima de um homem tão ostensivamente sem sair impune?

Numa coisa Paglia tem razão: o filme é ousado mesmo. O irônico, porém, é que em 1954 o crítico francês André Bazin já apontava esse mesmo traço feminista, de forma inversa, em “Janela Indiscreta”. Bazin, que nunca compartilhou da paixão do pupilo François Truffaut pelos filmes do mestre do suspense, achava que “Janela Indiscreta” era um filme comum, quando visto do ponto de vista do suspense.

Para o pensador francês, a revolução de “Janela Indiscreta” era a personagem de Grace Kelly, uma editora de moda que praticamente pedia de joelhos ao fotógrafo viril vivido por James Stewart para dormir com ele. E, em “Janela Indiscreta”, quase dez anos antes de “Os Pássaros”, ela consegue o objetivo sem ser punida.

Não é preciso ser um gênio para perceber a semelhança e as diferenças, nesse aspecto, entre os dois filmes. Um conhecedor mediano da obra de Hitchcock vai perceber, aliás, muitos elementos recorrentes em “Os Pássaros”: a loura gélida e impulsiva (“Marnie”, “Um Corpo que Cai”), a mãe castradora (“Psicose”, “Rebecca”) e até o uso cinematográfico de pássaros como símbolo de caos e desordem (as corujas empalhadas de “Psicose”).

Uma inovação importante de “Os Pássaros”, que pouca gente percebeu, é a estrutura do enredo, que até hoje é reciclada nos chamados blockbusters, os grandes filmes de Hollywood: um caso de amor servindo de pretexto para a exibição de cenas de catástrofe, com muitos efeitos especiais e cenas de grande requinte técnico.

Nesse ponto, “Os Pássaros” é um sucesso absoluto. Hitchcock acerta inclusive ao manter o grande enigma do filme, que é a razão do repentino ataque de pássaros aos humanos. O que diabos está acontecendo afinal, pergunta o espectador? O final do filme não resolve essa questão e deixa cada membro da platéia imerso nos próprios pensamentos, o que contribui para firmar a aura excêntrica e sombria do filme.

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Título Original: The Birds
Gênero: Suspense
Qualidade: DVDRip
Formato: Rmvb
Áudio: Inglês
Legenda: Português

Vanilla Sky

2009-07-20T10:21:00.000-07:00

Pouco depois das filmagens de “Missão Impossível 2”, em 1999, Tom Cruise começou a procurar um roteiro mais denso para transformar em filme. Ele não queria uma trama de ação desenfreada, como a produção anterior. Numa tarde, assistiu ao suspense psicológico espanhol “Abre los Ojos” (no Brasil, Preso na Escuridão) e ficou impressionado. Cruise levou dois anos para refilmar a trama. O resultado, “Vanilla Sky” (EUA, 2001,888), é um filme que celebra a cultura pop e, ao mesmo tempo, trava uma interessante discussão sobre a verdadeira natureza da realidade.

Em português, o título deveria ser “Céu de Baunilha”, referência à paisagem de um quadro de Monet que o protagonista guarda no quarto do apê transado que possui, em Nova Iorque. O leitor atento deve estar pensando na quantidade de dinheiro que o sujeito deve ter no banco, para poder guardar um Monet em casa. Dinheiro, aliás, é a chave do enredo. Cruise interpreta David, um playboy bonitão que herdou um império editorial e vive chegando atrasado no emprego, depois de farras com belas mulheres. Ele se envolve com duas beldades, a ciumenta Julie (Cameron Diaz)e a misteriosa Sofia (Penélope Cruz). É o clássico triângulo amoroso: a primeira é apaixonada por ele, que não quer nada com ela além de cama, mas se apaixona pela espanhola.

Aí vem a reviravolta. Desprezada, Julie revela uma faceta homicida e envolve o galã num acidente de carro que mantém David em coma por três semanas e o deixa com o rosto desfigurado. É o inferno para um sujeito vaidoso, que nasceu em berço esplêndido e não conhece a dor da rejeição – exatamente aquilo que vai experimentar. A paquera com Sofia vira paixão avassaladora, mas não vai em frente, e o ex-belo garotão entra numa paranóia de delírios conspiratórios cada vez mais tensa e complicada.

”Vanilla Sky” é bacana, mas a faceta pop acaba diluindo a força do original espanhol. A segunda produção do diretor Alejandro Amenábar era pobre de recursos (César, o milionário de “Abre los Ojos”, dirigia um Fusca!), mas tinha um diferencial: transpirava criatividade. Assim como o subestimado “Vidas em Jogo”, de David Fincher, enfocava o mundo artificial e vazio dos novos ricos e usava a trama de suspense para discutir questões como religião, morte e o conceito de realidade. “Abre los Ojos” era atrevido e não tinha medo de ser politicamente incorreto, especialmente ao apresentar como protagonista um sujeito narcisista, arrogante e egoísta até nos momentos mais tristes.

A refilmagem americana, por sua vez, prova que a chave dos grandes filmes está na sutileza, nos pequenos detalhes. O roteiro reescrito pelo competente cineasta Cameron Crowe (do ótimo drama “Quase Famosos”), repete praticamente cena por cena o enredo do suspense espanhol, e mesmo assim acaba ficando muito diferente. O problema é que Crowe suaviza demais os traços de canalhice do protagonista, tentando transformá-lo numa espécie de playboy amadurecido, na segunda metade da trama.

O final do filme, aliás, deveria servir de lição para Hollywood aprender como não se deve terminar um thriller. Ao contrário do original, que deixava várias linhas de raciocínio em aberto, Crowe preferiu esquecer os elementos de suspense, rechear as imagens de cores mornas e dar uma lição de moral ao protagonista (e ao espectador).É a velha mania de subestimar a inteligência da platéia. O novo roteiro transforma a complicada trama num bolo politicamente correto e entrega na boca do espectador.

Mesmo com esses vacilos, o enredo inteligente e cheio de reviravoltas garante a diversão, especialmente de quem não viu a produção espanhola. As referências visuais a capas de disco (Bob Dylan) e filmes famosos (“Jules e Jim”, “Acossados”) são uma contribuição bem sacada de Crowe ao enredo. A trilha sonora (com R.E.M. e Radiohead em momentos-chave e Paul McCartney numa boa canção original) também soa fresca e criativa. Já as atuações, especialmente o trabalho do casal ajuntado nos bastidores, Cruise e Cruz, estão empostadas e algo artificiais. Num filme sobre o mundo de plástico dos yuppies, porém, isso até que vem a calhar.

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Título Original: Vanilla Sky
Gênero: Suspense
Tempo de Duração: 145 min
Ano de Lançamento: 2001
Qualidade: DVDRip
Formato: Avi
Áudio: Inglês
Legenda: Português
Tamanho: 684 mb

Estranhos Prazeres(Strange Days)

2009-07-19T10:03:00.000-07:00

Há alguns filmes cujo sucesso, ou falta dele, é um verdadeiro enigma. O thriller sci-fi “Estranhos Prazeres” (Strange Days, EUA, 1995) se encaixa perfeitamente no segundo caso. Elaborado a partir de uma premissa inteligente, com ótima trilha sonora, boas atuações e uma cinematografia arrojada, o longa-metragem dirigido por Kathryn Bigelow foi um fracasso de bilheteria nos EUA e, apesar de ter influenciado produções vindouras do mesmo filão – inclusive “Matrix” – jamais alcançou boa repercussão, nem mesmo entre os ciclos de cinéfilos especializados em redescobrir boas obras que passaram em branco pelos cinemas.

O nome por trás de “Estranhos Prazeres” é o do diretor e produtor James Cameron. Ele escreveu o roteiro do longa-metragem inspirado nos levantes populares de 1992, em Los Angeles. Para quem não lembra, multidões de afro-americanos destruíram lojas e realizaram saques na cidade norte-americana, depois da divulgação de uma fita de vídeo que mostrava policiais da cidade espancando um jovem negro. Cameron elaborou uma versão ficcional do caso, misturou-a aos então populares relatos sobre o bug do milênio (esperava-se uma pane generalizada de computadores na virada de 1999 para 2000, o que acabou não acontecendo) e criou uma autêntica narrativa cyberpunk.

No filme, Lenny (Ralph Fiennes) é um ex-policial que ganha a vida vendendo uma nova droga proibida por lei: pequenos discos digitais contendo gravações das ondas cerebrais de pessoas passando por experiências radicais. Acoplados a um aparelho especial, os tais discos fazem os usuários sentir todas as sensações e emoções de quem viveu aquela situação real. A trama é disparada depois que Lenny recebe um disco que contém imagens potencialmente explosivas. Ele passa a ser perseguido, e ainda tem que lidar com a ex-namorada por quem é apaixonado (Juliette Lewis) e com o roqueiro violento que está saindo com ela (Michael Wincott). Para resolver o caso, Lenny conta apenas com a ajuda de dois amigos, um detetive (Tom Sizemore) e uma agente de segurança (Angela Bassettt).

Embora recorra a clichês do gênero, especialmente no terceiro ato, “Estranhos Prazeres” se beneficia do excelente elenco e do trabalho minucioso na área visual. A fotografia é sensacional, com destaque para as seqüências subjetivas, em que a câmera – um aparelho construído especialmente para o filme – assume o ponto de vista de quem está usando o disco-droga. Também é ótima a ambientação futurista-distópica, reembalada de “Blade Runner” (1982) e que influenciou decisivamente thrillers futuristas como “Minority Report” e “Matrix”. Por fim, a trilha sonora, com canções de Tricky e PJ Harvey (cantada no filme por Juliette Lewis), é outro destaque.

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Título Original: Strange Days
Gênero: Ficção Científica
Tempo de Duração: 145 min
Ano de Lançamento: 1995
Qualidade: DVDRip
Formato: Rmvb (RAR)
Áudio: Inglês
Legenda: Português
Tamanho: 479 mb

Força Sinistra(Life Force)

2009-07-19T09:50:00.000-07:00

O cineasta Tobe Hooper ficou famoso por ter realizado os clássicos O Massacre da Serra elétrica e Poltergeist, e depois ter se afundado num abismo de filmes ruins, do qual nunca conseguiu se reerguer. Mas muita gente se esquece que antes de mergulhar na lama ele fez outro filme memorável: Força Sinistra (1985), que no início dos anos 90 era um dos recordistas de reprises na rede globo.

No filme, um grupo de astronautas vai ao espaço numa expedição para explorar o Cometa Halley. Ao chegarem próximos do cometa, o radar detecta uma nave gigantesca no rastro do corpo estelar. Intrigados, os astronautas resolvem penetrar na nave, e acham em seu interior vários invólucros com corpos de aparência humanóide. Para fins de estudo, eles levam três dos invólucros para sua nave, incluindo um que contêm uma linda “mulher” em seu interior.Alguns dias depois, a nave perde contato com a Terra, que resolve enviar outra expedição para ver o que aconteceu. Chegando lá, os novos astronautas acham todos os tripulantes mortos e os invólucros intactos. Eles os levam para a Terra, onde a mulher passa por uma série e exames e avaliações, que acabam não revelando muita coisa. Depois de dias de pesquisa, a mulher acorda repentinamente e começa a sugar a energia vital de todos ao seu redor, transformando-os em vampiros de energia.

Original mistura de terror e ficção científica, o filme é um dos melhores dos anos 80. Ao apresentar uma nova versão do mito do vampiro, o filme fugiu dos clichês desse popular subgênero do horror e se tornou um cult. Contando com excelentes efeitos especiais para a época, e bom elenco, o filme surpreendeu ao se tornar um grande fracasso de bilheteria na época de seu lançamento. Aparentemente, o público o achou estranho demais...

Um dos destaques do filme é a envolvente narrativa lenta e misteriosa, que lembra os clássicos do terror e da ficção científica dos anos 50, como “Vampiros de Almas” e “A Bolha assassina”.

Indicado principalmente para fãs de terror e ficção científica, “Força Sinistra” é entretenimento garantido.

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Título Original: Lifeforce
Gênero: Terror / Ficção Científica
Tempo de Duração: 116 min
Ano de Lançamento: 1985
Qualidade: DVDRip
Formato: Rmvb (RAR)
Áudio: Inglês
Legenda: Português
Tamanho: 402 mb

IT

2009-07-16T09:06:00.001-07:00

Derry, no maine é uma pacata cidade que foi aterrorizada 30 anos atrás por um ser conhecido como ?A Coisa?. Suas vitimas eram crianças, ele se apresentava na maioria das vezes como o palhaço Pennywise. Com essa forma, ele reaparece 30 anos depois. Quem sente sua presença é Michael Hanlon (Tim Reid), um bibliotecário e um único, de um grupo de sete amigos, que continuou morando em Derry. Assim ele liga para seus sete amigos que juraram um dia combater A Coisa. Porém esse juramento pode lhes custarem a vida.

Essa é praticamente a sinopse do filme, e de certeza não empolga nem um pouco, mas "It" é um bom filme de terror e tem uma historia interessante onde alem do terror é explorado bastante a vida de cada personagem.

Esse é mais um daqueles filmes de Stephen King que são produzidor para a TV e tem mais de 4 horas. O filme é dividio em dois atos, o primeiro é a infancia das 7 crianças e o segundo é ja na fase adulta dos personagens.

O primeiro ato do filme é muito bom, é extremamente assustador, o palhaço Pennywise consegue meter medo em qualquer machão, e oque acho legal que as vezes o filme parece ser mais um drama pois explora bastante a vida e os problemas de cada uma das crianças, com isso criando uma maior identificação e ligação com cada personagem, assim nas horas de terror você sente mais medo e torce pelo sucesso deles.

Ja o segundo ato é um desastre total, o atores escolhidos são pessimos, atuações horriveis e varias cenas constrangedoras e sem sentido. Como em um dialogo no final do filme onde um dos personagens do nada esta chorando e fala que é virgem, isso sendo um assunto nunca tocado em mais de 4 horas de filmes e nenhum dos outros personagens comentam sobre isso, desnecessario demais. Mas ate que é razoavel esse ato, oque estraga por completo é o final do filme onde muda totalmente o filme, de um palhaço demoniaco ele vira um monstro aranha com efeitos especiais piores que os das epocas de 50. Não tem como comentar muito o final porque seria um spoiler muito grande, mas é trash e ruim demais, consegue estragar um filme que poderia estar entre os classicos do terror. Mesma coisa que aconteceu com outro bom filme de Stephen King, "Fenda no Tempo", onde o filme é otimo, ate chegar o final e estragar tudo com efeitos especiais que fazem o espectador dar risada e estragando o filme.

Eu nunca li o livro, mas as pessoas que leram falaram que foi uma pessima adaptação, mas isso é uma coisa comum, geralmente as pessoas que leram o livro antes de assistir os filmes acabam não gostando porque ao ler o livro cada um imagina como são as coisas e o filme é apenas uma delas.

Mas recomendo o filme, acho muito bom ele, pena que o segundo ato e o final deixar a desejar comparado com o primeiro. Não é uma obra-prima, mas é mais um dos otimos filmes de Stephen King.

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Título Original: IT
Gênero: Terror
Qualidade: DVDRip
Formato: Rmvb
Áudio: Inglês
Legenda: Português

Maratona da Morte(Marathon Man)

2009-07-16T08:37:00.000-07:00

Dustin Hoffman é Babe, tranquilo universitário e maratonista que acaba enredado numa complicada trama mortal envolvendo um fugitivo nazista, Christian Szell. Laurence Olivier foi indicado ao Oscar por sua brilhante atuação como o sádico Szell, que transforma utensílios dentários em instrumentos de tortura. Baseado no best-seller de William Goldman, o filme eletrizante mantém o suspense até o final.

A história conhecidíssima: durante as gravações de “Maratona da Morte” (Marathon Man, EUA, 1976), o veterano Laurence Olivier encontrou com o colega de elenco Dustin Hoffman durante um vôo de Nova Iorque a Los Angeles. Espantado com as olheiras do ator, o astro inglês lhe perguntou o que andara fazendo para ficar daquele jeito. Dustin respondeu que havia ficado três noites sem dormir, para filmar uma cena em que seu personagem ficava… três noites sem dormir. Chocado, sir Olivier faz a pergunta que se tornaria lendária: “Mas Dustin, por que você simplesmente não interpreta? É mais fácil!”

A anedota ganhou uma tremenda fama entre as rodas de atores em Hollywood, porque expunha de maneira crua o duelo entre os dois métodos de interpretação mais importantes desenvolvidos no século XX. Uma vinha da tradição teatral inglesa, mais intelectual do que física, e tinha o próprio Olivier – mestre das peças de Shakespeare – como maior representante; a outra era a técnica proposta por Lee Strasberg, do Actor‘s Studio, com base nos estudos do russo Stanislavski. Criado nos anos 1950, “O Método” propunha um mergulho total do ator dentro do personagem para interpretá-lo em todas as suas nuances. Marlon Brando era seu ícone máximo.

O fato é que a história foi publicada pela revista Time e acabou ganhando status de lenda urbana. Seria verdade? O DVD de “Maratona da Morte encerra a questão de uma vez por todas. O próprio Dustin Hoffman relembra o fato num dos dois documentários (45 minutos, ao todo) que acompanham o disco. Hoffman confirma a história toda, com uma única ressalva: “Eu nunca disse que havia ficado três dias acordado apenas com o objetivo de interpretar a cena; lembrem-se que aquela era a época da Studio 54 (boate famosa em Nova York na década de 1970)”, diz, sorrindo maliciosamente.

O duelo de interpretação entre dois ganhadores do Oscar, representantes de estilos tão distintos, permanece como maior atração do filme. É uma briga sem vencedores – quase saem faíscas da tela. Hoffman encarna um atormentado estudante de pós-graduação, Babe, que luta para explicar o suicídio do pai, ex-professor universitário, e cronometra longas corridas diárias. Ele é acidentalmente envolvido numa trama internacional de espionagem que começa com uma prosaica discussão automobilística entre dois velhinhos. A tal briga acaba num acidente que pode terminar por revelar o paradeiro do mais procurado carrasco nazista foragido: o dentista alemão Christian Szell (Olivier), autor das experiências mais atrozes da II Guerra Mundial.

“Maratona da Morte” pode ser inserido no contexto dos filmes policiais que vieram no rastro do sucesso de crítica e público de “Operação França” (1971). O uso prioritário de locações abertas é uma influência clara; a direção de fotografia num estilo cru, quase documental, com câmera tremida e luz natural, é outra. As cenas feitas embaixo da Ponte do Brooklyn fazem a homenagem mais explícita. O cineasta John Schlesinger conduz a trama com perfeição milimetricamente estudada. No início, são narradas várias histórias paralelas (a discussão dos velhinhos, o cooper estressado de Dustin Hoffman, uma inocente paquera na biblioteca da faculdade). Elas se cruzam, aparentemente sem ligação, e vão ganhando camadas extras de significado à medida que o filme anda.

O aparecimento de Olivier, sádico e feroz, proporciona uma seqüência antológica do cinema moderno: o carrasco nazista (inspirado em Joseph Mengele, que vivia anônimo no Brasil na ocasião) tortura o estudante numa cadeira de dentista, enquanto repete dezenas de vezes uma única frase, para desespero de um atordoado Hoffman: “É seguro?”. Passo a passo, contando com as presenças marcantes e charmosas de Roy Scheider (“Tubarão”) e da atriz suíça Marthe Keller, o cineasta conduz o filme a um final explosivo. De quebra, o espectador ainda ganha uma das cenas de perseguição mais bacanas do cinema, quando os comparsas do nazista tentam, de carro, pegar Dustin Hoffman correndo descalço e de madrugada entre becos e viadutos da Big Apple.

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Título Original: Marathon Man
Gênero: Suspense
Tempo de Duração: 125 min
Ano de Lançamento: 1976
Qualidade: DVDRip
Formato: Rmvb (RAR)
Áudio: Inglês
Legenda: Português
Tamanho: 413 mb

Tubarão(Jaws)

2009-07-15T08:58:00.000-07:00

"Tubarão" pode ser considerada a obra-chave para compreendermos a carreira de Steven Spielberg. Em 1975, Spielberg ainda não passava de um cineasta promissor com dois filmes bons no currículo ("Encurralado", sua estréia no cinema, e "Louca Escapada", 1971 e 1974, respectivamente). Porém, veio "Tubarão" e apresentou ao mundo aquele que viria a se tornar um dos maiores artesãos do cinema em todos os tempos. Apesar da recepção silenciosa num primeiro momento, bastou "Tubarão" atingir o público jovem, no verão de 75, para Spielberg entrar para história.

Além de inaugurar o termo blockbuster, que nada mais é do que o filme destinado ao público jovem, geralmente sem cérebro algum ou história coerente, mas com muitos efeitos especiais e cenas rápidas e, de preferência, com bastante ação, Spielberg dirigiu o filme mais visto na história do cinema, com 62 milhões de espectadores. Posto isso, o leitor mais atento pode desconfiar da idoniedade desta crítica, afinal, no começo deste parágrafo é destacado que blockbusters geralmente não possuem um roteiro coerente, sendo filmes feitos na medida para o divertimento das platéias juvenis. Mas, para toda regra há exceção (com o perdão do trocadilho).

Nada é vago em "Tubarão". Spielberg conta uma história por trás dos ataques do tubarão e mostra que a crise familiar iria se tornar um tema recorrente em seu projeto de cinema. Em 1975, o realizador Steven Spielberg levou ao ecrã a novela campeã de vendas de Peter Benchley, e fê-lo com uma incrível intensidade e um angustiante suspense. "Tubarão", marcou para sempre os espectadores de todo o mundo, aterrorizando apenas com estas palavras: "Não entre na água". Uma vez instalado o pânico, Roy Scheider, Richard Dreyfuss e Robert Shaw unem esforços na luta desesperada para acabar com as quase três toneladas do terrível assassino branco.

Mesmo tendo como base a odisséia de um xerife, um ictiologista e um veterano pescador, "Tubarão" dissemina uma subtrama interessante. O personagem de Roy Scheider, o mais estudado dentre o trio de protagonistas principais, marca o início de um estudo bem pessoal da carreira de Spielberg. O xerife Martin Brody (Scheider) passa por maus bocados dentro de casa e isso serve como um bom pano de fundo para a história principal. Spielberg não perde o foco da narrativa e segura as duas horas de duração facilmente.

Assim como todo o trabalho, a trilha de "Tubarão" entrou para a história. Com apenas duas notas, o mestre John Williams compôs o acorde mais fantástico do cinema (obviamente inspirado no clássico "Psicose", de Alfred Hitchcock. E foi assim, com um boneco mecânico e com uma edição impecável, que o cinema se rendeu ao talento de Steven Spielberg. Mesmo após as três continuações deploráveis que o longa recebeu (o que pode ter confundido a cabeça do público mais desinformado), "Tubarão" ainda é e sempre será um clássico.

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Título Original: Jaws
Gênero: Suspense
Qualidade: DVDRip
Formato: Rmvb
Áudio: Inglês
Legenda: Português

Acampamento Sinistro(Sleepaway Camp)

2009-07-14T08:55:00.000-07:00

Era uma vez um acampamento... Era uma vez um assassino... Era uma vez um pequeno clássico... É assim que começa SLEEPAWAY CAMP, um dos filmes de maníacos em série mais cultuados dos anos 80, uma produção que possui seguidores ferrenhos, mesmo não sendo tão popular quanto SEXTA-FEIRA 13, que veio primeiro e acaba servindo de base de comparação.

E que me desculpem os que são eternos fãs da série SEXTA-FEIRA 13, mas mesmo sendo anterior, eu considero SLEEPAWAY CAMP mais divertido que seu irmão mais famoso. E por divertido também quero dizer ousado: em 1983, a idéia de que alguma criança em um acampamento está matando adultos e outras crianças já é polêmico por si só, porém ninguém esperava uma cena de encerramento tão perturbadora. Sem exagero, foi uma das cenas mais chocantes da história do horror na época e ainda tem impacto mais de duas décadas depois do lançamento.

E assim a "lenda" de SLEEPAWAY CAMP cresceu, se desenvolveu, virou cult, criou fãs incondicionais e após quase 25 anos de sua estréia, envelheceu bastante. E este envelhecimento tem um lado ruim e um lado bom. O lado ruim é que os espectadores acostumados a clips da MTV na tela grande vão atacar a película com paus e pedras. Estes alegarão que o ritmo é lento, há falhas de produção (especialmente no que diz respeito ao orçamento), contém aquele figurino ridículo da época entre outras coisas menores. Entretanto o lado bom diz respeito especialmente à nostalgia e à constatação de que produções de baixo orçamento feitos com criatividade, garra e boa vontade são peças cada vez mais raras hoje em dia. Bem, chega de babação de ovo e vamos ao roteiro.

Apesar de ser eternamente lembrada por sua revelação final, a criação de Robert Hiltzik como um todo não poderia ser mais bacana, porque ao contrário do que possa parecer a primeira vista, existe uma história interessante à ser contada e ela é mostrada com personagens bem desenvolvidos, estereótipos sem parecer vulgar e violência, bastante violência. As mortes oscilam entre a criatividade e o convencional: além do panelão de água quente, temos um afogamento, uma morte por picadas de abelhas, uma flechada no pescoço, apunhaladas, entre outras. Para tristeza dos fãs, Hiltzik não filmou mais nada após este filme de 1983, o que levou muitos a pensar que estava morto. Na verdade ele e sua esposa Missy (co-produtora de SLEEPAWAY CAMP) passaram a se dedicar exclusivamente a sua família.

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Título Original: Sleepaway Camp
Gênero: Terror
Qualidade: DVDRip
Formato: Rmvb
Áudio: Inglês
Legenda: Português

Invasores de Corpos

2009-07-14T08:48:00.001-07:00

Com certeza a história deste filme exerce algum tipo de magnetismo sobre o público americano. De outra maneira, como explicar que a mesma história (originalmente um filme B) já tenha sido refilmado mais duas vezes, sem que as versões anteriores tenham sido grandes estouros de bilheteria? Foram bem, mas nada que justificasse tanto alvoroço.

Nesta segunda versão (a primeira é de 56, dirigida por Don Siegel; e a terceira é de 94, estrelando Forest Whitaker e Gabrielle Anwar), Donald Sutherland interpreta Matthew, um inspetor do Departamento de Saúde obcecado por seu trabalho e interessado em uma de suas assistentes, Elizabeth. Até que, certo dia, a moça revela estar preocupada com seu marido, um dentista, que mudou radicalmente de comportamento. De acordo com Elizabeth, seu marido não é mais o mesmo, e passou a andar com um grupo de pessoas cujo comportamento é igualmente estranho.

Porém, Matthew não dá a devida atenção à moça. Isso até que um outro conhecido lhe faz uma confidência semelhante: sua esposa também anda agindo de modo estranho. E o que parecia ser um fato isolado se torna comum: várias pessoas começam a estranhar o comportamento de seus respectivos companheiros. O primeiro a notar esta estranha `epidemia` é o psiquiatra David Kibner (interpretado por Leonard `Sr. Spock` Nimoy), amigo de Matthew.

Logo os heróis descobrem que algo de muito estranho anda acontecendo: as pessoas da cidade estão sendo gradualmente substituídas por uma espécie de `clone`, e ninguém sabe como nem porquê. Até que Matthew e seus companheiros passam a ser perseguidos pelos sinistros `invasores de corpos` e a caçada tem início.

Esta história, aparentemente ingênua, pode ser interpretada de várias maneiras possíveis (e foi): como crítica velada ao McCarthysmo; como representação da paranóia americana com relação à `ameaça` comunista; e, na versão mais recente, como uma referência à AIDS. Mas nada disso interessa: o que importa é que esta versão de Os Invasores de Corpo é tensa e bem-realizada (eu ainda não tive o prazer de ver a versão original, de 56, mas não acredito que este filme fique devendo muito a ela).

Donald Sutherland cria um Matthew frenético, que acredita que seu trabalho é o mais importante do mundo. Ele age como se o fato de um restaurante ter ou não fezes de rato na comida fosse capaz de mudar o destino da humanidade. Suas investigações são dignas de qualquer Sherlock Homes ou Hercule Poirot. Ele é, em suma, um homem que ama o que faz. Leonard Nimoy, ainda na fase pré-Jornada nas Estrelas (a série de cinema, obviamente, e não a da tevê), empresta todo o seu talento ao personagem mais ambíguo da trama, a quem o público não sabe se devota sua confiança ou suas suspeitas. Quanto a Jeff Goldblum... bem, basta dizer que ele já era Jeff Goldblum, com todos os seus tiques característicos de interpretação. Os demais atores estão corretos, e só isso.

Uma das falhas do filme é, curiosamente, entrar rápido demais na trama. Logo de cara Elizabeth percebe que seu marido não é mais o mesmo, e isso soa um pouco forçado. Será que não se pode ter um comportamento ligeiramente diferente do usual sem que alguém pense que não somos mais os mesmos? Fora isso, o filme lida bem com sua historinha despretensiosa.

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Titulo Original: Invasion of the body snatchers
Gênero: Ficção Científica
Tempo de Duração: 115 minutos
Ano de Lançamento (EUA): 1978
Formato: Rmvb
Legenda: Portugues

Os Deuses Devem Estar Loucos

2009-07-13T18:39:00.000-07:00

Em sua caminhada pela mata, um aborígene africano encontra uma garrafa de Coca-Cola que foi jogada de um avião. Voltando à sua tribo, todos começam a disputá-la e o aborígene decide devolvê-la aos deuses, de onde ingenuamente pensa ter vindo. Sem querer, acaba encontrando a civilização e pessoas diferentes, como um médico meio maluco e um ditador tirano.

Esse é o "enrendo" do filme, coisa que para uma comedia de besteirol é oque menos importa. Esse filme é da safra dos melhores filmes de besteirol de todos os tempos como, "Top Gang", "Aperte os Cintos que o Piloto Sumiu", "Top Secret", entre outros. Hoje em dia 99% das comedias besteirol são satiras de filmes, "Os Deuses Devem Estar Loucos" é uma das excesões onde a maioria das piadas são originais sem precisar satirizar ninguem.

O genero de comedia besteirol é aquele de amar ou odiar, eu sou um dos que amam, filmes repleto de piadas a cada segundo e de tão idiotas conseguem arrancar otimas gargalhadas. Esse longa é um exemplo de como pode ser divertido, original e bem feito uma comedia besteirol. Classico das sessão da tarde nos anos 80/90.

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Título Original: The Gods Must be Crazy
Gênero: Comedia
Qualidade: DVDRip
Formato: Rmvb
Áudio: Inglês
Legenda: Português

Dia dos Namorados Macabro(Original)

2009-07-13T10:08:00.000-07:00

Comemorar qualquer data festiva nos Estados Unidos é um hábito arriscado, pelo menos quando você faz parte de um filme de horror, pois pode ser impiedosamente esquartejado por um assassino psicopata mascarado, que considera aquele o "seu dia". Por isso, olho no calendário! Se for Dia das Bruxas, cuidado com o Michael Myers, da série HALLOWEEN. Se for uma sexta-feira 13, quem ataca é o Jason Voorhees, da interminável franquia do mesmo nome recentemente ressuscitada. Não bastasse esta dupla do barulho, ainda há outros psicopatas menos ilustres para cobrir as diversas outras datas comemorativas do ano: 1º de abril (A NOITE DAS BRINCADEIRAS MORTAIS), Natal (a franquia NATAL SANGRENTO), réveillon (RÉVEILLON MALDITO), Páscoa (PRAIA DO PESADELO), formatura (a franquia PROM NIGHT), Dia de Ação de Graças (no impagável trailer falso "Thanksgiving", que Eli Roth
dirigiuem GRINDHOUSE) e até Dia das Mães, além de outras festividades menos célebres.

E quando qualquer data mais ou menos conhecida é desculpa para matar, sobrou até para o Dia dos Namorados! Por isso, se você quiser festejar a data com sua namorada, tenha muito cuidado: é bem neste dia que o maligno Harry Warden sai às ruas. Ele é um mineiro (não, não nasceu em Minas Gerais, apenas é um sujeito que trabalha com mineração!), e usa uma velha picareta suja de sangue para mutilar suas vítimas inocentes e arrancar seus corações, que usa paa rechear caixas de bombons - ironicamente também em formato de coração! Bem, essa é a essência de DIA DOS NAMORADOS MACABRO (My Bloody Valentine), um slasher movie já clássico para a turma da antiga e bastante conhecido pelas suas intermináveis reprises na madrugada da Globo.

DIA DOS NAMORADOS MACABRO foi produzido no Canadá em 1981, um dos anos mais interessantes para os slasher movies, produzidos às pencas no rastro do sucesso do primeiro SEXTA-FEIRA 13 (lançado em 1980). Se filmes fossem vinhos, a safra de 1981 seria considerada excelente: como o leitor pode conferir no texto secundário do meu artigo sobre THE BURNING - CHAMAS DA MORTE, neste ano foram filmados e lançados mais de 30 slashers da era clássica desta subgênero, incluindo o já citado THE BURNING, HALLOWEEN 2, SEXTA-FEIRA 13 PARTE 2, HELL NIGHT - NOITE INFERNAL, QUEM MATOU ROSEMARY?, GRADUATION DAY e outros. Todos eram mais ou menos parecidos, mudando a motivação (e as roupas e máscaras) dos assassinos, e as cenas de morte. Mesmo no caso de DIA DOS NAMORADOS MACABRO, pode-se perceber facilmente, só pelo resumo da trama, que não há nada de novo para contar. Mesmo assim, o filme é divertidíssimo, e acima da média daquela "safra".

Claro que quem for assisti-lo hoje, quase 30 anos depois, com certeza vai achar um festival dos mais batidos clichês do subgênero. E é mesmo! Entretanto, é preciso salientar que DIA DOS NAMORADOS MACABRO foi feito lá atrás, entre os primeiros slasher movies produzidos, e se a maioria das situações hoje é conhecida e virou clichê, antigamente era tudo novo e assustador. Lá pelas tantas, por exemplo, algum personagem secundário começa a contar uma "assustadora" história do passado da cidade para os jovens, relatando a lenda de Harry Warden, e aí entram cenas em flashback, com uma musiquinha assustadora (um clichê máximo do gênero). E o que dizer do assassino mascarado cuja identidade é desconhecida e só revelada no típico final-surpresa? E da cena do casal atravessado por uma lança enquanto faz amor? E dos jovens que não ouvem os conselhos dos adultos e se fodem por causa disso? E do cara que só faz brincadeiras o tempo todo e, quando a coisa aperta, acaba levando a pior? E das mortes criativas? E do final, escancarado para uma continuação??? Pois é, escolha o seu clichê: o filme está repleto deles!

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Título Original: My Blood Valentine
Gênero: Terror
Qualidade: DVDRip
Formato: Rmvb
Áudio: Inglês
Legenda: Português

O Cavaleiros das Trevas(The Dark Knight)

2009-07-12T10:13:00.000-07:00

Batman Begins, como o nome já deixa bem claro, era uma promessa de um início e não uma ressureição ou volta. Era uma quase ordem para que se esquecesse os filmes de Tim Burton e nem se preocupasse com o que foi cometido por Joel Schumacher. O papo ali era sério. O intuito era mostrar um Homem-Morcego de verdade, em um mundo como o nosso, cheio de corrupção, gente falsa e gananciosa e uma alma disposta a mudar tudo isso.

Agora, acabou o papo do "Era uma vez...". Bruce Wayne (Christian Bale) está de volta a Gotham City mais rico e poderoso do que nunca. E o Batman já deixou de ser apenas um mascarado para se tornar um fio de esperança para a cidade e um enorme perigo para os criminosos.

Quando Batman - O Cavaleiro das Trevas (The Dark Knight, 2008) começa, o herói está formado, amadurecido. E isso tem suas conseqüências: 1. O crime organizado se mobiliza com um objetivo em comum: destruí-lo; 2. Pessoas sem treinamento se fantasiam inspirados nos atos de bravura do herói; 3. Surgem malucos dispostos a desbancá-lo por ganância ou simples vontade de ver o circo pegar fogo.

Esta última definição obviamente é uma descrição simples e rápida do maior nêmesis do Cavaleiro das Trevas, o Coringa (Heath Ledger em seu trabalho completo). O personagem criado pelo australiano é um psicopata, assassino sem dó, anarquista que só pensa em uma coisa: criar o caos. Do jeito de andar à forma como ele fala e age, tudo contribui para que não haja qualquer comparação com as versões anteriores do Palhaço do Crime. Pistolas com bandeirinhas escrito "BANG"? Isso é coisa de menininho de 4 anos. O truque agora é fazer lápis desaparecer. E por isso vale o alerta: crianças, fiquem em casa, porque o novo Coringa dá medo!

E ele não vem sozinho como o único novato à série. Do lado oposto surge um "Cavaleiro Branco", o promotor de Justiça de Gotham City, Harvey Dent (Aaron Eckhart). Lutando com as armas que têm em mãos, Dent vai trabalhando duro para se tornar um herói sem máscara, símbolo de uma luta que pode, sim, ter fim, se todos acreditarem e fizerem o que é certo. Seu discurso e suas atitures levaram para o seu lado a jovem assistente da promotoria Rachel Dawes (Maggie Gyllenhaal substituindo e melhorando o que havia sido feito pela sem-graça Katie Holmes no primeiro filme), o tenente Jim Gordon (Gary Oldman) e até mesmo o verdadeiro Bruce Wayne, que nada tem a ver com o playboy festeiro criado como disfarce ideal para o defensor de Gotham.

Para contar as histórias de tantos persongagens do jeito que queria, o diretor Christopher Nolan, que assina o roteiro ao lado do seu irmão, Jonathan, criou um filme que algumas pessoas podem julgar longo, 152 minutos. Mas a verdade é que as mais de duas horas e meia de projeção parecem pouco em um filme que não diminui o ritmo e vai emendando um suposto clímax em algo ainda mais grandioso e dramático. Duas cenas, aliás, merecem destaque especial: o desfecho da cena do hospital e a seqüência do caminhão. Nada de computação gráfica: tudo aconteceu de verdade e foi captado pelas câmeras em um único take que não permitia segundas tomadas. O realismo a que Nolan gosta tanto de falar, vai além de buscar personagens reais. Ele cria também situações reais e que deixam qualquer um de boca aberta.

Não só isso! Nolan parece que ouviu as críticas ao filme anterior e tratou de suavizá-las. Esqueça o alívio cômico protagonizado por Alfred (Michael Caine). Há algumas falas engraçadas, mas sempre dentro de um contexto.

Cansou de ler tantos elogios? Então saiba que Batman - O Cavaleiro das Trevas não é perfeito. Ele tem um defeito enorme: vai ser difícil fazer algo melhor para o personagem. Mas não impossível. Nada é impossível quando se tem dinheiro, técnica e obstinação. Boa sorte, Bruce. Boa sorte, Christopher!

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Título Original: The Dark Knight
Gênero: Ação
Qualidade: DVDRip
Formato: Rmvb
Áudio: Inglês
Legenda: Português

Quebrando a Banca

2009-07-12T10:06:00.000-07:00

É incrível o poder que Las Vegas tem sobre as telonas. É uma cidade bela, colorida, divertida (se você não sair de lá sem dinheiro) e bela. E ainda fica mais bela na tela grande. E neste filme não só a cidade é explorada, como a jogatina e suas nuances, baseado num roteiro inteligente e em atuações bastante interessantes.

O filme é baseado no artigo de Ben Mezrich publicado na edição de setembro de 2002 da revista Wired. Em sua crônica sobre os jovens gênios do MIT que haviam quebrado a banca de Vegas, a matéria de Mezrich possuía de tudo: ação de alto risco, fugas por um triz da equipe de seguranças de Vegas e os altos e baixos do estilo de vida glamuroso de Vegas. Seu artigo era uma história verídica com todos os elementos de um thriller de Hollywood.

No filme, Ben Campbell (Jim Sturgess) é um aluno tímido e superdotado do MIT que – precisando pagar seus estudos na faculdade – encontra a solução nas cartas. Ele é recrutado para unir-se ao grupo de alunos mais geniais da faculdade que rumam para Vegas todos os finais de semana munidos de identidades falsas e do know-how para virar as chances de ganhar no jogo a seu favor. Liderados pelo professor de matemática heterodoxo e gênio da estatística Micky Rosa (Kevin Spacey), eles conseguem criar um código infalível.

Contando cartas e empregando um complexo sistema de sinais, o grupo consegue quebrar a banca de vários cassinos. Seduzido pelo dinheiro, pelo estilo de vida de Vegas e por Jill Taylor (Kate Bosworth), uma colega de grupo inteligente e sexy, Ben começa a extrapolar os seus próprios limites. Embora contar cartas não seja ilegal, os riscos são altos e o desafio se torna não apenas manter a contagem numérica correta, mas também se manter um passo à frente do supervisor de segurança dos cassinos: Cole Williams (Laurence Fishburne).

Com um roteiro extremamente hollywoodiano, o filme contém todo o drama e a adrenalina que faz de um filme desses uma divertida viagem. E Vegas continua bela com seu clima e suas luzes, e é muito bem transportada para as telonas pelas mãos do ágil diretor Robert Luketic ('Legalmente Loira'), que consegue mantém o filme em um bom nível. Uma ótima sessão pipoca para o final de semana.

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Título Original: 21
Gênero: Drama
Tempo de Duração: 123 min
Ano de Lançamento: 2008
Qualidade: DVDRip
Formato: Rmvb (RAR)
Áudio: Inglês
Legenda: Português
Tamanho: 391 mb

Psicose

2009-07-11T10:02:00.000-07:00

Clássico dos clássicos do cinema mundial. Psicose não é só um dos melhores filmes da história, mas também um dos mais plagiados, satirizados e ousados também. Partindo de uma premissa bem simples, o filme virou o marco que é por ter um segredo muito bem guardado, um roteiro que se desenvolve de maneira bem assustadora, atores inspirados conduzidos de maneira mágica pelo gênio Alfred Hitchcock e muito mais. Para mim, sua obra máxima.

A história é baseada em um livro de Robert Bloch e teve seu roteiro escrito por Joseph Stefano, sendo muito feliz na adaptação. Marion Crane é uma bela secretária de uma imobiliária. Certo dia, após seu patrão ter fechado um belo negócio e recebido 40.000 dólares em dinheiro, a loira dos olhos claros não resiste à tentação e rouba a quantia, a fim de conseguir viver com seu amante. Assim se tem início uma fuga da loira para que seu patrão e os outros não a capturem. Só que esse desenvolvimento não é como nos filmes atuais, cheio de perseguição, explosões e ação desenfreada, e sim é um minucioso desenvolvimento psicológico de Marion, onde você sente claramente tudo o que ela está sentindo, sejam pelas falas bem escritas ou pela perfeita direção de Hitch. As expressões de Janet falam por si só muitas das vezes.

O fato curioso é que, no meio da história, o filme troca de protagonistas. Marion deixa de importar para entrar em cena um dos personagens mais marcantes da história: Norman Bates (Anthony Perkins). Norman é dono de um motel de estrada deserto e cuida da mãe, que nunca o deixa se relacionar com outras mulheres, talvez pelo medo de perder o filho para uma moça qualquer. Só que o rapaz se importa, e muito, a ponto de fazer qualquer coisa para que a polícia não descubra um crime que sua mãe cometeu em um passado recente. É nessa parte que temos o brilhantismo e a profundidade do personagem trabalhado. Perkins convence a todo o momento, seu olhar cínico para os policiais, seu carisma, tudo faz com que nos identifiquemos com ele. E tudo contribui para a surpresa que o final do filme nos reserva.

O legal é que nenhum personagem do filme está lá gratuitamente, todos têm sua importância, mesmo que não seja de maneira tão clara. O amante, por exemplo, aparece só no início, mas no final ele retorna e tem uma importante participação no caso. O detetive dá um ponto de equilíbrio para o raciocínio dos personagens envolvidos na história. O policial que pára Marion serve para aprofundar ainda mais o estado psicótico dela. Enfim, nada é gratuito, nada é por acaso. Muito menos as cenas de suspense.

Psicose possui uma das cenas que considero dentre as três mais famosas da história do Cinema: o assassinato no chuveiro. A cena é perfeita. Desde o momento em que o assassino entra no banheiro até a parte final, em que a vítima fica com o rosto colado no chão, sem piscar, enquanto a câmera vai afastando de um lindo close, tudo funciona da maneira certa. Os cortes são usados de maneira rítmica. Ao mesmo tempo em que é desferida uma facada, há um corte. É uma dança de montagem, tudo perfeitamente acompanhado pelo clássico tema de Bernard Herrmann. Como curiosidade, o sangue que rola na cena, na verdade, é calda de chocolate, e os barulhos das facadas são, na verdade, facas sendo encravadas em melões. A ousadia também marca a cena: além de uma dublê nua em certos momentos (nada absurdo, tudo com a sutileza típica de Hitch), nesse filme é que foi pela primeira vez exibido um vaso sanitário nas telas, até então item proibido pela censura.

Outro fator curioso é que Psicose foi extremamente barato. Custou apenas 800.000 dólares e faturou mais de 40 milhões somente em bilheterias. Lógico, digo ‘apenas’ por causa dos padrões cinematográficos de orçamento, mas até para a época o custo foi baixo, mesmo se comparado a outros filmes anteriores de Hitch, como Um Corpo que Cai e Intriga Internacional, que custaram mais de 3 milhões de dólares cada. O custo foi muito bem utilizado, como o preço dos direitos autorais do livro (apenas 9 mil) e ter-se a participação de vários atores do show que Hitch tinha na TV. Orçamento não foi o motivo que levou o diretor a filmar em preto-e-branco, e sim porque ele achava que o filme ficaria sangrento demais à cores, o que acabou acontecendo com a recente refilmagem.

O tema criado por Bernard Herrmann já foi citado anteriormente, mas não é só da música que Psicose brilha na parte sonora. Claro, ela ajuda muito a manter o clima de tensão que quase sempre está presente, mas o som também é usado de maneira brilhante no aspecto narrativo. Além de criar totalmente um personagem, há momentos interessantíssimos que valem ser citados, como quando Maire está fugindo de carro. A imagem fica fixa no rosto da atriz, mas o som está em outro lugar, mais precisamente onde o chefe se encontra procurando a secretária em fuga. Ficamos vendo seu rosto, completamente alterado do estado normal, enquanto o som nos ambienta do que está acontecendo em outro lugar.

Recentemente, mais precisamente em 1998, o filme recebeu uma péssima refilmagem. Dirigida por Gus Van Sant (que não é um mau diretor), o remake peca em tudo o que pretendeu. Desde a personificação de Norman Bates, que aqui está caracterizado de uma forma que estrague tudo o que Hitch preservou em guardar segredo, Gus ainda usa exatamente todos os planos idênticos a versão de 1960. Ao invés de criar sua versão sobre o filme, ele apenas fez uma cópia barata, menor e dispensável. Transformou o clássico em um banho de sangue, além de estragar para muitas pessoas toda a surpresa que Hitch preservava em guardar (tanto que, em 1960, não era permitida entrar em uma sessão de Psicose após ela já ter tido início).

O filme também passou em branco na premiação do Oscar na época. Chegou a ser indicado para 4 estatuetas, de melhor diretor (prêmio nunca recebido pelo gênio em questão), atriz coadjuvante, fotografia e direção de arte. Nem a melhor filme chegou a ser indicado, uma das maiores injustiças das inúmeras que a Academia já cometeu. Pelo menos Janet recebeu o prêmio de melhor atriz coadjuvante no Globo de Ouro do ano. Mas vamos deixar as dores de cotovelo de lado, pois o filme supera tudo isso.

Talvez a única falha de Psicose seja justamente o finalzinho do filme, o final mesmo, os últimos instantes, que o torna auto-explicativo demais, quando não era necessário e todas as cartas da manga já haviam sido reveladas. Tudo o que era necessário para a compreensão de tudo o que houve na trama já havia sido dito. Mas não é um defeito grave, é apenas uma cena gratuita para os que não acompanharam as resoluções dos acontecimentos, nada que atrapalhe o resultado final da obra.

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Título Original: Psycho
Gênero: Suspense
Qualidade: DVDRip
Formato: Rmvb
Áudio: Inglês
Legenda: Português

Principe das Sombras

2009-07-11T09:52:00.000-07:00

Após o fracasso injusto de "Aventureiros do Bairro Proibido" e totalmente "p" da vida com os grandes estúdios, John Carpenter assinou contrato com a pequena Alive Films que previa a produção de quatro filmes de baixo orçamento, mas que em compensação daria muito mais liberdade para o veterano diretor. O primeiro deles foi justamente "Príncipe das Sombras" um assustador suspense sobrenatural que trata de (anote aí:) possessão demoníaca, religião, conspirações da Igreja e até viagem no tempo!

Tudo tem início quando o padre Loomis (será parente do Dr. Loomis de Halloween? Hehe), interpretado pelo grande Donald Pleasence, descobre o segredo que um antigo padre guardava quando este acaba de falecer. Trata-se de uma chave e um diário que contém segredos importantes sobre a possível vinda do anticristo. Enquanto isso em uma faculdade de Física em Los Angeles, o professor Birack (Victor Wong de "Aventureiros") está dando mais uma aula para seus alunos, Catherine (Lisa Blount), Brian (Jameson Parker), Kelly (Susan Blanchard) e Walter (Dennis Dunn, também de "Aventureiros"). Birack não é o típico cientista que alguém espera que seja. Chega a abandonar a razão muitas vezes e entrar em papos filosóficos como quando diz: " Tudo isso é falso! Libertem-se da realidade clássica. A nossa lógica em nível subatômico é só fantasmas e sombra"

O tal padre Loomis descobre que a tal chave tão querida pelo falecido padre abre as portas de um salão da igreja que guarda um sinistro segredo. Para ajudá-lo na descoberta do segredo, Birack é chamado para um encontro onde o padre lhe explica a crítica situação. Ao que parece o padre falecido fazia parte de uma seita chamada "A Irmandade do Sono", que de tão secreta nem o próprio Vaticano sabia de sua existência. A tal Irmandade, a cada geração, escolhia um padre para guardar a igrejinha da cidade e seu maior segredo, um enorme cilindro que contém um líquido misterioso. O problema é que o tal líquido é nada menos que o filho de Satã! Com a intenção de provar cientificamente os relatos contidos em um livro e por conseqüência a verdade sobre a vinda do AntiCristo, Birack e Loomis organizam uma junta científica para ir na igreja e estudar as provas. Além dos estudantes de física de Birack se juntam a lingüista Lisa (Ann Yen) , a radiologista Susan (Anne Marie Howard), Leahy (Peter Jason, do posterior Eles Vivem) , o microbiólogo Calder (Jessie Lawrence Ferguson , mais conhecido como o gângster que tem os dedos cortados no comecinho de Darkman) e o bioquímico Frank (Robert Grasmere)

No começo ninguém sabe ao certo o que pesquisar, o que aguça a curiosidade de todos. Só que ao passo que vão descobrindo a verdade sobre os escritos e sobre o tal líquido coisas estranhas vão acontecendo na Igreja.

Começa com os mendigos da rua que estão aparentemente em um estado de "zumbificação" e matam todos que tentam sair da igreja. E o líder deles é ninguém menos que o famoso cantor de rock Alice Cooper.

Em outro momento, Susan quando sozinha com o tal cilindro, nota que há um vazamento dele e a água ao invés de escorrer pelo chão está se acumulando no teto! É aqui que Carpenter economiza uma boa grana em efeitos especiais usando o truque mais velho da história do Cinema. Somente colocando a câmera invertida fazendo parecer que o cilindro está pingando "para cima" e o teto está alagando. E quando Carpenter precisa que a água do teto "desça" simplesmente retrocede o filme! Efeitos extremamente simples e que não gastam um centavo, um ótimo exemplo para diretores de hoje em dia que acham que efeitos especiais são a solução pra tudo. Voltando ao filme, Susan recebe um jato do tal líquido na boca e na mesma hora fica possuída e vira uma espécie de "zumbi" e começa a "infectar" um a um dentro da igreja sempre "vomitando" o líquido na boca de suas vítimas.

"Príncipe das Sombras" é um daqueles filmes que além de serem assustadores ainda jogam mensagens "filosóficas" para o público. Carpenter em seu roteiro (ele assina como Martin Quatermass) mostra o filho de Satã como algo físico e não espiritual, e em um momento o padre interpretado por Donald Pleasence - totalmente chocado com as novas revelações - explica: " Decidiram fazer do mal uma força espiritual (...) Era mais conveniente. Assim o Homem ficava no controle. Mentira Idiota! Eramos vendedores, só isso. Vendíamos nosso produto aos que precisavam. Uma vida nova, gratificar-nos, punir inimigos para nossa verdade reinar." E Carpenter ainda vai mais longe com revelações como a de que Jesus seria na verdade um alienígena! Não sei como o filme não ocasionou alguma confusão com grupos católicos ou a própria Igreja, já que Dogma de Kevin Smith deu toda aquela confusão por muito menos. Outro detalhe interessante do roteiro, e que não é bem explicado, é um estranho "sonho": todos que dormem nos arredores da Igreja e recebem uma imagem assustadora da fachada da igreja e de um silhueta gigantesca saindo dela (será o demônio finalmente liberto?) isso com uma narração de fundo que explica que o que estamos vendo não é um sonho e sim uma mensagem do futuro. Uma cena que consegue dar um frio na espinha.

Em certo momento um dos pesquisadores é infectado com todo o líquido do recipiente e se transforma em uma espécie de hospedeiro do mal. Seu corpo vai se transformando lentamente com barulhos de ossos se partindo e se reorganizando e seu rosto começa a ficar cheio de pústulas e feridas no melhor estilo exorcista, a maquiagem excelente ficou a cargo de Frank Carrisosa que voltaria a trabalhar com Carpenter em "Eles Vivem". Isso tudo aos olhos de um amedrontado Walter (Dennis Dun), que fica preso em um armário e seu único modo de se comunicar com os outros sobreviventes é através de uma parede. Esse é um dos momentos mais angustiantes do longa, onde os sobreviventes na outra sala tentam quebrar a parede para salvar Walter. Outro momento interessante é quando o padre Loomis está escondido em um cômodo tentando fugir dos possuídos e ao rezar, começa a chorar e questionar onde estaria Deus nesse momento. Uma ótima cena, onde Pleasence simplesmente brilha.

"Príncipe das Sombras" se saiu bem nas bilheterias, já no primeiro fim-de-semana se pagou (o filme custou 3 milhões e faturou mais de 4 milhões e seiscentos mil) e o total arrecadado ao fim das exibições nos cinemas foi de mais de 14 milhões só nos Estados Unidos. Mas se por um lado foi um êxito comercial e de público, os críticos continuaram a pegar no pé do diretor, segundo ele: "O filme não foi bem sucedido pela crítica. Eles estavam zangados porque eu tinha voltado ao terror. Existe uma coisa de governar e perdoar na sociedade americana. Querem construir todos os nossos heróis para depois destruí-los. Quando voltam e se rendem, nós os aceitamos.
Mas o herói que é construído e destruído e volta para fazer algo 'ruim' ninguém entende, e por isso ninguém consegue entender porque eu resolvi voltar a fazer filmes de terror e foi porque eu estava muito cansado dos estúdios." E sobre a vontade de fazer o filme, ele também comenta: "Eu queria trabalhar com Donald Pleasence novamente e queria trabalhar com alguns atores asiáticos com quem havia trabalhado em 'Aventureiros do Bairro Proibido', e eu queria fazer um filme verdadeiramente assustador." É, parece que conseguiu, como sempre.

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Título Original: Prince of Darkness
Senha: http://langolierss.blogspot.com/
Gênero: Terror
Qualidade: DVDRip
Formato: Rmvb
Áudio: Inglês
Legenda: Português

Fenda no Tempo(The Langoliers)

2009-07-10T10:19:00.000-07:00

Stephen King é o autor literário mais adaptado para o cinema do século XX. Durante pelo menos três décadas (1970, 80 e 90), dezenas de livros e contos dele foram transformados em filmes pelos estúdios de Hollywood, com qualidade variável. Fanáticos pelos romances de King, contudo, têm a tendência de considerar a maior parte das produções insatisfatória. A razão é prosaica: adaptações literárias quase sempre implicam em reduções, simplificações e alterações, enquanto o leitor médio do escritor tende a considerar perfeito quase tudo o que ele escreve. Foi por isso que o próprio King passou a preferir, em meados dos anos 1990, a transformação de seus livros em minisséries de televisão, ao invés de filmes em longa-metragem.

Com mais tempo de tela, os seriados tinham como manter porções maiores da criação original de King. Já um filme dificilmente ultrapassa as três horas de duração. Foi por isso que o seriado “A Dança da Morte” (1994), com seis horas de duração, se transformou numa das adaptações favoritas dos fanáticos pela obra de Stephen King. O sucesso trouxe a reboque diversas outras séries, quase sempre com a colaboração direta do escritor. Este é o caso da claustrofóbica “Fenda no Tempo” (The Langoliers, EUA, 1995), série que começa muito bem e termina muito mal, construída sobre um dos cenários mais intrigantes a sair da mente fértil de King. O romancista até faz uma ponta no telefilme, embora não tenha tido participação direta no roteiro.

A história mostra um grupo de dez passageiros de um vôo doméstico, nos Estados Unidos, que acorda no meio da viagem e descobre que todos os outros passageiros e tripulantes desapareceram misteriosamente, deixando para trás apenas objetos pessoais, como relógios, perucas, dentaduras e pinos cirúrgicos. Para piorar, a comunicação com o exterior é nula, e não é possível ver nem mesmo as luzes das cidades que o avião sobrevoa. Sem conseguir entender os dois fatos associados (uma guerra nuclear poderia ser a resposta para a ausência das metrópoles, mas não explicaria o desaparecimento dos passageiros ausentes), resta aos sobreviventes tentar pousar o avião e tentar entender o quadro completo, se é que isto é possível.

O melhor de “Fenda no Tempo” está no primeiro ato. Extremamente claustrofóbica (porque filmado quase inteiramente dentro de um avião) e angustiante, a trama gera interesse porque funde conceitos sedutores, bastante explorados pela cultura pop – viagens no tempo, apocalipse nuclear, realidades alternativas – em uma história original e inventiva, povoada por um grupo interessante de personagens. Há um piloto traumatizado pela morte da esposa (David Morse), um executivo estressado pela perda de milhões de dólares em ações (Bronson Pinchot) e um irlandês agressivo de passado violento e misterioso (Mark Lindsay Chapman). Como nem tudo é perfeito, há também os personagens melodramáticos e chatinhos que King sempre gosta de incluir nos livros que escreve, e eles incluem uma menina cega com dotes de vidente e uma professora balzaquiana a caminho de encontrar o primeiro pretendente dos últimos 20 anos.

De todos eles, o personagem mais importante acaba sendo o escritor de romances populares (Dean Stockwell), obviamente baseado no próprio King. Embora não participe da ação física, é ele quem utiliza o princípio da dedução, de maneira a ir descobrindo pouco a pouco o contexto fantástico da jornada empreendida pelos passageiros do vôo desgarrado da realidade. Sem ele, não seria possível entender o cenário completo. Aqui, Stephen King também recorre a uma fórmula bem conhecida de seus leitores: cada personagem tem pelo menos um momento de protagonista, de “salvador da pátria”, em que se torna fundamental para o inevitável final feliz. Este elemento, associado ao já conhecido sistema de punições morais típico da obra de King (quem cometeu mais erros no passado sempre ganha punições maiores), ameaça de tempos em tempos afundar o filme no melodrama mais deslavado.

A direção do cineasta Tom Holland (que fez pelo menos um sucesso juvenil nos anos 1980, o misto de horror e comédia “A Hora do Espanto”) é correta, e ele leva o mérito de ter conseguido manter toda a ação em apenas dois cenários – o avião e um aeroporto abandonado – o que acentua a tensão da narrativa. Apesar dos acertos, porém, os efeitos especiais patéticos que surgem no terceiro ato, perto do clímax, ameaçam seriamente a credibilidade da produção. Provavelmente sem dinheiro no orçamento, Holland não tem pudor de pôr animações em 2D (ou seja, desenhos animados feitos com caneta e papel) para contracenar com os atores, criando um híbrido deslocado que ficaria bem em um filme B de Zé do Caixão, mas acaba soando constrangedor em uma minissérie que se leva muito a sério. É como água e óleo, que nunca se misturam. Apesar do senão, a fidelidade canina ao texto de King e o bom primeiro ato garantem a diversão.

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Título Original: The Langoliers
Gênero: Ficção Cientifica
Qualidade: DVDRip
Formato: Rmvb
Áudio: Inglês
Legenda: Português

Dragão, A Historia de Bruce Lee

2009-07-10T08:56:00.000-07:00

Vinte anos após a morte de Bruce Lee, Hollywood o homenageou com o filme-biografia "Dragon - The Bruce Lee Story" ("Dragão - A História de Bruce Lee" ), baseado no livro de Linda Lee e estrelado por Jason Scott Lee (sem parentesco), como Bruce Lee e Lauren Holly no papel de Linda. O filme foi um sucesso de bilheteria e indicado ao MTV Movie Award. Ainda em 1993, Bruce Lee ganhou uma estrela na Calçada da Fama, em Hollywood com as presenças de Linda e Shannon Lee e o ator Jean Cloude Van Damme na cerimônia.

Jason Scott Lee e Lauren Holly estrelam este inesquecível filme sobre a vida, amor e o destemido espírito do lendário Bruce Lee. Desde os rigorosos treinamentos em artes marciais na infância, Lee descobre seu sonho de abrir sua própria escola de Kung-fu na América. Depois de longo tempo ele é descoberto por um produtor de Hollywood (Robert Wagner) e começa sua meteórica subida para a fama e o curto reinado como um dos mais carismáticos heróis de ação na história do cinema.

Eu gosto bastante de filmes biograficos e baseados em fatos reais. Por saber que o tema abordado ja existiu, é mais facil você acreditar no que esta vendo. Bruce Lee é um dos atores mais importantes do seculo 20 nos cinemas, ele foi responsavel pela popularização dos filmes de Hong Kong. É o criador do Jeet Kune Do e considerado um dos maiores lutadores de Artes Marciais de todos os tempos.

Esse filme eu recomendo para todas as pessoas que não tiveram ainda a oportunidade de conheceer a historia de Bruce Lee e ter noção da importancia que ele teve para o cinema atual.

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Título Original: Dragon: The Bruce Lee Story
Gênero: Ação/Aventura
Tempo de Duração: 119 min
Ano de Lançamento: 1993
Qualidade: DVDRip
Formato: Rmvb (RAR)
Áudio: Inglês
Legenda: Português
Tamanho: 405 mb

Ecos do Alem(Stir of Echoes)

2009-07-09T07:49:00.000-07:00

Tom Witzky é um homem normal, com uma esposa grávida e um filho pequeno. Durante uma conversa com amigos, ele convence sua cunhada a hipnotizá-lo, para provar que a hipnose não existe. A hipnose não só dá certo como, por causa de uma frase que sua cunhada diz (”Mantenha a mente aberta”), Tom começa a ter um contato com o além. Ele se transforma em um receptor. Depois de abrir as portas da sua mente para o sobrenatural, ele começa a se comportar de maneira estranha. Enxerga o espírito de uma mulher e busca incessantemente solucionar o mistério que o fantasma esconde. A atmosfera obscura e de medo constante é um dos grandes destaques do filme. As cenas close-up e pontos de vista distorcidos causam impacto e realçam o medo e obsessão.

O período que compreendeu o final dos anos 90 do século passado pode ser bem lembrado pelos apreciadores do cinema de horror, devido à produção de alguns ótimos filmes com temáticas similares explorando histórias de fantasmas, suspense sobrenatural e comunicações com mortos. O pódio resultante da mistura desses atraentes elementos do cinema fantástico é formado principalmente por "O Sexto Sentido" (The Sixth Sense, 1999), de M. Night Shyamalan e com Bruce Willis, "Revelação" (What Lies Beneath, 2000), de Robert Zemeckis e com Harrison Ford e Michelle Pfeiffer, e finalmente por "Ecos do Além" (Stir of Echoes, 1999), de David Koepp e com Kevin Bacon, esse último baseado num livro do especialista Richard Matheson. Todos os três filmes, a propósito, possuem um nível de qualidade muito próximo, apresentando histórias interessantes e bem narradas, garantindo bons momentos de entretenimento.

"Ecos do Além" é uma bem contada história de fantasmas, apesar de inevitavelmente apresentar alguns elementos já vistos anteriormente pelo cinema fantástico. Sua idéia básica mostra um fantasma atormentado com o desejo de que o mundo saiba de seu assassinato e que seu corpo escondido seja localizado. Um pouco antes, em 1998, algo similar foi apresentado no filme japonês "Ringu" com a temível Sadako Yamamura (e que foi refilmado nos Estados Unidos em 2002 com a vingativa Samara Morgan). Mas é importante salientar que muitas pessoas se confundem e pensam que o "Ecos do Além" é uma cópia inferior de "O Sexto Sentido". A verdade é que ambos os filmes foram produzidos coincidentemente no mesmo período, utilizando elementos similares em suas tramas. Devemos lembrar que "Ecos do Além" foi baseado num livro de Richard Matheson escrito em 1958 e consequentemente muito antes do livro de Kôji Suzuki publicado em 1989 e que inspirou "Ringu", e também muito antes de M. Night Shyamalan escrever o roteiro de seu sucesso de bilheterias "O Sexto Sentido".

No filme de David Koepp não existem cenas fortes de violência e excesso de sangue em profusão, pois a história procurou se concentrar mais em elementos sobrenaturais com um suspense psicológico e horror sutil que conseguem envolver a atenção do espectador. Mas duas cenas em especial se destacam, que apesar de pouca carga de violência e intensidade, conseguem transmitir um sentimento perturbador e doloroso, mesmo sendo atitudes mais simples e de pouco sangue, quando comparadas a uma infinidade de atrocidades vistas em outros filmes. Primeiro é uma sequência onde num momento de alucinação e confusão mental, o protagonista Tom Witzky está olhando para seu reflexo num espelho no banheiro e começa a arrancar lentamente com as mãos um de seus dentes frontais, num processo agonizante para quem está testemunhando, como nós, a estranha atitude de auto flagelo (a qual mais tarde seria justificada numa importante revelação). Outra cena perturbadora é quando a jovem Samantha Kozac está tentando se defender de um estupro e ao pressionar sua mão contra o chão, lentamente vemos uma das unhas se desprendendo do dedo até a separação total, se constituindo certamente num ato carregado de muita dor.

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Título Original: Stir of Echoes
Gênero: Suspense
Qualidade: DVDRip
Formato: Rmvb
Áudio: Inglês
Legenda: Português

Carrie, A Estranha

2009-07-09T07:36:00.000-07:00

Diretor novato e sem muito poder na indústria cinematográfica, Brian De Palma teve que esperar por vários meses a liberação do orçamento necessário para filmar “Carrie – A Estranha” (EUA, 1976). Enquanto aguardava o sinal verde da Fox, ele passava os dias no apartamento em que morava, trabalhando na pré-produção e planejando extensamente cada seqüência, cada cena, cada tomada do longa-metragem. O resultado foi um filme de horror mais inteligente do que a média, cuja enorme sofisticação visual lhe conferiu uma atmosfera fantástica, mesclando religião e insanidade. “Carrie” permanece como um dos melhores produtos saídos da mente de De Palma.

Curiosamente, o filme foi erguido sobre um fiapo de trama que, nas mãos de um diretor mais direto e despojado (alguém de estilo clássico, como Clint Eastwood ou John Ford, por exemplo) talvez não rendesse um longa-metragem. Estilista e amante de tomadas refinadas, com movimentos elaborados de câmera e ângulos impossíveis, o jovem cineasta usou o tempo extra de projeção para criar tomadas longas (e muitas vezes impressionantes). Este recurso torna o ritmo do filme mais lento do que o normal, mas injeta suspense e atmosfera sombria à história. O resultado é uma lenta mas firme jornada crescente de tensão, que explode num clímax alucinante de sangue e fogo, acrescido de um epílogo surpreendente que acabaria influenciando quase todos os filmes de horror feitos dali em diante.

Os dois primeiros planos-seqüência de “Carrie” dão uma boa medida do virtuosismo de Brian De Palma. Na primeira tomada, a câmera sobrevoa uma quadra escolar onde dois times de garotas jogam vôlei. Aos poucos, o foco vai fechando numa das meninas, com os olhos arregalados e expressão de pavor. Ela é Carrie (Sissy Spacek, em interpretação magnética). A garota é alvo do time adversário e não consegue segurar a bola, que cai. O time dela perde, e a reação das outras colegas deixa claro que Carrie é o patinho feio da escola – uma solitária, uma criança freak com problemas de relacionamento. Em um único take, o diretor apresenta os principais personagens, indica o protagonista e informa sobre sua condição especial.

Corta então para o vestiário feminino. Ao som de música clássica, a câmera lenta passeia entre as garotas no banho. Muitas delas estão nuas – “Carrie” foi um dos primeiros filmes de Hollywood a mostrar nudez feminina frontal. Novamente, De Palma procura Carrie White, isolada num canto, tomando uma ducha. De repente, o sangue escorre entre as pernas da ruivinha. Ela faz uma careta de medo e corre, gritando, pelo banheiro, antes que as outras garotas percebam que é a primeira menstruação da menina, e que ela não sabe o que isto significa. Obviamente, temos aqui mais um episódio em que ela é ridicularizada sem piedade pelas companheiras de classe.

Em casa, como descobriremos a seguir, a situação não é melhor – a mãe de Carrie (Piper Laurie), uma fanática religiosa, fecha as portas do mundo para a filha, obrigando-a a rezar num cubículo escuro, diante de uma imagem icônica um tanto macabra (perceba que a estátua fará par com uma imagem sangrenta e inesquecível, no momento mais dramático do filme). O interior da residência, cheia de linhas curvas, cantos escuros e objetos religiosos, é um primor de direção de arte; lembra uma capela gótica com um toque sombrio e assustador. Também não demoraremos a saber que Carrie possui um poder telecinético especial, conseguindo mover objetos com a força do pensamento.

A conclusão óbvia: dê um poder destes a alguém solitário e cheio de traumas, e a vida deste alguém vai desembocar em uma tragédia de proporções avassaladoras que, como nos melhores filmes de Hitchcock (influência básica de Brian De Palma), somente o público consegue antecipar. Na verdade, “Carrie” é um filme sólido de horror, mas que funciona perfeitamente como um ótimo estudo da solidão e do alienamento dos adolescentes. O sucesso comercial e artístico da película deu impulso à carreira do cineasta, que depois optaria por fazer obras tão estilizadas e cheias de referências a filmes clássicos (sobretudo de Hitchcock) que acabariam por mantê-lo, infelizmente, no segundo escalão dos grandes cineastas dos anos 1970.

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Título Original: Carrie
Gênero: Terror
Qualidade: DVDRip
Formato: Rmvb
Áudio: Inglês
Legenda: Português

Temos Vagas(Vacancy)

2009-07-08T10:07:00.000-07:00

Na história do cinema de horror, snuff movies não são um assunto altamente explorado, entretanto, exercem grande curiosidade por parte dos espectadores. O ser humano tem já essa tendência de admirar e se interessar pela desgraça alheia, ao mesmo tempo que snuff movies raramente são agradáveis ao olhos. Violentos e angustiantes, tratam-se de filmagens reais de pessoas sendo torturadas e até mortas. Apesar de caracterizar um tema bastante forte para o genero de horror, não há grandes representantes recentes desse subgênero, como "Videodorme - Síndrome do Vídeo" e "Cannibal Holocaust". Isso, é claro, até "Temos Vagas".

David e Amy Fox não são o perfeito exemplo de marido e mulher. Vivendo já uma crise pré-divórcio, mantendo as aparências apenas para que compareçam às bodas dos pais de Amy, os dois vivem trocando farpas e alfinetadas. Dirigindo para a comemoração, David decide se desviar da Interestadual e pegar um atalho, que o leva à uma estrada deserta. Depois de desviar bruscamente de um guaxinim na pista, o carro passa a apresentar um barulho estranho, que os leva a parar no próximo posto onde são atentidos por um rapaz que recomenda ficarem num motel próximo, sugestão que o casal acata depois que o carro pára de funcionar de vez logo após o rapaz tê-lo "consertado". Sem hóspede algum a não ser os dois, logo o casal entende o motivo do lugar ser tão isolado e sinistro. O estabelecimento é utilizadocomo uma espécie de set para milhares de snuff movies aterrorizantes, alguns dos quais David encontra no próprio quarto onde estão hospedados. Não demora muito para perceberem que serão as próximas "estrelas" desses violentos filmes, e terão que se unir pelo menos mais essa vez para tentarem permanecer vivos pela noite.

Acredito que por ser caracterizado por uma violência extraordinariamente gratuita é que os snuff movies geralmente não são pontos de partida em filmes de horror, ou mesmo por não conseguir render um bom roteiro em volta de tal contexto. Verdade seja dita, "Temos Vagas" pouco tem a acrescentar para esse tema, mas ganharealmente em originalidade, em esconder, na maior parte do tempo, a violência da situação, deixando o choque para as reações das personagens principais. Exceto por alguns breves momentos, não vemos sangue nos vídeos que David e Amy eassistem, e mesmo durante o filme todo, pouco sangue pode ser visto. Ou seja, sua originalidade reside no fato de que um filme sobre violência gratuita seja assustador simplesmente pelo seu tom e construção e não apelar pela violência dos snuff movies assistidos. Iso não seria capaz de acontecer caso não estivesse por trás de tudo, um diretor talentoso como se mostrou ser Nimród Antal, em seu primeiro filme nos EUA. Contando com um cenário amplamente inspirado em "Psicose" (Psycho) (e até mesmo muito do ponto de partida do mesmo), Antal se faz uso de uma câmera extremamente habilidosa durante todo o filme, mesmo antes de todo o horror começar a acontecer, por exemplo, mostrando sempre David e Amy em quadros diferentes no carro e nunca juntos, representando a distância à qual os dois já se submeteram, mudando de figura já dentro no motel, em que se encontram na maior parte do tempo juntos, representando a nova união que foram forçados a realizar.

Funcionando perfeitamente como um tenso thriller de gato e rato, algo que não me impressionava no cinema de horror e suspense desde o fantástico "O Quarto do Pânico" (Panic Room), "Temos Vagas" conta exclusivamente com os dois atores principais para que carreguem o resto nas costas, o que funciona, de fato, graças às presenças carismáticas de Luke Wilson e Kate Backinsale. Wilson, em seu primeiro filme de suspense/terror não chega a impressionar como os cômicos Ryan Reynolds e Kate Hudson quando estes decidiram se aventurar no horror, mas ainda assim trás muito de seu bom humor habitual para o filme, fazendo com que sua personagem fique mais próxima do espectador. Já Beckinsale abandona o posto de heroína de histórias de horror fantástico e dá vida a uma heroína infinitamente mais humana do que os papéis que está acostumada a fazer, mas que comprova seu talento como "rainha do grito", protagonizando escelentes momentos de puro horror,como as cenas nos túneis ou mesmo próximo das cenas finais.

Perdendo força e impacto à medida que seu final se aproxima, "Temos Vagas" é excelente para comer as unhas, algo que não é muito fácil de acontecer hoje em dia. Infellizmente, como fruto da Indústria Cultural, o suspense perde um pouco de sua credibilidade ao final, quando suaviza um pouco os acontecimentos, o que eu considero uma forma de covardia. Embora, é claro, tenha torcido muito para os "mocinhos".

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Título Original: Vacancy
Gênero: Suspense
Qualidade: DVDRip
Formato: Rmvb
Áudio: Inglês
Legenda: Português

Piratas do Caribe 3, No Fim do Mundo

2009-07-08T09:51:00.000-07:00

Cinco anos se passaram desde que Piratas do Caribe: A Maldição do Pérola Negra estreou nas telas do cinema. De lá para cá o filme estourou nas bilheterias do mundo chegando a arrecadar US$ 1 bilhão no segundo filme da trilogia. O ator Orlando Bloom, o elfo Legolas da superprodução “O Senhor dos Anéis” tornou-se astro, assim como sua companheira de set Keira Knightley, que recebeu até uma indicação ao Oscar. Já o astro Johnny Deep criou mais um personagem para sua extensa e diversificada galeria de estranhas figuras. Seu Capitão Jack Sparrow de trejeitos afeminados é um dos responsáveis pelo sucesso do filme e pela legião de fãs.

Neste terceiro longa que fecha a trilogia, Sparrow, que no final de Piratas do Caribe: O Baú da Morte fora engolido pelo gigantesco monstro Kraken, manipulado pelo diabólico Capitão Davy Jones (Bill Nighy), retorna ao mundo dos vivos. Com a ajuda de Elizabeth Swann (Keira Knightley), Will Turner (Orlando Bloom), de seu inimigo e agora ressuscitado Capitão Barbossa (Geoffrey Rush) e de sua tripulação, Sparrow é resgatado do fundo do mar. Mas o motivo para todos descerem a terra dos mortos não é um ato tão nobre. A arriscada jornada tem como missão impedir que o ganancioso Lord Cutter Beckett (Tom Hollander), representante das Índias Orientais, de posse do baú que guarda o segredo do impiedoso Capitão Jones, seja usado para exterminar todos os piratas.

E para esta nova aventura o diretor Gore Verbinski convidou vários astros. Dentre eles, Chow-Yun Fat. Na pele do Capitão Sao Feng, chefe da pirataria de Cingapura, ele se une ao lado dos Nove Lordes da Corte da Irmandade, para derrotar o inimigo. Para os mais atentos há uma pequena passagem do guitarrista dos Rolling Stones, Keith Richards, convidado pelo próprio Deep para viver seu pai, o Capitão Teague Sparrow.

Romance, aventura e cenas de ação grandiosas completam o filme. A cena de batalha dentro de um gigantesco redemoinho que se forma no mar, enquanto os tripulantes dos navios duelam, é impressionante, longa e uma das que fazem Piratas do Caribe: No Fim do Mundo um filme divertidíssimo. Uma sessão pipoca com direito a mais de duas horas e meia de duração.

Piratas do Caribe: No Fim do Mundo encerra uma das mais rentaveis trilogias do cinema

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Título Original: Pirates of the Caribbean: At World’s End
Gênero: Aventura
Tempo de Duração: 168 min
Ano de Lançamento: 2007
Qualidade: DVDRip
Formato: Rmvb (RAR)
Áudio: Inglês
Legenda: Português
Tamanho: 584 mb

Psicopata Americano

2009-07-08T09:32:00.000-07:00

A violência gratuita e a competição feroz do mundo atual são os temas principais de Psicopata Americano , um filme que critica, satiriza e ataca frontalmente o estilo de vida vazio e sem sentido dos jovens executivos. O personagem principal é Patrick Bateman, um yuppie nova-iorquino que tem as melhores roupas, os melhores carros e os mais cobiçados objetos de consumo, mas parece nunca estar satisfeito. Retratando a loucura do próprio ambiente em que vive, ele é capaz de matar pelos motivos mais fúteis. Misturando suspense com humor negro, o filme não poupa críticas à sociedade ocidental, que prega o acúmulo indiscriminado de riquezas levado até as últimas conseqüências.

O argumento original é do livro homônimo escrito por Easton Ellis há quase dez anos. Este segundo longa-metragem da diretora Mary Harron (o primeiro foi Um Tiro para Andy Wharol ) foi beneficiado pelo marketing gratuito que obteve antes mesmo do início das filmagens, logo após a recusa de Leonardo Di Caprio em interpretar o papel título. Psicopata Americano seria o primeiro filme estrelado por Di Caprio depois do megasucesso Titanic , mas o astro pulou fora do projeto. Em seu lugar ficou Christian Bale, o ex-garoto do drama de guerra O Império do Sol , que se saiu muito bem no papel. Com visual requintado e alto nível de produção, Psicopata Americano segue a trilha aberta por O Clube da Luta , isto é, se utiliza de muita violência exatamente para criticar a própria violência.

Um dos primeiros filmes de Christian Bale, ator sensação e um dos meus preferidos, ele se destaca como sempre e sua convincente atuação. Pra quem esta de saco cheio dos filmes mastigados e sem critica e profundidade, Psicopata Americano é um prato cheio, e um dos ultimos da onda dos filmes criticos.

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Titulo Original: American Psycho
Gênero: Suspense
Tempo de Duração: 104 min
Ano de Lançamento: 2000
Qualidade: DVDRip
Formato: Rmvb (RAR)
Áudio: Inglês
Legenda: Português
Tamanho: 390 mb

Halloween, A Noite do Terror

2009-07-07T07:28:00.000-07:00

Um dos grandes clássicos do cinema de horror de todos os tempos, "Halloween - A Noite do Terror" (Halloween, 1978) foi um dos precursores dos filmes com "serial killers", introduzindo o psicopata Michael Myers e sua enorme faca, que ao lado de Jason Voorhees ("Sexta-Feira 13"), Freddy Krueger ("A Hora do Pesadelo") e Leatherface ("O Massacre da Serra Elétrica"), está imortalizado na galeria dos famosos monstros modernos do cinema. Criação do cineasta John Carpenter, responsável por inúmeras produções de ficção científica e horror, "Halloween" impulsionou toda uma safra de filmes de psicopatas ao longo dos anos seguintes, e também uma longa sequência de continuações, numa das mais populares e rentáveis franquias do gênero.

A história começa na pequena cidade americana de Haddonfield, Illinois, numa noite em 1963 quando um estranho menino de apenas seis anos de idade, Michael Myers, se apossa de uma enorme faca de cozinha e ataca violentamente sua irmã Judith que ainda estava despida após um rápido relacionamento sexual com seu namorado que havia se retirado pouco tempo antes. O garoto, fantasiado de palhaço e com uma máscara cobrindo o rosto, desfere vários golpes mortais com sua faca banhando de sangue a irmã mais velha de forma aleatória. Após o criminoso ato, ele sai para fora de casa no momento em que chegam seus pais de carro e o encontram segurando a faca ensanguentada e após tirar a máscara, constatam seu olhar frio e completamente fora da realidade.

Após o crime, ele é internado num hospício numa cidade distante 250 Km, porém ainda em Illinois (Smith´s Grove), e lá fica por 15 longos anos, sob a tutela do psiquiatra Dr. Sam Loomis (interpretado pelo grande ator Donald Pleasence). Porém, na noite de 30 de outubro de 1978, no famoso Halloween (a festa do dia das bruxas nos Estados Unidos), quando o Dr. Loomis e uma enfermeira assistente chegam no hospital psiquiátrico para cumprirem uma decisão judicial e levarem Michael Myers para um interrogatório policial (o que seria bem difícil, pois o psicopata nunca disse uma única palavra no cárcere), eles são surpreendidos por uma fuga dos pacientes do manicômio e Myers consegue escapar utilizando o carro do psiquiatra (mais tarde em um diálogo do Dr. Loomis com o responsável pelo hospício, o roteiro tentou explicar essa gafe alegando que alguém havia ensinado o psicopata a dirigir).

O esperto maníaco se dirigiu então para sua cidade natal de Haddonfield, trocando de roupas na estrada ao atacar e matar um motorista de um furgão, e se instalando na sua antiga casa, agora abandonada e considerada pela vizinhança como assombrada. Ele fica rondando a região, violando o túmulo de sua irmã roubando a lápide de pedra do cemitério, matando a fome comendo literalmente um cachorro, e roubando uma máscara e facas de um armazém, além de espionar as ações de uma jovem estudante, Laurie Strode (interpretada pela "scream queen" Jamie Lee Curtis, papel que impulsionou sua carreira e que a marcou para sempre).

Laurie é babá nas horas de folga e motivo de gozação para seus amigos devido à timidez com namorados, e ela sente-se constantemente observada por um vulto estranho quando está na escola, casa ou rua, e que mais tarde saberia que era Michael Myers que retornava para continuar seu legado de sangue, atacando e matando violentamente três de seu amigos e perseguindo-a implacavelmente. Para combater o psicopata, estava em seu rastro o incansável Dr. Loomis, que veio à Haddonfield para avisar as autoridades locais de sua suspeita do retorno de Myers ao local do antigo crime.

A despeito das inúmeras e inevitáveis falhas de roteiro e clichês habituais do gênero, "Halloween" é considerado hoje um clássico por ser um dos pioneiros na introdução de psicopatas "imortais" e "indestrutíveis" no cinema e pela criação das hoje populares franquias de filmes de horror com suas séries intermináveis. Para se ter uma idéia, a saga "Sexta-Feira 13", iniciada em 1980 num filme dirigido por Sean S. Cunningham, está hoje com dez partes, além do confronto entre o psicopata Jason Voorheese seu rival Freddy Krueger, de outra franquia de sucesso, "A Hora do Pesadelo".

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Título Original: Halloween
Gênero: Terrpr
Qualidade: DVDRip
Formato: Rmvb
Áudio: Inglês
Legenda: Português

Menina Má.com(Hardy Candy)

2009-07-07T07:24:00.001-07:00

Ela poderia estar fazendo comédias teen românticas como a maioria das atrizes na sua faixa etária mas em vez disso, a jovem Ellen Page (então com 19 anos) já vem fazendo escolhas ousadas como este Menina Má.com ou Hard Candy no original, que é uma gíria para meninas menores de idade e poderia ter rendido título em português menos embaraçoso. Filmado antes dela chamar a atenção com seu pequeno papel em X-men 3, Page não se deixou abalar pelo sucesso e já está para lançar outros filmes igualmente maduros como Jack e Diane (2007), no qual viverá uma lésbica.

O filme é uma espécie de Lolita da geração online onde Page vive Hayley, uma adolescente que marca um encontro pela internet com o fotógrafo mais velho Jeff (Patrick Wilson). Após os dois trocarem flertes num café, ela decide acompanhá-lo em casa e, à medida em que a sedução vai esquentando, quem cai no "Boa Noite Cinderela" é ele, se tornando um brinquedo nas mãos dela.

Quem é a menina? Devemos sentir pena do pedófilo sofrendo nas mãos dela? Ou devemos sentir simpatia por ela estar "vingando" todas as vítimas de abuso, mesmo usando de métodos violentos? Essas questões morais povoam a cabecinha do espectador durante todos os agonizantes 100 minutos deste eficiente suspense dirigido com habilidade pelo estreante David Slade.

Egresso de videoclipes, Slade consegue imprimir um estilo visual interessante mesmo dentro de seu limitado orçamento, onde praticamente só há dois personagens e uma casa. Abusando de closes que trazem o espectador para a intimidade sórdida dos personagens, arranca performances convincentes dos atores e mantém o clima de tensão quase insuportável durante uma boa parte do filme.

Não é um filme leve e muito menos divertido, algumas falas sarcásticas podem arrancar risadas mas na maior parte do tempo Hard Candy é um filme que mexe com o espectador, deixa uma sensação desconfortável que não acaba quando acendem as luzes e por isso mesmo já é um dos melhores suspenses de 2006.

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Título Original: Hard Candy
Gênero: Suspense
Tempo de Duração: 103 min
Ano de Lançamento: 2005
Qualidade: DVDRip
Formato: Rmvb (RAR)
Áudio: Inglês
Legenda: Português
Tamanho: 343 mb

Todo Mundo em Panico 4(Scary Movie 4)

2009-07-07T07:18:00.001-07:00

Nenhuma série conseguiu ser tão pipoca quanto a franquia 'Todo Mundo em Pânico'. Sempre aproveitando a onda de Blockbusters, os filmes da franquia conseguiram obter sucesso esculhambando filmes "sérios" e ainda assim se tornar, de certa forma, consistente. É claro que a consistência da franquia se encontra em fazer rir, fazer rir e fazer rir. Mas poderia ser pior, afinal, 'Todo Mundo em Pânico 2' não conseguiu esta proeza. 'Todo Mundo em Pânico 4' se torna então uma cópia gêmea do terceiro filme, e consegue ser tão bom quanto (para quem gosta das macaquices da série, é claro).

O escritor e diretor David Zucker, que comandou o divertido terceiro filme da série, mostra que não perdeu o bom humor (obscuro) e continua conseguindo o timing certo para os momentos hilários, tirando sarro não apenas dos blockbusters, mas também da vida de personalidades, como o complexo (ou estranho?) Tom Cruise e a criança que parece adulta Dakota Fanning.

Desta vez, a sempre ingênua Cindy Campbell (Anna Faris), procura emprego no ramo de saúde domiciliar, encontra trabalho com uma senhora sinistra (Cloris Leachman) em uma casa ainda mais sinistra, assombrada por um fantasma. Adicione a isso um vizinho de porta bonitão e a ameaça da dominação global alienígena, Cindy está em perigo até o topo de sua cabeleira extremamente loura. Nossa destemida heroína é mais uma vez levada a agir tentando decifrar mensagens fúnebres do além, procurando o amor nos locais mais esquisitos e tentando salvar o mundo da destruição em massa.

Conforme ela luta para encontrar as respostas salvadoras, ela se depara com terríveis acidentes aéreos, garotas cegas agourentas, habitantes idiotas de uma vila, rappers descabelados, engenhocas pervertidas, sobreviventes psicopatas, esfíncteres alienígenas e até Oprah.

Ainda que bobo, 'Todo Mundo em Pânico 4' consegue ser tão divertido quanto o terceiro filme da franquia (que ainda fica atrás do original), e infinitamente superior ao segundo filme da série (que até hoje eu não consegui tirar sequer uma risada).

Divertido, engraçado, com uma dose gigante e divertida de humor negro. É um ótimo filme para quem gosta do gênero.

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Título Original: Scary Movie 4
Gênero: Comédia
Tempo de Duração:
Ano de Lançamento: 2006
Qualidade: DVDRip
Formato: Rmvb
Áudio: Inglês
Legenda: Português
Tamanho: 275 mb

Planeta Terror

2009-07-06T08:34:00.000-07:00

Grindhouse é um termo utilizado nos Estados Unidos para designar salas de cinemas onde, nos anos 60s e 70s, eram exibidas produções de baixo orçamento, os também chamados “filmes B”, notáveis por cenas de violência e sexo. Geralmente aconteciam sessões duplas ou triplas, para os quais o espectador pagava apenas o valor de um ingresso.

O diretor Quentin Tarantino (Pulp Fiction e Kill Bill), fã confesso desse tipo de cinema, era assíduo freqüentador de grindhouses. Nasceu daí a idéia de realizar um trabalho em conjunto com seu amigo, o também diretor Robert Rodriguez (Um Drink no Inferno e Sin City). Produziram então dois filmes (À Prova de Morte e Planeta Terror), conjuntamente batizados de Grindhouse, que estrearam em abril passado.

Embora tenham sido exibidos nos Estados Unidos em sessão dupla, separados por trailers fictícios, os filmes foram desmembrados e reeditados para o lançamento no resto do mundo, o que quebrou totalmente o impacto inicial do projeto. O filme de Rodriguez chega ao Brasil no próximo dia 9 de novembro, estreando em grande circuito. Já o dirigido por Tarantino deve chegar aos cinemas somente em março do ano que vem.

Os trabalhos de Rodriguez são exagerados no que diz respeito à violência, sangue e cenas absurdas, popularmente chamadas de “marmeladas”. Essas foram as marcas de O Mariachi, seu filme de estréia, produzido em 1993 com apenas sete mil dólares. E também as de Um Drink No Inferno, que começa como um policial e termina com milhares de vampiros atacando a tudo e a todos. Essas características se destacam também em Planeta Terror. Numa cidade interiorana do Texas, parte da população é infectada por um gás tóxico utilizado pelo exército dos Estados Unidos no Oriente Médio. O acidente faz com que seus corpos sejam cobertos por feridas pustulentas. Não são propriamente zumbis, já que não são desmortos, mas passam a carregar um olhar vago e a se alimentar de carne humana.

Cherry Darling (Rose McGowan, de Pânico) uma desiludida go-go-girl, tem parte de sua perna arrancada por um desses seres. Com a ajuda do ex-namorado El Wray (Freddy Rodriguez, da série televisiva A Sete Palmos), que lhe adapta uma metralhadora como prótese, Cherry liderará um grupo de sobreviventes contra a horda de lacerados. Sobre esse fato, a atriz teria se perguntado ao ler o roteiro do filme: “como é que alguém pode imaginar em criar um personagem com uma metralhadora no lugar da perna?”. Aceitou prontamente o papel.

O roteiro é fraco, até mesmo banal. Serve apenas como pretexto para que passeie na tela uma coleção de personagens bizarros como a Dra. Dakota Block (Marley Shelton, de Sin City), uma anestesista que traz em sua cinta-liga uma coleção de agulhas, utilizadas como arma. Ou JT (Jeff Fahey, de Silverado), o dono de uma espelunca que mesmo em meio à selvageria se preocupa o tempo todo em aperfeiçoar a receita de molho para seu churrasco, que ele chama de “o melhor do Texas”. Ou mesmo o Estuprador (Quentin Tarantino, em participação especial), que vai literalmente se decompondo quando tenta forçar o sexo com a anestesista.

O filme tem ainda a curiosa participação de Stacy Ferguson, também conhecida como Fergie, da banda Black Eyed Peas. Sua jornada é curta: quando seu carro quebra na estrada errada, é estraçalhada pelos zumbis. Enfim, tudo em Planeta Terror é exagerado e bizarro, e por isso mesmo divertido, embora a proposta seja a de um filme de terror. Vale a pena conferir, mas sem grandes pretensões.

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Título Original: Planet Terror
Gênero: Terror
Tempo de Duração: 97 min
Ano de Lançamento: 2007
Qualidade: DVDRip
Formato: Rmvb (RAR)
Áudio: Inglês
Legenda: Português
Tamanho: 391 mb

Babel

2009-07-06T08:26:00.000-07:00

Babel é o terceiro filme da trilogia iniciada pelo diretor Alejandro González Iñárritu, os dois anteriores foram Amores Brutos e 21 Gramas. A nova produção do diretor mexicano está sendo valorizada em excesso. Após assistir ao filme, fica a certeza de que o Globo de Ouro foi precipitado ao escolhê-lo como o melhor longa do ano. É a chance de o Oscar – que, quase sempre, comete injustiças – corrigir o erro do Globo de Ouro, porque Babel, definitivamente, não é o melhor dos cinco filmes indicados na categoria principal do prêmio da Academia.

Marrocos: um pai presenteia seu dois filhos com um rifle, para que esses possam espantar chacais das ovelhas da família; um casal americano (Brad Pitt e Cate Blanchett) está de férias no país, tentando reabilitar o casamento. Estados Unidos: uma babá (Adriana Barazza) cuida de duas crianças, filhas do casal em férias no Marrocos. Japão: Chieko (Rinko Kikuchi) é uma adolescente surda-muda que enfrenta os problemas da idade, ao mesmo tempo em que tenta lidar com a morte de sua mãe, na companhia do pai. Pequenos detalhes ligarão as histórias umas com as outras.

O filme tem suas qualidades e seus erros. Um dos principais pontos falhos de Babel reside na parte japonesa da história, curiosamente é esse núcleo, também, que proporciona algumas ótimas cenas. A produção opta por contar histórias paralelas que se relacionam entre si e, neste aspecto, parecem ter lógica conectiva a história no Marrocos, a dos Estados Unidos/México e a do casal que tenta recuperar o relacionamento. Já a história japonesa, apesar de ter ligação com as demais, parece extremamente desnecessária em muitos momentos, servindo apenas para que o enredo construído pelo roteirista Guilhermo Arriaga e pelo próprio Iñárritu tivesse o alcance global desejado.

O longa ainda peca por acabar imprimindo um ritmo demasiado lento às histórias, deixando a sensação de que as duas horas e meia de filme poderiam ter sido melhor aproveitadas. Isso evidencia que faltou ousadia ao diretor Iñarritu. Entretanto, sua direção é mais acertada do que errada. O mexicano acerta, por exemplo, na condução dos atores que estão todos igualmente inspirados. Da mesma forma, quando o assunto é preconceito, principalmente em relação aos americanos com os latinos, Iñarritu tem propriedade para transpor à tela essa situação babélica.

O elenco é de primeira e traz agradáveis surpresas. A principal delas não está na boa atuação da indicada ao Oscar Adriana Barazza, muito menos na grande participação de Brad Pitt - indicado ao Globo de Ouro -, e sim nas excepcionais atuações do elenco infantil. As crianças americanas, interpretadas por Elle Fanning e Nathan Gamble, são surpreendentemente competentes ao desenvolverem personagens chocados com a diferença cultural a que são expostas e ao transtorno emocional que têm de enfrentar. Os dois meninos marroquinos também conseguem dar vida a grandes personagens, principalmente Boubker Ait El Caid, que ao interpretar o menino que acerta a turista americana com um tiro, consegue ter uma das melhores atuações de todo o brilhante elenco. Os demais, Cate Blanchett e Rinko Kikuchi, cumprem suas funções sem problemas.

A edição é de grande qualidade. Os cortes de uma trama para outra acontecem sempre em momentos apropriados e, por vezes, com tanto capricho que trazem consigo muitos significados. Como é o caso, por exemplo, do corte inicial no qual os jovens marroquinos estão correndo em meio à pobreza com uma arma em mãos, e a cena é cortada para os filhos do casal norte-americano, correndo e brincando de esconde-esconde, em meio a uma realidade confortável e totalmente diferente. Foi por meio da corrida das crianças que a competente edição mudou o que estava sendo mostrado, indo do núcleo marroquino para o norte-americano. O filme ainda ganha força ao optar por uma edição que não respeita uma ordem cronológica entre as tramas apresentadas. Outro aspecto chama a atenção, a trilha sonora marcante, composta por Gustavo Santaolalla, o mesmo compositor da trilha de O Segredo de Brokeback Mountain.

A Babel, faltou apenas a coragem para ser o filme que deveria ter sido. Apesar de funcionar e transmitir seu recado de maneira densa, o filme não faz jus a toda atenção que a temporada de prêmios vem dispensando a ele.

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Título Original: Babel
Gênero: Drama
Tempo de Duração: 143 min
Ano de Lançamento: 2006
Qualidade: AQUI
Formato: Rmvb (RAR)
Áudio: Inglês
Legenda: Português
Tamanho: 467 mb

Despertar dos Mortos(Dawn of the Dead)

2009-07-05T18:43:00.000-07:00

Dos cinco filmes que George Romero dirigiu marcando a filmografia do terror com mortos-vivos, contribuição inestimável do diretor ao gênero e ao cinema desde 1968, “O Despertar dos Mortos” talvez seja o mais rico em leituras e permanência. Ele pode não ter o ineditismo e todo o background aterrorizante de “A Noite dos Mortos Vivos” (não exatamente o terror gráfico, mas o terror sugerido de estar preso em uma casa no meio do nada, à noite, com um exército de zumbis cercando a casa ) nem a violência visual de “O Dia dos Mortos”, apenas para ficar na trilogia clássica. Mas “O Despertar dos Mortos” transcende em tantos pontos o que se vê na tela que acaba se tornando, acreditem, um retrato de época que, passados mais de 30 anos, continua atual. Quantos filmes conseguem isso?

“O Despertar dos Mortos” não é, exatamente, um filme de terror no sentido pleno da palavra. Não há o medo explícito, o susto. Há, isso sim, o medo de estar se olhando no espelho quando se expande o universo habitado por um grupo de sobreviventes, um exército de mortos e um imenso shopping center. Esse pequeno núcleo transforma-se no todo de qualquer sociedade moderna atual. A maneira como Romero nos bestifica tal qual seus zumbis soa deliciosamente irônica e surpreendente.

“Por que eles vêem aqui?” pergunta um dos dois policiais que acompanha dois jornalistas numa fuga de helicóptero enquanto o mundo é assolado por legiões de mortos-vivos, em uma continuação direta do clássico de 1968.

“É instinto. Devem lembrar de algo, esse lugar deve ter sido importante em suas vidas” responde outro membro do grupo. Abaixo deles, zumbis bestificados, lentos, “animais movidos a instinto” movem-se como idiotas no Shopping, sobem escadas rolantes, vagam a esmo, batem de cara em vidros de lojas, nada muito diferente do que faziam quando tinham inteligência. A comparação é até assustadora. O grupo de sobreviventes, por sua vez, encontra no shopping sua própria versão do éden, com lojas, bancos e supermercados à disposição para brincarem de consumistas, movida pelo sonho de consumo: a impunidade aos seus atos, a liberdade de se pegar o que quiser na meca do capitalismo. Nesse paraíso, o dinheiro perde valor. Os sobreviventes poderiam viver eternamente em seu refúgio, sem precisar sair, se relacionar, encontrar outras pessoas (ainda mais com rádio, fliperama e televisão ).

Romero sempre usou os filmes de sua série como metáforas à sociedade, críticas mordazes a estilos de vida e comportamentos. Seus mortos-vivos sempre representaram mais do que simples bestas comedoras de carne humana. Em mais de uma oportunidade, “O Despertar dos Mortos” nos diz que os grandes culpados pelo caos social não são os zumbis, mas os homens racionais. É um confronto de homens contra homens que começa o filme – uma seqüência de pequenas cenas que compõem um quadro literalmente animal de caos urbano e racional. E são os homens quem, ironicamente, acabam com o paraíso do pequeno grupo, abrem as portas ao exército de mortos, assinam a própria sentença de morte, movidos pela selvageria e a impunidade.

O máximo dessa declaração de ironia de Romero surge na trilha ora alegre, ora irônica, completamente distinta daquela que se espera de um filme de terror. Surge como um canto tribal quando o grupo se prepara em uma loja de armamentos. Torna-se quase infantil ao mostrar zumbis em escadas rolantes. Alcança seu ápice ao mostrar caipiras e militares encarando o caos como um alegre acampamento de verão, movido a churrasco e tiro ao alvo nos zumbis que surgem no horizonte. A sociedade é animal, somos mais canibais do que pensamos, principalmente em grupo. O maior terror de “O Despertar dos Mortos” não está na maquiagem extremamente simples ou nos efeitos visivelmente limitados em alguns momentos, mas no alcance assustador das entrelinhas da história de Romero. E esse tesouro não está disponível para todos os filmes.

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Título Original: Dawn of the Dead
Gênero: Terror
Qualidade: DVDRip
Formato: Rmvb
Áudio: Inglês
Legenda: Português

Watchmen

2009-07-05T18:35:00.000-07:00

Comediante, um super-herói que pertencia ao grupo Watchmen, é assassinado. Rorschach, um antigo parceiro de lutas do morto, começa a investigar, desconfiando que todos os outros ex-heróis também estejam ameaçados. Suas conclusões acabam sendo piores do que ele imaginava.

A adaptação cinematográfica de Watchmen é um dos eventos nerds mais esperados nos últimos 20 anos. A graphic novel é tida por muitos especialistas como uma das melhores obras da nona arte. Com tanta expectativa em torno de um projeto, é muito fácil decepcionar os fãs.

Diretores questionáveis já estiveram relacionados para levar a desconstrução dos super-heróis para as telonas. Depois de Michael Bay (ufa!), Paul Greengrass e outros cineastas, o projeto finalmente caiu nas mãos de Zack Snyder e os fãs respiraram aliviados, ao lembrar o trabalho dele em 300. A fidelidade de Znyder é real, ao ponto de ele dar um exemplar dos quadrinhos para cada ator e permitir-lhes sugerir alterações para que a adaptação fosse a mais fida e digna possível.

O problema do filme é que o público que estiver interessado em ação pode ficar um frustrado, principalmente com o começo cheio de explicações e muito texto. Por outro lado, as melhores cenas são aquelas em que músicas selecionadas a dedo são o fio condutor da ação – o que não seria tão legal nos quadrinhos.

O resultado final não irá agradar muitos dos fãs. Comparando com outras adaptações, Watchmen acabou ficando raso – V de Vingança foi mais feliz nesse sentido – e há cenas que, mesmo quem não teve contato com a obra original, foram claramente inseridas e sobram entre os mais de 150 minutos do filme.

Eu adorei o filme, claro que por ser uma adaptção sempre vai ter alguma mudança que não vai agradar algue, mas o diretor conseguiu manter o espirito da HQ e criou uma das melhores adaptações de quadrinhos pro cinema. Esse filme desafia as pessoas a pensarem, não vem nada mastigado, alem de ser extremamente critico. Pessoas que forem ver o longa esperando mais um filme de super-herois cheio de poderes e pancadaria, é melhor passar longe.

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Gênero: Ação
Ano de Lançamento: 2009
Formato: RMVB
Idioma: Inglês
Legenda: Português
Tamanho: 528 MB

O Enigma do Outro Mundo(The Thing)

2009-07-03T08:30:00.000-07:00

Imagine a seguinte situação: você e mais onze homens em uma estação de pesquisas na Antártida, totalmente isolados do mundo. Nisso, aparece um organismo alienígena, cujo menor contato pode dominar uma pessoa e a assimilar completamente, e como é uma cópia perfeita da pessoa, esse organismo pode matar, se nutrir e se proliferar livremente. Você seria capaz de confiar em alguém? De ficar sozinho com alguém?

Pois essa é a essência de The Thing (Enigma do Outro Mundo). Um filme do mestre John Carpenter, um cineasta que nos anos 70 e 80 produzia filmes capazes de mexer com qualquer pessoa. The Thing é um filme claustrofóbico e paranóico. Um verdadeiro clássico do horror/ficção.

O filme começa mostrando uma nave espacial caindo na Terra, mais precisamente na Antártida. Essa nave passa cerca de 100 mil anos enterrada na gelo, até ser descoberta por um grupo de pesquisadores noruegueses. As seqüências a seguir mostram um helicóptero perseguindo um cachorro, tentando o matar a todo custo, chegando inclusive a atirar nos pesquisadores de outra estação de pesquisa, dessa vez americana.

Em um ato de defesa, os noruegueses são mortos pelos americanos e o cão, recolhido a um canil, junto a outros cães. Para tentar entender o motivo da insanidade dos noruegueses, os pesquisadores americanos partem em busca de pistas na estação norueguesa, e lá, através de relatos gravados em fitas cassetes, acabam descobrindo que a situação é extremamente mais complicada do que haviam imaginado.

A partir daí o filme é uma seqüência de discussões, brigas, mortes e sangue jorrando aos litros. 12 pesquisadores que vão morrendo um a um. Como saber quem está ou não infectado? Em quem confiar?

Apesar de ter fracassado nas bilheterias no mundo inteiro, esse filme é considerado um clássico da ficção. Pois mesmo sendo feito numa época que praticamente inexistiam efeitos especiais, ele possui cenas de que põem muitas feitas no computador hoje em dia no chinelo. Realistas ao extremo. Obra de um excelente trabalho de maquiagem e robótica.

Mas, como nada é perfeito, o roteiro possui algumas brechas. Como a total falta de sensatez dos americanos, que acolhem um animal que estava sendo perseguido sem o estudar melhor. Tal situação exigiria no mínimo uma quarentena. Ou o fato de um dos infectados em pouco tempo e com restos de material, conseguir montar uma estrutura de nave espacial. São pequenos detalhes que não chegam a estragar a diversão, mas se recebessem uma maior atenção, certamente abrilhantariam a película, tornando-a ainda mais prazerosa.

Se você ainda não viu, ou não se lembra, o DVD é altamente recomendado. Assista ao filme e duvido que não se impressionará com algumas cenas. Entre as de maior destaque estão a carnificina no canil, o teste no sangue dos sobreviventes e uma cena que mostra uma espécie de cabeça-aranha andando e usando a língua como chicote.

O final é praticamente aberto, e é muito estranho que não tenham feito uma continuação para ele. Talvez tenha sido o fato do fracasso nas bilheterias, mas ele mereceria uma boa continuação nos dias atuais (na verdade há uma continuação, mas não em filme, em game) ou até mesmo uma refilmagem. Mas, no caso de uma refilmagem, ela seria a terceira. Pois esse filme já é uma refilmagem do filme "O Monstro do Ártico" de 1951, que por sua vez foi adaptado de um romance homônimo.

Como Hollywood anda sofrendo um surto de refilmagens, quem sabe um dia nos deparemos com a notícia de uma refilmagem dessa obra? Com os recursos de hoje, as possibilidades seriam muito mais interessantes.

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Título Original: The Thing
Gênero: Ficção Cientifica
Qualidade: DVDRip
Formato: Rmvb
Áudio: Inglês
Legenda: Português

Instinto Selvagem 2

2009-07-03T08:26:00.000-07:00

Devido a “Instinto Selvagem 2”, muito tem se falado da beleza de Sharon Stone aos 48 anos. Também já foi alardeado a quatro ventos que o filme é uma verdadeira catástrofe. Mas, vamos ser justos: em ambos os casos, nem uma coisa, nem outra.

Para começar, Stone não está tão bonita assim. A loira apresenta no filme uma aparência plastificada – em alguns momentos estranha, até. Magérrima, com bem menos curvas que no longa original de 14 anos atrás, a atriz faz o que pode para manter o ar de “eterna juventude”. Ela se expõe bem pouco – e em todos os sentidos: tem poucas cenas de nudez (diga-se de passagem bem mais rápidas que no filme original), usa muita maquiagem e ainda economiza na atuação.

Talvez em uma das piores performances de sua carreira, Sharon Stone interpreta a escritora-psicopata Catherine Tramell com a mesma expressão de “mulher fria e fatal” o tempo todo. Mas, apesar desta canastrice, o filme dirigido por Michael Caton-Jones (“Rob Roy”, “O Chacal”) não é tão ruim assim. A trama até que prende a atenção e se o espectador não exigir algo tão bom quanto o primeiro longa pode até se divertir. A começar pela cena legal de abertura: após, digamos, ser satisfeita por um astro do futebol enquanto dirige um possante Spyker Laviolette C8 em alta velocidade pelas
ruas de Londres, Tramell joga o carro no rio Tamisa, matando afogado seu novo “amante”.

A partir daí, sua conduta será analisada pelo psiquiatra Michael Glass (o pouco conhecido David Morrissey, de “Fora de Rumo”), que logo entrará no jogo de intrigas da loira. Em todo o desenrolar da trama, o diretor Caton-Jones faz um nítido esforço para manter o clima de suspense, recorrendo à constante música ao fundo, a várias reviravoltas e às aparições “inesperadas” de Catherine Tramell – que muitas vezes soam involuntariamente engraçadas. Não há como não se divertir com as cenas em que “a mulher fatal” aparece subitamente com cabelo propositadamente despenteado, com uma camisa transparente ou durante o enquadramento que começa no tamanco da atriz,
revelando que a doidivanas aguarda o psiquiatra sentada sobre uma mesa. Parece até coisa do “Saturday Night Life”.

Um pouco menos de pose por parte de Sharon e uma direção mais descontraída poderiam ter colaborado para tornar o filme melhor. O resultado, por exemplo, não agradou ao público norte-americano, já que a produção fracassou na bilheteria logo em sua estreia.

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Título Original: Basic Instinct 2: Risk Addiction
Gênero: Suspense
Tempo de Duração: 114 min
Ano de Lançamento: 2006
Qualidade: DVDRip
Formato: Rmvb (RAR)
Áudio: Inglês
Legenda: Português
Tamanho: 381 mb

Eurotrip

2009-07-03T08:18:00.000-07:00

Quando aluguei Eurotrip eu não dava nem um real pela produção, tava na cara que era mais um daqueles filmecos adolescentes de hoje em dia, chatos e sem graça e cheio de piadinhas sexuais. Mas depois de assistir, me dei conta de ter visto um daqueles tipos de filmes que daqui há uns 10 anos será reverenciado por toda uma geração assim como "Curtindo a Vida Adoidado" é hoje em dia. Talvez eu esteja exagerando, mas Eurotrip é ótimo mesmo!

Tudo começa quando na formatura do herói do filme, Scotty (Scott Mechlowickz) que namora uma piranha de marca maior, Fiona (Kristin Kreuk, a Lana de Smallville). Ela decide largar o cara no dia da formatura, pois o acha "previsível" demais. Ele fica arrasado e desabafa com os amigos Cooper (Jacob Pitts), Jenny (Michelle Tratchenberg) e Jamie (Travis Wester). Além disso, ele se corresponde por internet com um amigo alemão, Mike e certo dia, por causa de uma confusão traduzindo um e-mail dele, acha que Mike é gay e responde o e-mail de forma grosseira. Só que Scotty descobre que o tal Mike, na verdade é Mieke uma garota! Durante todo esse tempo ele se correspondia com uma garota e nem sabia! hehe...

Decidido a resolver a burrada e de quebra se dando conta de que está apaixonado por Mieke (Jessica Bohers), Scott decide ir até a Alemanha com seus amigos achar a moça e se declarar pra ela. Mas nem preciso dizer que durante o percurso, um monte de hilários imprevistos acontece!

O que mais me chamou a atenção no filme foram os personagens que em suas atitudes se assemelham bastante a pessoas da vida real, diferente de 99% das produções do gênero. Sim, todos pertencem a um esteriótipo, mas não ficam presos a eles. Por exemplo Jamie é o nerd, mas não é o nerd típico, chegando até a transar durante a viagem. Cooper é o mais safado, que tem o objetivo claro de transar com o maior número de mulheres que encontrar, mas é ótimo constatar que ele não é fútil a todo momento, como quando Scotty chega sozinho ao apartamento de Mieke e ele chega logo depois dizendo: "Eu vim de lá só pra isso, tá louco que eu iria perder?", demonstrando não se importar somente com si próprio e suas vitórias sexuais, mas sim com o amigo e sua "missão". O mesmo vale pra Jamie que chega a vender sua câmera fotográfica de estimação para pagar a passagem de avião que fará Scotty se encontrar com Mieke no clímax do filme. Jenny, como única representante feminina da trupe é abordada de modo originalíssimo. Ao invés de ser o "objeto sexual" da turma, aquela por quem todos irão babar durante a viagem, ela é tratada como uma igual, às vezes como mais um garoto. Em certo momento dizem a ela: "Você não é uma garota, é um cara legal de cabelo comprido". E é ótimo ver o crescente interesse de Cooper por ela, não unicamente sexual, mas também amoroso.

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Título Original: EuroTrip
Gênero: Comédia
Tempo de Duração: 92 min
Ano de Lançamento: 2004
Qualidade: DVDRip
Formato: Rmvb
Áudio: Inglês
Legenda: Português
Tamanho: 302 mb

Os Espiritos(The Frighteners)

2009-07-02T10:39:00.000-07:00

A primeira incursão de Peter Jackson em Hollywood é uma interessante mistura de filme de horror e comédia, com bons efeitos especiais e incursões ocasionais no drama romântico e na ação desenfreada, o que faz de “Os Espíritos” (The Frighteners, EUA, 1996) um ótimo programa. Pouco divulgado no Brasil, onde foi lançado diretamente em vídeo, o filme é uma oportunidade consistente para que fãs da série “O Senhor dos Anéis” conheçam um pouco mais as origens do cineasta neozelandês que se tornou o homem mais poderoso do cinema, neste início de século XXI.

Pouca gente veria, no diretor criativo que consegue injetar frescor e diversão numa trama onde um operário-padrão da direção faria uma aventura mediana, um futuro titã de Hollywood. No entanto, pelo menos uma pessoa anteviu o sucesso do neozelandês: o colega Robert Zemeckis (da série “De Volta Para o Futuro”). Foi ele quem conseguiu que a Universal bancasse o projeto de Jackson, sugerindo ainda um protagonista, o ator Michael J. Fox, que trabalhara com ele na famosa série juvenil dos anos 1980. Zemeckis ganhou crédito de produtor executivo. E só isso, já que “Os Espíritos” não fez grande sucesso na época do lançamento.

A receita de Peter Jackson para sua primeira incursão na indústria mais rica do cinema foi simples: um mergulho em terreno que ele já conhecia, a interseção entre comédia e horror. Os primeiros filmes do cineasta, como “Fome Animal”, trabalhavam nessa zona perigosa. Não são muitos os diretores que se arriscam nesse entrelugar de gêneros, pois o risco de pesar demais a balança para um dos lados é grande; nesses casos, é normal que cineastas sem muito talento acabem produzindo paródias involuntárias, que nem fazem rir os fãs de comédias e nem assustam os que preferem horror. Jackson, porém, é um fã de carteirinha dos dois gêneros, e já havia mostrado que sabia trabalhar nessa faixa de risco. É o que faz com perícia em “Os Espíritos”.

A história tem como personagem principal o paranormal Frank Bannister (J. Fox). O sujeito ganha a vida convencendo moradores da pequena cidade de Fairwater de que estão sendo perseguidos por fantasmas, e cobrando dinheiro para afastá-los. Boa parte das pessoas da região acredita que Bannister seja um charlatão; o fato é que, embora seja um trapaceiro, ele tem mesmo o dom de ver fantasmas. O truque de Bannister é outro. Ele trabalha em conjunto com três espíritos (o juiz é hilariante), encarregados de assustar pessoas para que Bannister seja, então, contratado para fazer o “exorcismo”, coisa que ele obviamente dá conta com facilidade.

O personagem rende boas risadas e cenas cômicas, amparadas no fato de que apenas ele (e o público) conseguem realmente ver os fantasmas – as visitas de Bannister ao cemitério local são sempre hilariantes. A situação, é evidente, desperta automaticamente a simpatia do público pelo rapaz, cuja habilidade para ver os mortos tem conexão com um fato obscuro do passado dele, que o deixou traumatizado e solitário. É por isso que Lucy (Trini Alvarado), uma recente viúva cujo falecido marido procura Bannister para entrar em contato com ela, mexe com os sentimentos do candidato a herói. Está aí o elemento romântico do filme.

As coisas complicam quando surge na cidade um misterioso espírito encapuzado que mata moradores de Fairwater. Com sua habilidade extraordinária, Bannister vê os crimes e conclui que um serial killer do além está matando os habitantes da cidade, por razões desconhecidas. Infelizmente, ninguém acredita nele, já que as mortes parecem ocorrer por causas naturais; as tentativas canhestras e solitárias de investigar os casos acabam tornando o paranormal suspeito, aos olhos da polícia. Aí temos uma situação clássica dos filmes de Hitchcock: um homem inocente, obrigado a investigar um crime para não ser preso por ele.

A condução da trama é firme, e Peter Jackson conta com um roteiro decente – escrito por ele e a esposa, Fran Walsh – para trabalhar, levando o caso a seguir um rumo surpreendente e inserindo personagens interessantes, como um bizarro agente do FBI (Jeffrey Combs, ator de uma série de horror cômico chamada “Reanimator” que é a grande inspiração de Jackson). O policial, aliás, funciona como um resumo do filme: engraçado e aterrorizante ao mesmo tempo, ele provoca risos, mas também arrepios.

Outro destaque está nos efeitos especiais, que marcam também a primeira incursão da Weta – a firma do diretor, que depois se tornaria uma referência no setor, a partir de “O Senhor dos Anéis” – em Hollywood. A técnica criada pela empresa para mostrar os fantasmas, fazendo-os brilhar como objetos fosforescentes, é extremamente bem feita. Também é muito eficaz do ponto de vista narrativo, pois permite que o espectador identifique instantaneamente, em cada cena, quais os personagens que estão vivos e quais estão mortos (uma versão aprimorada dessa técnica foi utilizada para mostrar o exército fantasma de “O Retorno do Rei”).

Na época do lançamento, “Os Espíritos” motivou comparações entre o trabalho de Peter Jackson e o de Tim Burton. Há, realmente, semelhanças: ambos são cineastas extremamente visuais, que sabem trabalhar na fronteira da comédia com o horror sem derrapar. O trabalho de Peter Jackson, porém, é menos estilizado e mais acessível, pelo menos do ponto de vista narrativo, o que não é um demérito. Além disso, o neozelandês possui um talento natural imbatível para criar resoluções dramaticamente poderosas, algo que “Os Espíritos” realiza sem problemas. Ao final, fica a certeza de que a diversão é garantida para todas as idades.

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Título Original: The Frighteners
Gênero: Terror
Tempo de Duração: 109 min
Ano de Lançamento: 1996
Qualidade: DVDRip
Formato: Rmvb (RAR)
Áudio: Inglês
Legenda: Português
Tamanho: 309 mb

Los Angeles, Cidade Proibida

2009-07-02T10:37:00.000-07:00

Los Angeles, 1953. A cidade é dominada pela corrupção, traição e perigosas paixões. A prisão de um chefão da máfia deixa um vácuo de poder, entre os criminosos, fato que leva a uma onda de violências sem precedentes. É quando ocorre um massacre no Café Night Owl, onde seis vítimas, incluindo um ex-policial, são brutalmente assassinadas.

A polícia inicia as investigações de rotina, mas rapidamente torna-se aparente que não se trata de um simples caso de homicídio múltiplo. É quando entram em cena os policiais Det. Ten. Edmund 'Ed' Exley e Wendell 'Bud' White, ao lado do famoso detetive Sgt. Jack Vincennes. Os três policiais são bem diferentes, com ambições pessoais e profissionais distintas. Ed Exley insiste em fazer o que é certo, contrariando a tese dominante do Capt. Dudley Liam Smith que, entre outras coisas, diz que se devem abater suspeitos, desde que se tenha certeza que são culpados e quando seja impossível condená-los em tribunal. Bud White é o protótipo do policial duro, que não hesita em espancar alguém, para obter uma confissão, e que tem aversão a homens que batem nas esposas. Jack Vincennes tem um acordo com Sid Hudgens, editor de um tablóide que publica fotos e artigos relativos a celebridades, geralmente ligadas ao cinema e à TV, presas pelo policial em situações comprometedoras.

Assim, usando táticas diferentes, as investigações levam ao possível envolvimento do milionário Pierce Patchett, que dirige uma agência de prostituição com sósias de estrelas de cinema, onde se inclui Lynn Bracken, sósia da atriz Veronica Lake. Por outro lado, a agência de Patchett pode ser apenas fachada para crimes mais sérios, possivelmente acobertados por policiais corruptos do próprio Departamento de Polícia de Los Angeles, o que deixa claro que a sobrevivência dos três investigadores vai depender de trabalharem juntos.

"Los Angeles - Cidade Proibida" é um ótimo filme policial, rico em detalhes. Realizado pelo cineasta Curtis Hanson, que também participa da produção e da elaboração do roteiro, o filme é uma adaptação do livro de James Ellroy e um programa imperdível para quem gosta de um bom cinema.

A trama é repleta de pequenas reviravoltas, mas não a ponto de tornar a história difícil de ser acompanhada. As sub-tramas, e há várias, são bem desenvolvidas como a história principal.

Além do magnífico trabalho de Hanson, o filme apresenta uma ótima trilha sonora e a bela fotografia de Dante Spinotti. O elenco também nos brinda com ótimas interpretações, destacando-se as atuações da bela Kim Basinger, de Kevin Spacey e de Russell Crowe.

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Título Original: L.A. Confidential
Gênero: Policial
Tempo de Duração: 138 min
Ano de Lançamento: 1997
Qualidade: DVDRip
Formato: Rmvb
Áudio: Inglês
Legenda: Português
Tamanho: 449 mb

Moonwalker

2009-07-02T10:25:00.000-07:00

Moonwalker é a uma fantástica e emocionante ficção musical produzida nos últimos anos, e traz pela primeira vez em um longa-metragem o superastro da música mundial Michael Jackson no papel do herói de um planeta desconhecido que vem á Terra ajuda três criança no combate ao vilão Mr. Big e seu exército de viciados. Em meio e perseguição e incríveis sequências de efeitos especiais, Michael Jackson interpreta seus maiores sucesso e apresenta novas canções e coreografias sensacionais. Um filme de ficção? UM musical? Uma aventura fantástica? Moonwalkeré tudo isso e ainda mais. É o resultado da genialidade de um grande artista, que agora leva ás telas seu enorme talento, cercado de efeitos especiais que era o maximo na epoca que foi lançado.

filme começa com o vídeo de “Man in the Mirror” e depois parte para uma edição de videoclipes da careira de Michael. Depois vem uma paródia de “Bad” interpretada por crianças e então em uma seqüência Michael é perseguido por fãs. Então mais dois vídeos são mostrados e o filme mostra Michael como um herói com mágicos poderes, que é perseguido por Mr. Big (Joe Pesci), um traficante de drogas, mas mesmo assim Michael salva três crianças. Entre os vídeos estão “Smooth Criminal” e “Come Together”.

Mas se voce for ver o filme pensando que tem uma otima historia e muita ação, pode esquecendo, o filme é mais uma coletania de Video Clipes, mas como Michael Jackson é o rei dos videos clipes e praticamente inventou eles e a MTV, você concerteza vai ver otimos video clipes que conseguem sustentar e divertir ate o final do longa.

Esse filme é excelente, um show de efeitos especiais, um musical primoroso de extremo bom gosto e qualidade. Não é a toa que se tornou o home video mais vendido de todos os tempos e faria sucesso no cinema se a imprensa não tivesse detonado o filme. Michael é realmente um showman, é bom em tudo o que faz. O roteiro simples e de fácil entendimento torna o filme muito mais pop e recomendado pra todas as idades. Uma obra prima de musical.

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Título Original: Moonwalker
Gênero: Musical
Tempo de Duração: 91 min
Ano de Lançamento: 1988
Qualidade: DVDRip
Formato: Avi
Áudio: Inglês
Legenda: Português
Tamanho: 699 mb

Vampiros, de John Carpenter

2009-07-01T09:28:00.000-07:00

O caçador de vampiros Jack Crow depara-se com o vampiro mais poderoso de todos os tempos. Esse vampiro está em busca da cruz que em um ritual dará a todos os vampiros do mundo a habilidade de andar sob a luz do sol, cabe a Crow a missão de impedi-lo de achar a cruz negra e evitar a catástrofe para os seres humanos.

John Carpenter é um diretor pretensioso. Desde a escolha dos títulos de seus filmes (sempre com o subtítulo “de Jonh Carpenter”), a escalação do elenco (sempre atores esquecidos e que ninguém arriscaria convocar) e é claro, até a direção em si (ele faz os atores dizerem cada frase que até Deus duvida). Além de ser compositor e ator, claro.

O problema é que ele pode. Carpenter consegue imprimir a cada segundo de seus filmes um distintivo. É uma mistura de ação, com kitsch e terror que inspirou muita gente, alguns para o bem outros, como Tarantino, outros nem tanto, como Tommy Lee Wallace, seu protégé que dirigiu a bizarra seqüência Vampiros: Los Muertos, com Bon Jovi protagonizando.

Apesar de ser o responsável por grandes clássicos do cinema de entretenimento como Halloween, Christine, o carro assassino e Os aventureiros do bairro proibido, o meu preferido, que resume o estilo “carpentiano” é Vampiros (de John Carpenter, claro). Vampiros é um filme de... vampiros. A história se passa no Novo México. A Igreja Católica convoca um grupo de matadores de vampiros para impedir que o maior vampiro de todos os tempos encontre o crucifixo negro. Uma cruz que quando utilizada em um ritual permitirá que todos os vampiros do mundo andem sob o sol. Ou seja, é uma Cruzada moderna.

Jack Crow é o herói. Um justiceiro bom de briga e capaz de fazer as brincadeiras mais irônicas mesmo frente a frente com o trevoso. Inclusive, os trechos em que Crow solta a língua são os mais divertidos do filme. Quem interpreta é o machão James Woods e é difícil pensar em alguém melhor. O elenco também tem o menos famoso dos Baldwins, o Daniel e Sheryl Lynn, mais conhecida como Laura Palmer. Lynn, inclusive, interpreta Laura Palmer: uma prostituta que é mordida pelo vampiro em uma cena sexy e então se torna a ligação com o mal, tendo visões e sonhos paranormais. Boa parte do filme ela está semiconsciente (e seminua), rendendo-lhe menos falas que em toda a série de Twin Peaks. Mas, como consolo, está bem mais bonita que há dez anos. Apesar das críticas, Vampiros consegue cumprir seu papel de entretenimento (quem leva a “sério” um filme com vampiros, com um Baldwin, no Novo México, com a Laura Palmer, anyway?). As cenas de ação são empolgantes, os vampiros são do mal e ainda tem uma boa crítica à Igreja Católica. Claro que os efeitos não são de última geração e Carpenter às vezes pega pesado na breguice, mas, mesmo assim, é pura diversão.

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Título Original: Vampires
Gênero: Terror
Qualidade: DVDRip
Formato: Rmvb
Áudio: Inglês
Legenda: Português

A Noite dos Mortos Vivos

2009-07-01T09:23:00.001-07:00

A Noite dos Mortos Vivos, lançado em 1968, que serviu de inspiração para todos os outros exemplares do gênero, é um perturbador exercício de tensão e medo. Perseguidos por zumbis sedentos de sangue, um grupo de pessoas se isola num casebre e tenta, desesperadamente, lutar pela própria sobrevivência.

Muitos estudiosos enxergam forte crítica social nas entrelinhas do roteiro, condenando a alienação do ser humano diante das tecnlogias do século XX, especialmente a televisão. Não por acaso, é um aparelho de TV que cria a ponte do grupo isolado com o mundo fora da casa. Coincidência ou não, o filme acabou sendo proibido no Brasil durante a ditadura militar (período em que foi lançado mundialmente). Romero utiliza do poder da mídia para manipular as atitudes de seus personagens, o que acaba por encaminhá-los à tragédia. Com um desfecho extremamente pessimista e anticlímax, A Noite dos Mortos Vivos pode desagradar aqueles que esperam redenção e escapatória.

Excluindo, porém, estes fatos intelectualóides, A Noite dos Mortos Vivos pode ser uma das melhores experiências do gênero. A começar pela abertura tenebrosa, onde um carro trafega numa estrada isolada – e termina num cemitério – o filme promete, a partir de então, uma atmosfera arrepiante. E cumpre. Regidas por uma trilha sonora competente e ótima fotografia em preto e branco, as cenas são cuidadosamente filmadas por Romero, atingindo com perfeição a proposta do roteiro. Prepare-se para momentos de incômodo e tensão insuportáveis (destaque para a perseguição da protagonista por um dos zumbis, que exprime com clareza a sensação de medo e isolamento) e outros de pura repugnância, como o banquete dos mortos vivos, que vai de dedos a fígados, e as cenas de assassinato no porão do casebre.

É, sem dúvida, um dos mais rebuscados e interessantes filmes de horror já levados ao cinema. Corajoso o suficiente para atacar a sociedade moderna e competente na medida certa para provocar inquietação e medo, A Noite dos Mortos Vivos é praticamente obrigatório para aqueles que gostam de produções criativas e fantásticas. E por isso, talvez George Romero seja mesmo um gênio.

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Título Original: Night of the living dead
Gênero: Terror
Qualidade: DVDRip
Formato: Rmvb
Áudio: Inglês
Legenda: Português

A Tempestade do Seculo

2009-06-30T10:48:00.000-07:00

Quando se ve a capa de um filme e ele carrega o nome de Stephen King, sempre fica-se com um pé atras de assisti-lo. Pode ser tanto uma obra-prima do cinema ou uma bomba nuclear. "A Tempestade do Seculo" entra na categoria dos otimos filmes do escritor.

"A Tempestade do Seculo" é um filme que pouquissimas pessoas assistiram, ele ainda não foi lançado em DVD e nem tem previsão para que isso aconteça. Esse longa não é baseado em nenhum livro do autor, e foi um roteiro escrito especialmente para o filme. Ele foi produzido em 1989 e para ser exibido na rede de televisão ABC em 3 partes. A unica midia que encontramos do filme no Brasil é em VHS.

Com quase 4 horas e meia de duração, poucas pessoas vão ter coragem de encarar um filme tão longo, mas o diretor conseguiu criar um clima de suspenso tão tenso que você não consegue desgrudar da tela e essas 4 horas de filmes passam voando. Claro que assistir 4 horas sem parar é dificil, não é a toa que o filme não foi feito para assistir de uma vez, eu vi em duas partes.

O cenário da história é a pequena ilha pertencente ao Estado norte-americano do Maine, chamada Little Tall, onde os moradores estão se preparando para enfrentar a pior nevasca dos últimos anos. Nesse mesmo período, chega à cidade um estranho chamado Andre Linoge (Colm Feore, de O Exorcismo de Emily Rose, 2005). O sinistro sujeito conhece todos os segredos dos habitantes, incluindo os mais obscuros, gerando uma situação de desconforto e, posteriormente, de controle perante as pessoas. O visitante provoca medo nos moradores, que presos pela tempestade, não têm como fugir dele.

Apesar de ser um excelente filme, A Tempestade do Século teve fraca divulgação quando lançado no Brasil. O tempo de duração também não ajudou em um maior interesse pelas fitas, que eram duas. Como ainda não foi lançado nacionalmente em DVD e com a maioria das locadoras de VHS fechadas, o filme começou a desaparecer, o que deve ser considerado uma grande perda para um gênero. Se você tiver a sorte de achar esta preciosidade em algum bazar de vídeos ou locadora que tenha falido e esteja vendendo seu estoque por R$ 2,99, não pense duas vezes e o compre. Ou então você pode baixar o mesmo pela internet ou até importar o DVD. Desta forma, quando os seus amigos forem fazer aquela sessão de cinema na sua casa, pode ter o orgulho de dizer que vão assistir um dos melhores filmes de suspense da história.

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Título Original: Storm of the Century
Gênero: Terror
Tempo de Duração: 4h16min
Ano de Lançamento: 1999
Qualidade: VHSRip
Formato: Rmvb
Áudio: Inglês
Legenda: Portugues
Tamanho: 746 Mb

Fome de Viver(The Hunger)

2009-06-30T10:45:00.001-07:00

"The Hunger", o título original, tem muito mais a ver com o filme em si do que o título traduzido. Não que ele tenha sido mal escolhido, mas "Fome de Viver" dá mais aberturas às interpretações metafóricas e subjetivas. Aliás, ele não está errado nesse propósito. O filme, apesar do terror, tem idéias decentes para uma discussão. Mas "The Hunter" resume melhor a idéia da produção e teria podado minhas asinhas em relação à sua história.

Tudo acontece em Manhattan, Nova York. Mirian Baylock (Catherine Deneuve) é uma bela mulher que vive com seu parceiro John Baylock (David Bowie) em uma luxuosa mansão decorada com peças de arte raríssimas. Acontece que John começa a envelhecer de forma brusca e rápida, sendo logo tomado pelo desespero e pela irritação diante da indiferença de Mirian, que parece já prever aquilo tudo. Ele, então, procura a Dra. Sarah Roberts (Susan Sarandon), uma cientista especializada na busca pelo antídoto do envelhecimento, tido para ela como uma "doença" que pode ser curada. Para decepção de John, Dra. Roberts não acredita na sua história absurda e o ignora. Ao perceber que ele não estava louco, Sarah tenta remediar o julgamento errôneo, mas John, que já tinha perdido tempo demais, vai embora. Insistente, Sarah vai até a casa dos Baylocks, mas não encontra John. Misteriosamente, ele havia sumido. Ela, então, conhece sua esposa, Mirian. A partir daí, uma relação estranha entre as duas começa e Sarah logo se vê envolvida em uma trama que jamais imaginaria encontrar.

O longa-metragem, para mim, não se ocupa em contar uma história de começo, meio e fim. Ele mais me pareceu um recorte de uma história. Vemos, sim, o começo, o meio e o fim de um filme, mas ficamos longe de compreender de verdade a história daquelas criaturas. Muito já aconteceu, muito do que acontece não nos é explicado e muito ainda virá a acontecer.

A única coisa que é presente em todos os momentos do filme é o mistério. Nada é esclarecido de forma completa. Os diálogos são mínimos e precisos. Isso talvez seja o ponto destaque do projeto, além de sua produção específica, com maquiagem e figurino típicos do estilo adotado.

O diretor Tony Scott – que antes seria Alan Parker ("Mississipi em Chamas" e "A Vida de David Gale") - conseguiu um cult-gótico memorável. Ao contrário de muitos filmes de terror, "Fome de Viver" passa longe de ser explícito. O tom vampiresco vem das sutilezas e não do óbvio. Não vemos caninos, veias abertas ou violências bizarras. Vemos juras de "para sempre e sempre", flashes atemporais, o ar clássico típicos dos grandes vampiros e, óbvio, o sangue, abordado muito mais poeticamente do que como tinta para encher os olhos do telespectador com horror.

Outro filme que não usou a imagem padrão de vampiro, e que exigiria muito mais tais recursos, foi o filme "Drácula", de 1979, com o ator Frank Langella. Todavia, apesar da ausência de caninos, o longa tem todas as situações que deságuam em um desfecho de amor, crime, sedução e morte.

Temos, então, em "Fome de Viver" uma quebra com o óbvio, temos uma adaptação, ou, talvez, uma evolução. Vampiros sem caninos, sem cruzes, sombrios, porém destemidos do sol. Se, por um lado, Scott fugiu das linhas comuns, outro traço foi exagerado, mas ainda cheio de significado. Estamos falando do estigma da beleza.

Catherine Deneuve exala elegância. Linda. Certamente, a vampira mais atraente que já passou pelas telas do cinema. Ícone da beleza. David Bowie já pode levantar controvérsias, mas ninguém pode dizer que ele não esbanja estilo e ousadia, além de elegância. E, por sinal, acho que ele é estranhamente sedutor. Esse ar de beleza envolvente e assassino só me lembra de um personagem do escritor inglês Oscar Wilde: o belo e ambicioso Dorian Gray. O rapaz que temia envelhecer e fez um pacto para manter sua beleza eterna com a condição de nunca olhar o quadro que envelheceria em seu lugar. John lembra o desespero de Dorian. Afinal, qual o preço a se pagar por querer ser dono do tempo e viver várias vidas? A vontade de driblar o tempo é um dos grandes anseios do homem.

O filme apresenta seqüências caóticas. Um sutil paralelo entre a vida humana e a vida animal é traçada. Dois tipos de vidas tão diferentes e tão iguais. Ambas ligadas pela "doença" do envelhecimento. Muitas idéias e sensações são passadas não pelo diálogo, mas pela seqüência de imagens.

A trilha sonora é bastante adequada. Apelando tanto para o rock gótico - como a banda Bauhaus que canta "Bela Lugosi is Dead", uma apologia à morte do grande ator que personificou Drácula no cinema – como apela para a música clássica, típica da tranqüilidade fria dos vampiros. Ora tensa e agressiva, ora clean e calma, a música serve para dar o tom intencional nas seqüências exatas. Ela assume o papel de musa, fazendo referência à história da arte aqui. E já que estamos falando em significados, os óculos escuros, tão usados no figurino do casal Baylock, me lembraram da simbologia das máscaras, reforçando a força do desconhecido.

Agora, uma seqüência não pode ser ignorada: a cena de amor entre Mirian e Sarah. Sarandon e Deneuve deixando os mais tradicionais de cabelo em pé. Há quem diga que a cena foi desnecessária, outros ficaram abismados... Dentro do filme, ela tem sua serventia e sua explicação. Talvez devesse apenas ser diminuída, mas não deixa de ser um espetáculo para quem vê.

Enfim, cada um que tire suas próprias interpretações. "Fome de Viver" traz questionamentos, terror, mistério. E, no final, eis a grande dúvida sobre a maldição ou privilégio dos personagens, ao som da sonata para violino e piano de Franz Shubert, lembrando, apesar do terror e do gótico, o ar de poesia e beleza que foram pano de fundo de todo o filme.

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Título Original: The Hunger
Senha: http://langolierss.blogspot.com/
Gênero: Terror
Qualidade: DVDRip
Formato: Rmvb
Áudio: Inglês
Legenda: Português

Quatro Irmãos

2009-06-30T10:32:00.000-07:00

'Quatro Irmãos' chegou nos cinemas sem muito enfoque, e acabou fazendo um sucesso mediano. Afinal, mesmo sem um ataque de marketing, o filme tem um elenco de estrelas e é adrenalina pura... Mas ainda assim falta algo.

Quatro irmãos adotados (Mark Wahlberg, Tyrese Gibson, André 3000 e Garrett Hedlund) vão juntos sepultar a mulher que os criou. No funeral, eles descobrem que a mãe pode ter sido assassinada e procuram fazer vingança.

Com um visual saudosista anos 70, o filme acaba divertindo por sua velocidade e facilidade em deslanchar a história, além de cenas de ação não tradicionais e um estilo visual não visto á muito tempo.

Trabalhando a pensonalidade de cada um dos irmãos, John Singleton conseguiu personagens vivos e bem estruturados. O elenco segura a situação, com destaque ao sempre eficaz Mark Wahlberg, que se destaca como o pavio-curto Bobby Mercer. Temos também a primeira entrada de André 3000 (do grupo Outkast) em Hollywood, se dando bem no papel do pai de família Jeremiah.

'Quatro Irmãos' é um filme bem estruturado, dirigido de uma maneira leve e com uma ação mediana. Uma boa pedida para os fãs de ação e policial.

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Título Original: Four Brothers
Gênero: Ação
Tempo de Duração: 108 min
Ano de Lançamento: 2005
Qualidade: DVDRip
Formato: Rmvb (RAR)
Áudio: Inglês
Legenda: Português
Tamanho: 319 mb

O Poderoso Chefão, Parte III

2009-06-29T08:56:00.000-07:00

Produzido dezesseis anos depois da segunda parte, O Poderoso Chefão - Parte III é o filme que mais se distancia dos demais na trilogia. É também o que menos agradou. Algo que não consigo entender porque, já que apesar de fugir de algumas características dos primeiros filmes, a terceira parte é tão forte e dramática quanto as outras duas e, em certos aspectos, muito mais ousada. A primeira grande diferença que percebemos é que Coppola abandonou os ambientes fechados e escuros tão comuns as outras duas partes. Com várias externas e ambientes sempre iluminados - geralmente usando cores fortes como os vermelhos e amarelos de igrejas -, esta mudança visual está diretamente ligada aos caminhos de Michael Corleone, agora já nos sessentas anos e pensando em quem sucederá o controle da família.

Como uma tendência a todas as grandes empresas com o fim do século XX, a família Corleone também está em busca de acordos internacionais e, uma novidade para o meio, de forma legal e limpa. Com um acordo envolvendo mais de setecentos milhões de dólares, Michael tenta se tornar sócio do banco do Vaticano, assumindo o controle de uma grande empresa ligada a igreja católica. A falta do submundo de ruas e becos sujos dos outros filmes pode frustrar os fãs, mas é brilhante a maneira como o roteiro - ainda de Puzo e Coppola - mostra toda a corrupção e teia de interesses que ditam as regras nas grandes corporações, mesmo (ou talvez, principalmente) quando a igreja está por trás. Com a intenção de `limpar` os negócios da família, Corleone percebe que tão sujo quanto seu passado, os novos negócios são também muito perigosos quando não agradam a alguns. A corrupção por trás da igreja católica é evidenciada sem medo e no final, percebemos que tudo ainda é o mesmo jogo sujo de antes, mas com ar mais equilibrado e `legal`, só porque agora eles têm advogados e brechas em leis.

A linha dos negócios da família é um pouco menos explorada neste filme e fica evidente o interesse em mostrar quem Michael Corleone se transformou. Atormentando pelos crimes e pelas pessoas, que a seu mando, morreram, Michael é um homem solitário e infeliz. Kay só o visita em situações especiais - como a seqüência inicial em que é condecorado com uma grande honraria pela igreja, algo que, como a própria Kay classifica, é ridículo - e os filhos são o único motivo de ligação entre os dois, apesar de Michael obviamente ainda a amar e provavelmente se arrepender de tê-la deixado ir embora. Mas fica claro que ele jamais voltaria atrás e que agindo como agiu, foi a única maneira que encontrou de manter a família - o epicentro de toda a trilogia - forte e unida, mesmo quando manda matar o próprio irmão. Há, no entanto, a boa vontade de sua parte de não cometer erros novos, como por exemplo, quando concorda que o filho abandone a faculdade a direito e se torno um cantor profissional ou quando exige que Vincent deixe sua filha. Sem esperanças de que seu próprio filho possa assumir o comando da família, Michael passa a depositar sua atenção em seu sobrinho, Vincent. Interpretado por Andy Garcia - que tem uma forte semelhança com Al Pacino jovem -, Vincent tem o gênio de seu pai, Sonny, e ensiná-lo de que a violência e morte não são sempre o melhor caminho a serem tomados será um desafio para Michael. Al Pacino é o próprio Michael Corleone e consegue mostrar neste filme um lado ainda mais humano do que aquele Michael do segundo, como na bela cena em que se confessa. Diane Keaton - agora com um rosto que podemos reconhecer - também consegue acrescentar um pouco mais de sensibilidade a sua personagem.

O ponto de discórdia comum, que muitos consideram o suficiente para derrubar o filme, é Sofia Coppola como a filha de Michael. Não irei repetir tudo o que já disseram sobre as tendências de nepotismo de Coppola nem sobre a incompetência de Sofia. Basta dizer que durante todo o filme ela usa a mesma expressão que vimos na última cerimônia do Oscar. Incomoda, mas não chega a estragar o resultado final. Principalmente quando assistimos a linda seqüência da ópera Cavalleria Rusticana, estréia do filho de Michael como cantor. Brilhantemente sincronizada com a execução de um plano para matar Michael, a seqüência é tão bela e memorável como o atentado contra Vito no primeiro filme ou o assassinato de Fanucci no segundo.

O nó na garganta que acompanha o fim da seqüência não é só resultado de belo trabalho de Coppola neste filme - amplificado pela ópera -, mas na construção desta que é certamente uma das mais belas trilogias já feitas pelo cinema. Com O Poderoso Chefão - Parte III, Coppola parece colocar um ponto final em sua missão de levar as telas os dramas da família Corleone, mas deixa claro que a saga de família como aquela não tem um fim.

Apesar de ser um otimo filme, ele é disparado o mais fraco da triologia. Mas depois de dois filmes praticamente perfeitos seria mesmo muito dificil manter o mesmo nivel.

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Título Original: The Godfather - Part III
Gênero: Drama
Tempo de Duração: 172 min
Ano de Lançamento: 1990
Qualidade: DVDRip
Formato: Rmvb (RAR)
Áudio: Inglês
Legenda: Português
Tamanho: 567 mb

Uma Mente Brilhante

2009-06-29T08:51:00.001-07:00

Fim do Globo de Ouro, Uma Mente Brilhante é premiado e Russell Crowe também, o primeiro pensamento foi... Russell Crowe o ator que adora se transformar, quem já viu O Informante sabe do que estou falando, L.A Cidade Proibida ou até mesmo Gladiador. Agora Russell era um esquisofrênico... simplesmente imperdível!

De uma forma simplista posso falar que Russell dá um show, e que Uma Mente Brilhante é bom filme, mas isso seria injusto. Então, logo nas primeiras cenas, podemos esquecer completamente todos os filmes de Russell, porque ele não está lá... e sim John Forbes Nash, Jr. Com seu andar estranho, um olhar meio perdido, sua forma direta de e honesta de falar, impaciênte e claro com uma mente brilhante!

A cada cena, preste atenção nos pequenos detalhes, Russell nos transmite muita coisa com um simples olhar, como quando está no hospital e descobre que o implante não estava em seu braço, ou até mesmo durante um tiroteito, podemos sentir todo o medo estampado em seu olhar, entre milhares de cenas.

Mas, com o passar das horas somos nós todos levados para dentro do drama de Nash e sua familia, muito bem mostrado em uma cena onde sua esposa desabafa no banheiro toda pressão que carrega, aliás Jennifer Connelly está bem no filme, mas sempre como coadjuvante, nada além,assim com Ed Harris.

Apesar de algunas cenas onde foram preparadas para o choro, não são colocadas sem uma razão muito pelo contrario estão no momento certo de forma simples.

Assim como toda a historia em que podemos acompanhar progrecivamente sua doença cada vez mais se agravando. Filme ganhador do Oscar. Não deixe de conferir!

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Título Original: A Beautiful Mind
Gênero: Drama
Tempo de Duração:
Ano de Lançamento: 2001
Qualidade: DVDRip
Formato: Rmvb (RAR)
Áudio: Inglês
Legenda: Português
Tamanho: 440 mb

Os Infiltrados(The Departed)

2009-06-29T08:44:00.000-07:00

Martin Scorsese é o tipo de cineasta que gosta de filmar histórias tipicamente norte-americanas. Os Infiltrados é uma delas, apesar de seu roteiro ser inspirado em Conflitos Internos (2002), de Hong Kong. Trata-se de um filme inteligente, complexo e repleto de reviravoltas. Aqui, nada é o que parecer ser e esse é o maior encanto da produção. A bandeira norte-americana está em todos os lugares avisando: isto é a América. Acostume-se.

Os infiltrados do filme são Colin (Matt Damon) e Bill (Leonardo Di Caprio). Apesar de terem crescido no subúrbio de Boston, num bairro dominado por descendente de irlandeses (como eles mesmos), os dois não se conhecem. Cada um está do seu “lado” da história: Colin é membro de uma gangue infiltrado na polícia local; Bill é o policial trabalhando secretamente entre os bandidos. A trama tem mocinhos e bandidos, mas não é maniqueísta. O mocinho parece bandido, o bandido parece um mocinho. As coisas não são tão simples quando aparentam ser e esse é o grande trunfo de Os Infiltrados : o espectador é desafiado a pensar o tempo inteiro e seduzido a acompanhar atentamente esta violenta e fascinante trama. Seus personagens cheios de duplicidades, de construção complexa e boas interpretações.

Jack Nicholson, como sempre, dá um espetáculo na atuação do personagem que exerce o importante papel de ser o mais forte elo de ligação entre os dois infiltrados. Nos primeiros momentos que ele aparece, a fotografia – de influência noir ao trabalhar luzes e sombras – o esconde, existe uma aura de mistério em seu personagem, aos poucos revelada. Há muita complexidade nesta história que, em muitos momentos, lembra o “clássico dos clássicos” em se tratando de filmes de gângsteres: O Poderoso Chefão (1972). O filme também remete a um dos melhores momentos de Scorsese como cineasta, em Os Bons Companheiros (1990). São filmes complexos, com personagens repletos de profundidade envolvidos em tramas que sofrem reviravoltas e envolvem o espectador de forma fascinante. Por isso, se o filme de Coppola é um dos maiores clássicos de sua época, Os Infiltrados tem tudo parar marcar o cinema norte-americano atual.

Em tempo: a trilha sonora também merece destaque. Afinal, Martin Scorsese é um cineasta que dá atenção à música. Produziu a série The Blues e dirigiu o documentário No Direction Home , sobre Bob Dylan, só para citar alguns exemplos. Em Os Infiltrados , logo na primeira cena, Scorsese mostra Jack Nicholson caminhando vagarosamente ao som de Gimme Shelter , do Rolling Stones, numa cena primorosa também por causa da música. The Beach Boys, Allman Brothers e John Lennon também dão o ar da graça nesta trilha, que apresenta a pouco conhecida banda punk Dropkick Murphys. Formada em Boston - onde é situada a trama do longa -, mistura riffs pesados à gaita de fole (referência à origem irlandesa dos personagens).

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Título Original: The Departed
Gênero: Ação
Tempo de Duração: 152 min
Ano de Lançamento: 2006
Qualidade: DVDRip
Formato: Avi
Áudio: Inglês
Legenda: Português
Tamanho: 701 mb

Contato

2009-06-28T10:39:00.000-07:00

Durante boa parte das décadas de oitenta e noventa, Robert Zemeckis foi um dos mais importantes cineastas norte-americanos. Ao contrário do que muitos acreditam, sua influência não se deveu unicamente aos avanços realizados no campo da tecnologia e dos efeitos especiais, como a interação entre desenho animado e live action em Uma Cilada para Roger Rabbit e a união entre imagens de arquivo com atuais em Forrest Gump - O Contador de Histórias. Zemeckis também criou alguns dos melhores e mais adorados filmes americanos deste tempo, como a trilogia De Volta para o Futuro e a própria história do homem que via a vida como uma caixa de chocolates.

Contato, realizado três anos após Forrest Gump, normalmente não figura entre as obras mais lembradas do diretor, o que é uma pena: trata-se de um dos melhores e mais inteligentes filmes saídos de Hollywood durante toda a última década. Baseado em uma obra de Carl Sagan, Contato conta a história de uma brilhante astrônoma, vivida por Jodie Foster, que recebe uma mensagem vinda de fora da Terra. Esta mensagem, na realidade, traz informações matemáticas que contém instruções para a montagem de uma máquina gigantesca, que pode se servir de transporte para o ser humano entrar pela primeira vez em contato com seres de outro planeta.

Engana-se quem pensa que Robert Zemeckis e os roteiristas James V. Hart e Michael Goldenberg (com o apoio de Sagan) têm como objetivo realizar apenas mais um filme recheado de ação sobre alienígenas e naves espaciais. Pelo contrário, a intenção dos realizadores com Contato é construir um retrato realista do que poderia ser o primeiro encontro entre humanos e extraterrestres, em uma história que equilibra com maestria o lado humano dos personagens com importantes discussões sobre fé e ciência. Contato é um filme capaz de entreter como poucas ao mesmo tempo em que estimula o intelecto, oferecendo uma experiência cinematográfica completa como poucas nos dias de hoje.

E isso pode ser percebido logo na primeira cena de Contato. Zemeckis leva o espectador em uma estarrecedora viagem de mais de três minutos pelo espaço, começando em nosso planeta e se afastando até muito longe. Enquanto isso, são ouvidas ondas sonoras provindas da Terra que lentamente vão se tornando mais difíceis de escutar, até longos instantes nos quais nada mais se ouve. Um início brilhante, capaz de fazer o espectador sentir toda a imensidão do universo e, ainda mais importante, o quanto o ser humano é pequeno diante desse todo. A cena ilustra com perfeição uma frase que os personagens dizem por várias vezes durante o filme: “Não sei se existe vida em outros lugares. Mas se fôssemos só nós, seria um imenso desperdício de espaço”.

Diretor com alta capacidade técnica, Zemeckis ainda cria alguns belíssimos truques visuais que ajudam a enriquecer a experiência de assistir Contato. São momentos que vão desde o simples, como a câmera “atravessando” o vidro de uma porta, até os mais complexos, como a impressionante sequência na qual a plateia acompanha a pequena Ellie subindo as escadas e abrindo o espelho do banheiro. Outro momento interessante é o plano-sequência na chegada de Ellie ao Centro de Controle após ela ouvir pela primeira vez a mensagem. Zemeckis segue a personagem desde o carro até chegar à sala, subindo escadas e passando por portas em uma cena que não apenas exibe virtuosismo técnico, como também colabora para transmitir toda a excitação daquele momento.

No entanto, por mais completo que seja em termos visuais, o grande trunfo de Contato é, indiscutivelmente, seu roteiro. Zemeckis contou com a colaboração de Carl Sagan (até a morte do autor, no final de 1996) para não deixar de fora do produto final o embate entre fé e ciência, balanceando este aspecto da trama com o lado dramático e a jornada dos personagens. E o trabalho em conjunto realmente valeu a pena. Tirando um ou outro deslize, Contato apresenta uma trama coesa e provocativa, que não teme abordar profundas questões existenciais e filosóficas enquanto funciona como uma grande aventura, mantendo o espectador sempre interessado naquilo que está acontecendo e ansiando pelo que vem depois.

Em sua essência, Contato é um filme sobre a busca de um sentido maior em nossas existências. Essa reflexão é realizada pela protagonista, a doutora Ellie Arroway. Cientista brilhante, Ellie é uma pessoa excessivamente empírica, que se recusa a aceitar qualquer possibilidade de acreditar em uma força maior como Deus – mesmo que isso possa custar a ela a maior realização de sua vida. Por essa razão, dedica-se de corpo e alma a perscrutar os céus em busca de algum sinal de fora, algo que possa trazer o mínimo de iluminação a essas perguntas. Em certo momento, Ellie responde ao personagem de Matthew McCounaghey, após ele perguntá-la por que ela aceitaria arriscar a vida ao embarcar nessa viagem: “Desde pequena sempre quis saber: por que estamos aqui? Qual o sentido? Se for para encontrar ao menos uma fração da resposta, acho que vale uma vida humana”.

No entanto, Contato não é totalmente desprovido de problemas. Zemeckis e os roteiristas cometem alguns – pequenos – deslizes que poderiam ter sido evitados. O mais claro deles é o romance entre Ellie e Palmer. Não há o menor motivo para os personagens se envolverem dessa forma; acredito, inclusive, que seria ainda mais eficaz se os dois acabassem se tornando apenas confidentes, amigos, um do outro. O romance é tratado de forma rápida e jamais chega a convencer, falha que salta aos olhos assim que o roteiro exige isso do espectador. O mesmo vale para a cena na qual os personagens de James Woods e Angela Basset falam sobre uma gravação da viagem de Ellie: Zemeckis erra ao oferecer ao público uma resposta que ele deveria interpretar por si mesmo.

Mas isso é pouco, muito pouco, diante de tudo o que Contato oferece. Zemeckis, Sagan e os roteiristas não fizeram apenas um filme narrativamente impecável, mas uma obra capaz de desafiar o espectador a pensar. Uma obra que força o público a buscar suas próprias soluções em relação a alguns dos grandes temas da humanidade. Talvez a grande pergunta ao final de Contato é: estamos preparados para algo como o que é visto na trama? Infelizmente, baseado no fato de que um dos grandes filmes dos anos noventa esteja hoje quase esquecido, minha resposta é não.

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Título Original: Contact
Gênero: Ficção Científica
Tempo de Duração: 150 min
Ano de Lançamento: 1997
Qualidade: DVDRip
Formato: Rmvb (RAR)
Áudio: Inglês
Legenda: Português
Tamanho: 504 mb

O Massacre da Serra Eletrica

2009-06-28T10:26:00.000-07:00

Talvez a melhor palavra para definir "Massare da Serra Elétrica" seja aterrorizante, não pela profusão de sangue, violência explícita e gratuita, mas pela atmosfera bizarra e convincente que Tobe Hooper ("Poltergeist, o Fenômeno") criou neste clássico do cinema de horror.

Primeiramente, é importante salientar que o orçamento para o primeiro longa do diretor era baixíssimo, míseros 140 mil dólares (e arrecadou fantásticos 40 milhões). Mas não se engane! Hooper em nenhum momento quis ser trash, ele leva o filme com demasiada seriedade. E por isso mesmo, surpreendeu a todos lançando a continuação do filme, uma excrachada comédia assumida e sangrenta.

"Texas Chain Saw Massacre" foi filmado em 16 mm, o que prejudica bastante a plástica da produção. Por isso o diretor foi esperto ao iniciar o filme com uma narração documental, ou seja, permitindo de certo modo um "amadorismo" na técnica. Tática usada sabiamente bem mais tarde em "Bruxa de Blair".

A história se inicia com cenas de corpos exumados de um pequeno cemitério do texas, em início, com flashs na escuridão de corpos em decomposição, e, logo depois, corpos profanados ao ar livre. Por conta disso, cinco jovens vêm à cidade verificar se seus ancestrais haviam sofrido com o agora famoso maníaco.

Leatherface (Face de couro) aparece mais de meia hora depois do início do filme. Notadamente um imbecial, guiado por instintos primitivos e manipulado por todos os membros de uma família (!) insana. Não perdendo tempo em usar sua marreta e serra "elétrica" e pendurando uma jovem pelo pescoço em um gancho. Assumindo assim, lugar de honra entre os ícones do terror moderno, como Michael Myers ("Halloween"), Freddy Krueger ("A Hora do Pesadelo") e Jason Voorhees ("Sexta-Feira 13").

Não há muito mais a acrescentar no seguimento da trama. É basicamente isso mesmo, uma história simples (como na esmagadora maioria do cinema do horror), porém, chocante e diferente do que se vê hoje em dia. Aposto que você nunca esquecerá da cena em que a família "convida" uma jovem para uma refeição de linguiças produzidas com carne humana e corpos em diferentes etapas de decomposição. Bom apetite.

Enfim, um filme indispensável que costuma frequentar qualquer lista de “TOP 10” promovida por especialistas e fãs do cinema de horror, e certamente o filme se destaca na minha lista pessoal de preferências.

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Título Original: The Texas Chainsaw Massacre
Gênero: Terror
Qualidade: DVDRip
Formato: Rmvb
Áudio: Inglês
Legenda: Português

Uma Noite Alucinante 2(Army of Darkness: Evil Dead 3)

2009-06-28T09:41:00.000-07:00

O filme começa exatamente onde terminou o anterior: Ash foi transportado para o Idade Média, onde é obrigado a enfrentar bárbaros, feiticeiras, monstrengos e até demônios alados que estão em poder do Necronomicon. Aqui, a trilogia descambou de vez para uma comédia cartunesca, com especial destaque para as sequências com o exército de esqueletos e Campbell combatendo um "irmão" mau humorado.

Army of Darkness, o último da trilogia, foi concretizado mais pela insistência dos fãs do que pela vontade do diretor Raimi. Campbell, agora na idade média, luta contra bruxas e demônios alados. Produzida pela Universal, esta fita é a mais suave da série, a violência menos explícita e realizada em tom aventuresco. Este filme poderia se chamar "Os Três Patetas encontram a Morte Demoníaca", não fosse uma ou outra sequência onde a violência é exagerada. O mais caro de toda a série (custou 13 milhões de doláres), só foi realizado depois do sucesso de Darkman, Vingança Sem Rosto porque a Universal estava com receio de por em prática as idéias um tanto malucas do diretor Raimi.

O engraçado é que Evil Dead sofreu um remake pelo próprio Raimi. Com mais grana, Evil Dead 2, não só ficou mais divertido, como mais engraçado. O diretor assume seu apreço pelo bom humor e já tenta casá-lo com outros gêneros na mistura de climas que considero ser sua maior qualidade.

Em Spider-Man 2 isto é evidente. Embora exista um drama consistente, ele é por definição uma hiper-ultra aventura de super-herói e ainda sim consegue achar momentos para um bom terror, como quando o octopus mata todo mundo no hospital. E ainda momentos de muita graça! Aquela hora que toca "Raindropson keep falling on my headson" para mostrar que o aranha fez as pazes com a vida é de cagá de rir vai. Estes tons e gêneros casam-se com muita harmonia nos filmes do Sam Raimi, pelo menos nos melhores.

Uma Noite Alucinante 3 (Evil Dead 3: Army of Darkness), a sequência de Evil Dead 2, reúne todos os gostos do diretor, Horror, comédia, aventura, ação, épico medieval, zumbis, animação stop motion, três patetas, massacre da serra elétrica... e o melhor, sem a pretensão do drama.

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Título Original: Army of Darkness
Tamanho: 299 MB
Áudio: Inglês
Legenda: Português
Tempo de Duração: 81Min.
Formato: Rmvb
Qualidade: DvdRip
Gênero: Terror-Suspense
Ano de Lançamento: 1993

Fome Animal(Dead Alive)

2009-06-26T07:53:00.001-07:00

Tem filme que foi feito por cinéfilo e para cinéfilo, o público usual simplesmente não entende qual o fascínio uma produção ao estilo de Fome Animal é capaz de exercer.

Posso dizer que estamos diante de um clássico dos filmes de zumbis, possível e ironicamente o melhor trabalho de Peter Jackson, infelizmente mais conhecido por ter contado uma história sobre garotos descalços, anéis e orcs...

Um filme cheio de citações divertidíssimas: vemos um rapaz filho de uma mulher castradora, eles moram em uma casa no alto da colina (Psicose). Também vemos um carrinho de bebê meio sinistro, em seu interior esconde-se uma assustadora criatura (O bebê de Rosemary), isso sem falar do diálogo – se voluntário ou ao acaso, isso não importa – com o excelente A morte do demônio de Sam Raimi.

Lionel é um bom rapaz, porém facilmente dominado pelas pessoas, sobretudo se forem mulheres. Além de ser tiranizado pela sua mãe ainda há os encantos da jovem Paquita – cujo nome, carinha e atuação parecem lembrar os atributos de uma atriz pornô.

Entretanto, um raro macaco da Sumatra (!) mordisca o braço da mãe de Lionel, a Senhora Cosgrove, que se transforma em um... isso mesmo, não precisa nem continuar...

Essa grotesca velha desenvolve uma apetência bem incomum, atacando várias pessoas ao seu redor e, naturalmente, infectando-as. Enquanto isso, a versão neozelandesa de Norman Bates (personagem de Psicose) esforça-se para conter sua genitora e as pessoas por ela agredida, mas sua inépcia faz com que os problemas assumam dimensões cada vez mais desastrosas.

Vale lembrar que Peter Jackson se preocupa em fornecer todos os detalhes para o espectador. Um navio negreiro parou em uma Ilha da Sumatra, ratos gigantescos desceram e estupraram as macacas nativas, desse cruzamento surgiu uma rara espécie capaz de transmitir a peste dos mortos vivos. Quando um desses animais é capturado e levado ao zoológico da Nova Zelândia, os problemas começam. A história se passa em 1957, o que acresce um ar especial ao cenário, ao retratar um modo de vida bem ao estilo do American Way of Life.

Os personagens são muito bem desenvolvidos, mesmo aqueles que aparecem em uma única cena cumprem seu papel, ao exemplo do veterinário nazista. Mas bacana mesmo é o padre que decide “Dar porradas nos zumbis em nome de Deus” ou algo do gênero.

Podemos dizer que Lionel Cosgrave é o oposto de Ash Willians, o personagem do já citado A morte do demônio, um conquistador de mulheres que não tem pejos em mandar os possuídos para o outro mundo. O protagonista de Peter Jackson, no entanto, só se aproxima do seu contra-exemplo nos momentos finais quando, de posse de um cortador de gramas, passa a proferir frases de efeito ao estilo do nosso querido Ash.

O confronto final fica por conta de Lionel com sua mama, que tenta devolvê-lo ao seu ventre, de um jeito ou de outro. Mas até chegar nesse momento, todos os exageros do gore terão sido mostrados... dando enjôos nos estômagos mais fraquinhos e desavisados.

Um filme primoroso, mas que infelizmente tende a agradar somente os fãs do gênero ou os cinéfilos de carteirinha.

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Título Original: Dead Alive
Gênero: Terror
Qualidade: DVDRip
Formato: Rmvb
Áudio: Inglês
Legenda: Português

A Mosca

2009-06-26T07:49:00.000-07:00

David Cronenberg já era cultuado por uma pequena parcela de admiradores quando foi contratado, pelo belo salário de US$ 1 milhão, para dirigir “A Mosca” (The Fly, EUA/Canadá/Inglaterra, 1986), refilmagem de uma ficção científica classe B de 1958. Muita gente não entendeu. Ficava a dúvida: como é que um cineasta obscuro, amante de narrativas labirínticas, climas oníricos e experiências de desconstrução do corpo humano, iria se sair no comando de um blockbuster? A resposta veio com um longa-metragem esquisito, perturbador, que mostrava ser possível fundir um enredo simples e funcional com imagens grotescas de impacto, e ainda manter intactas algumas características autorais.

A presença de Cronenberg no comando da produção, de fato, não foi uma escolha óbvia da Fox. O diretor canadense, que faz uma ponta como um ginecologista, era considerado uma aposta quente em Hollywood, mas na época negociava a direção de “O Vingador do Futuro” (que seria feito alguns anos depois, com o holandês Paul Verhoeven no comando). Curiosamente, foi o comediante Mel Brooks quem atuou como produtor, conseguindo persuadir Cronenberg a aceitar o trabalho. Depois, com o filme já pronto, Brooks pediria para ser retirado dos créditos iniciais, pois acreditava que a simples presença do seu nome faria o público pensar que o filme era uma paródia cômica, o que poderia resultar em risos involuntários e fracasso de bilheteria.

A grande sacada de Cronenberg, que reescreveu completamente o roteiro de Charles Edward Pogue, foi utilizar a jornada trágica do cientista solitário Seth Brundle (Jeff Goldblum) como uma metáfora inteligente para a AIDS, que começava na mesma época a se alastrar. Mesmo assim, a degeneração física irreversível do protagonista, que começa justamente após um ato irresponsável durante uma bebedeira, podia ser lida como uma interpretação preconceituosa do drama da doença, que então afetava principalmente o público homossexual. Cronenberg sofreu algumas críticas por causa disso, mas o tempo mostraria que o diretor canadense nada tinha de conservador.

A história é uma variação sci-fi do arquétipo da Bela e da Fera. Brundle é um típico cientista, daqueles que mantém sete ternos idênticos no armário para não ter problemas na hora de escolher o que usar numa ocasião solene. Veronica (Geena Davis), por sua vez, também é uma jornalística típica de Hollywood, uma mulher ambiciosa e batalhadora. Os dois se conhecem numa festa, e ela decide acompanhar o progresso do trabalho de Brundle, que inventou uma máquina capaz de teletransportar objetos inanimados, mas ainda não consegue fazer o mesmo com seres vivos. Eles se apaixonam e iniciam um tórrido romance, interrompido depois que o cientista faz uma experiência de teletransporte consigo mesmo, após uma briga, carregando sem saber uma pequena mosca, cujo DNA se funde com o dele.

A partir daí, o filme envereda pela seara do horror fantástico, com um brilhante trabalho de maquiagem (Jeff Goldblum passava até cinco horas por dia nas mãos dos maquiadores) e muitas imagens grotescas, uma especialidade de Cronenberg. O resultado final, embora eficaz e assustador em muitos momentos (a saída com a prostituta, o bebê-mosca), não chega a ser tão bom quanto os melhores trabalhos autorais de Cronenberg (“Existenz”, “Videodrome”). Mesmo assim, o canadense deve ser respeitado por conseguir inserir elementos autorais dentro de uma grande produção, algo não muito comum. É preciso observar, também, que o diretor jamais se aventurou novamente a trabalhar em Hollywood, preferindo trabalhos independentes, com narrativas mais arrojadas. Sujeito inteligente.

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Título Original: The Fly
Gênero: Ficção Cientifica
Qualidade: DVDRip
Formato: Rmvb
Áudio: Inglês
Legenda: Português

Um Crime de Mestre(Fracture)

2009-06-26T07:44:00.000-07:00

Anthony Hopkins sabe escolher muito bem seus projetos. Vez ou outra, o ator acaba cometendo alguns deslizes, mas é muito difícil assistir a um filme do veterano sem ter a certeza de que o mesmo não valerá o ingresso.

E neste 'Um Crime de Mestre' não poderia ser diferente, já que Hopkins retorna ao gênero que o consagrou: o suspense. Um filme inteligente e estiloso, consegue a atenção do início ao fim, sem abusar dos clichês ou da ação, se baseia nos aspectos psicológicos para ganhar a empatia do público.

Além de Hopkins, o outro grande acerto do filme é Ryan Gosling, que desde sua ótima atuação no belo 'Diários de uma Paixão' está escalando Hollywood em papéis cada vez melhores e mais complexos.

O jovem e ambicioso promotor público Willy Slocum (Ryan Gosling) está no melhor momento de sua vida profissional. Nunca perdeu nenhum caso e está prestes a assumir um emprego na prestigiosa empresa de advocacia Wooton Sims. Mas antes de abandonar o cargo de promotor, ele tem um último desafio pela frente: o engenheiro Thomas Crawford (Anthony Hopkins).

Depois de descobrir que estava sendo traído pela esposa, Crawford a matou a sangue frio com um tiro na cabeça. Um crime premeditado e com uma confissão clara e objetiva – mas, no entanto, o acusado é muito mais inteligente do que aparenta, e acaba criando um labirinto tão complexo em torno da situação que logo é colocado em liberdade. Mas Slocum não vai desistir tão fácil. Ele quer ver Crawford atrás das grades, mesmo que isso custe a sua carreira. Em um jogo de gato e rato, duas mentes brilhantes entram em curso de colisão neste suspense absolutamente imprevisível!

O diretor Gregory Hoblit faz um ótimo trabalho de câmera e montagem, com uma direção leve e que se foca no talento inegável de seus protagonistas e consegue prender a atenção até um desfecho inegavelmente interessante.

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Título Original: Fracture
Gênero: Suspense
Qualidade: DVDRip
Formato: Rmvb
Áudio: Inglês
Legenda: Português

A Profecia(The Omen)

2009-06-24T08:13:00.000-07:00

“A Profecia” (The Omen, EUA, 1976) é um filme B maravilhoso, um dos exemplos mais inteligentes de como a Bíblia pode inspirar filmes de terror com base na mitologia cristã. Feito com parcos US$ 2,2 milhões, um orçamento ridículo até mesmo para a época em que foi feito, o filme narra a história do nascimento do Anticristo com uma direção firme e um arsenal de truques baratos, bolados com criatividade pelo então iniciante diretor Richard Donner. A história, repleta de tensão e suspense, valoriza os sustos e os raros momentos de violência gráfica, tornando a experiência de assisti-la ainda mais perturbadora e aterrorizante.

Um dos mais importantes trunfos de “A Profecia” é a abordagem dada à obra por Richard Donner. Cineasta eclético e com nenhuma bagagem de horror B nas costas, ele dirigiu o projeto com um saudável desprezo pelos clichês tradicionais do gênero, preferindo investir na construção de uma cuidadosa atmosfera de tensão, ao invés de abusar de sustos gratuitos. Donner utiliza com freqüência, por exemplo, closes fechados nos olhos dos personagens, além de explorar uma textura de imagens mais escura, com muitas sombras e cantos escuros, e isso tudo gera no espectador a impressão de que muita gente sabe mais do que nós vemos, e que existe mesmo uma presença maligna à espreita.

A presença do astro Gregory Peck reforça a credibilidade ao filme. O ator interpreta um poderoso embaixador norte-americano (e potencial candidato futuro à Casa Branca), obrigado pelas circunstâncias a adotar uma criança como filho e esconder o fato de todos. O que Robert Thorn não sabe é que o garoto faz parte de uma conspiração, montada nos subterrâneos de Roma, para fazer o Anticristo virar o homem mais poderoso do planeta, cumprindo assim uma profecia contida no Apocalipse. Nesse aspecto, a equiparação de “A Profecia” ao clássico “O Exorcista” é inevitável, já que ambos narram o desespero de um pai diante de uma situação inexplicável que envolve o filho criança. Perfeito.

O restante do elenco também brilha. Lee Remick, que faz Katherine Thorn, compreende bem a dor do personagem, uma mãe que não consegue criar empatia com o próprio filho, e ilustra isso na tela com muito sentimento. David Warner faz o torturado fotógrafo Keith Jennings com uma mistura de tenacidade e resignação que chegam a ser comoventes. Mesmo com tantas feras, é a presença inesquecível de Billie Whitelaw que se tem brilho mais fulgurante no elenco. Ela é a satânica Sra. Baylock, e utiliza a presença altiva e o olhar desafiador e penetrante para ilustrar o nível de compromisso com que abraça a causa do Anticristo. Isso tudo sem falar do olhar sinistro do pequeno Harvey Stephens, que faz Damien. Fantástico.

Além disso, o roteiro é redondo e sem falhas, movendo-se de cena para cena num crescendo de suspense que desemboca num dos clímax mais originais e inteligentes do gênero. Alguns dos momentos estão entre os mais perturbadores dos filmes de horror B. Assista à assustadora visitaa do pequeno Damien ao zooólogico, por exemplo, e tente não ficar impressionado com a reação das girafas e macacos ao garoto. Outra cena espetacular é a sombria passagem de Thorn e Jennings pelo lúgubre cemitério etrusco, onde fazem uma descoberta potencialmente explosiva.

No percurso, o diretor ainda encontra tempo para dar pequenas nuances de humanidade aos personagens, o que torna a história mais verdadeira e, portanto, mais assustadores, já que o espectador sente que ela poderia estar acontecendo de verdade. Um bom exemplo está na maneira como Donner mostra a dor da mãe de pequeno Damien, quando ela começa a se afastar do filho, após perceber os tiques malignos do pequeno.

A cereja no topo do bolo está na impressionante trilha sonora (premiada com o Oscar) de Jerry Goldsmith. Sozinha, a música do filme é capaz de arrepiar os pêlos do braço de qualquer católico, ao fazer uso inteligente de corais masculinos que narram trechos satânicos em latim, às vezes lidos ao contrário. Inspirada na sombria ópera “Carmina Burana”, a música de Goldsmith sublinha brilhantemente o clima de medo que percorre toda a trama. O conjunto é uma obra de força dramática da obra realmente atípica, cuja abordagem leva muita gente a sentir medo genuíno desde a estréia nos cinemas norte-americanos, em 6 de julho de 1976. Excelente programa.

“A Profecia” pode não ser encarado como um clássico, mas permanece como um dos mais amados exemplares das obras de terror psicológico dos anos 70. Além disso, costuma ser visto como parte integrante de uma trilogia instigante sobre a vida terrena do suposto Anticristo.

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Título Original: The Omen
Gênero: Terror
Qualidade: DVDRip
Formato: Rmvb
Áudio: Inglês
Legenda: Português

A Casa dos 1000 Corpos

2009-06-24T08:08:00.000-07:00

Como criticar uma obra que se compromete explicitamente em ser trash? Eis a questão que fundamenta este texto que você leitor está lendo. Este é o primeiro filme de Rob Zombie como diretor e roteirista, e apesar de poucos concordarem é um filme divertido que mesmo com seus defeitos exageradamente ampliados pela critica em geral não me impedem de afirmar que “A Casa dos 1000 Corpos” é um filme injustiçado pela critica e ofuscado pela sua ótima seqüência “Rejeitados pelo Diabo” (Devils Rejects).

A história é simples, sem muitas complicações que apesar de não ser original é atolado de referências, mas talvez o maior ponto negativo de “A Casa dos 1000 Corpos” seja o experimentalismo visual que polui muito ao invés de impactar o espectador, como talvez tenha sido a intenção de Rob Zombie e a movimentação inquietante da câmera incomoda em alguns momentos.

O filme conta a história de um casal de jovens compostos por Bill (Rainn Wilton), Denise (Erin Daniels), Jerry (Chris Hardwick) e Mary (Jennifer Jostyn). Os quatro jovens viajam pelo interior dos Estados Unidos no final da década de 70, conhecendo e entrevistando donos de paradas de estrada exóticas com intuito de conseguir material para escrever um livro. Em um desses locais na véspera de Halloween eles encontram um lugar chamado Capitão Spaulding, cujo dono é o próprio Capitão Spaulding (Sid Haig), um palhaço bem longe do convencional que administra um local de atrações bizarras.

Os jovens embarcam no Carro da Morte uma das atrações do lugar, que nada mais é que uma espécie de trem fantasma que conta a história de assassinos famosos, dentre eles, um maníaco famoso na região conhecido como Doutor Satã, um cirurgião louco que usava seus pacientes como cobaia em experimentos cruéis com o intuito de criar uma raça de super humanos. Capitão Spaulding, vai mais longe e conta a lenda do Doutor Satã em que depois de ter sido enforcado em uma arvore próxima da região e deixado pra trás, nunca mais acharam seu corpo quando retornaram para buscá-lo.

Jerry empolgado com a idéia, antes de ir embora do local convence o Capitão Spaulding a desenhar um mapa da tal árvore para que o grupo fosse visitá-la. É daí em diante que as coisas começam dar errado para o grupo. No caminho para a tal árvore numa noite chuvosa, os quatro decidem ajudar uma garota que pedia carona na estrada, Baby (Sheri Moon Zombie), o pneu do carro fura no trajeto e como agradecimento e para ajudá-los, Baby prontamente se oferece para ir a sua casa que fica ali perto chamar seu irmão para guinchar o carro e dar abrigo para os quatro naquela noite tempestuosa. Coincidências demais para uma só noite, não? Bem como eu havia dito, o filme não era nem um pouco original, e na verdade até uma releitura dos filmes da década de 80 atolados de clichês, e acho que o parágrafo acima descreve bem isso. É mais do que obvio que todas as coincidências acima nada mais são que parte de um plano para atrair, desavisados para uma armadilha.

Na casa de Baby são apresentados aos quatro, a Mãe Firefly (Karen Black), Tiny (Matthew McGrory), Hugo, o vovô Firefly (Dennis Fimple) e Otis (Bill Moseley). Depois de uma seqüência de bizarrices da família excêntrica, os quatro saem da casa em meio á um conflito com Baby, mas são encurralados por Otis e Tiny na saída, virando reféns. Por sorte, ou quase sorte, quando os quatro estavam saindo do posto do Capitão Spaulding, uma das garotas telefona para o seu pai, um ex-policial que ao notar o desaparecimento de sua filha, liga para um conhecido da região e que por sua vez coloca dois policiais no rastro da garota.

A obra segue daí em diante presenteando o espectador com um festival de sadismo e insanidade da família Firefly para com suas vitimas que além dos quatro jovens recém aprisionados estão quatro lideres de torcidas de um colégio local, que estavam sendo constantemente noticiadas na televisão como desaparecidas. Em se falando da violência do filme, não esperem nada muito explicito, na verdade uma violência até que moderada levando em consideração a premissa de Rob Zombie de fazer um filme chocante em seus depoimentos antes do lançamento do filme.

O filme em um determinado momento apresenta uma reviravolta ao espectador, dando luz à lenda do Doutor Satã e colocando duas personagens secundarias como o centro da história que é deslocada totalmente para outro ambiente com outros personagens. Esse ponto prejudica em muito o filme, mas encarando essa parte como um trecho isolado não há motivos para escancarar mil e uma críticas negativas, principalmente levando-se em conta a proposta do filme discutida no começo do texto de não levar a sério uma obra que não se propõe a expor nenhuma realidade convincente.

O filme acaba com um desfecho em que literalmente o “mau ganha”, e que com certeza não vou contar aqui, mas fica a dica, apesar de todos os defeitos desse filme de Rob Zombie, a obra consegue oferecer um divertimento sem o compromisso com a seriedade e na minha sincera opinião só a presença de Sid Haig como o carismático e divertido Capitão Spaulding, nos poucos minutos que aparece, já vale o filme inteiro.

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Título Original: House of 1000 Corpses
Gênero: Terror
Qualidade: DVDRip
Formato: Rmvb
Áudio: Inglês
Legenda: Português

Anjos e Demonios

2009-06-24T08:02:00.000-07:00

A adaptação do fenômeno literário O Código Da Vinci errou ao otimizar não a ação do livro, o visual, mas a verborragia floreada dos protagonistas. Imaginava-se que o diretor Ron Howard, que retorna à série neste Anjos e Demônios (Angels & Demons, 2009), tivesse aprendido a lição e prestado atenção à crítica. E prestou. O problema é que até demais.

Na sequência das aventuras do simbologista Robert Langdon (outra vez Tom Hanks, atuando no automático), o cineasta inverte a receita e erra na medida mais uma vez.

Anjos e Demônios é um crescente de ação só, duas horas de música subindo, correria e muita tensão. Os respiros não funcionam e a produção parece simplesmente alta demais. São nada menos que seis clímaces seguidos - um para cada cardeal, mais a bomba e a perseguição final - resultando em uma canseira exagerada. Quando tudo é alto, nada é alto. É curioso como um diretor tão cautelosamente dado às fórmulas de Hollywood - como provou em Apollo 13 (1995), Uma mente brilhante (2001) e A luta pela esperança (2005) - não encontre espaço em seu filme para aquelas pequenas regrinhas consagradas do trade, capazes de equilibrar qualquer roteiro.

A trama segue a linha que mistura fatos com ficção e conspirações ancestrais. Desta vez, apesar das rusgas com a Igreja, o simbologista é chamado às pressas ao Vaticano para auxiliar nas buscas a quatro cardeais, sequestrados horas antes do início do Conclave (a seleção do próximo Papa) e impedir a explosão de uma bomba de antimatéria. Para tanto, ele precisa descobrir o início do "Caminho da Iluminação", rota secreta em Roma que leva ao local de encontro da antiga e vingativa sociedade secreta conhecida como Illuminati. Ao lado de Langdon está a cientista encarregada de desarmar a bomba high-tech, Vittoria Vetra (Ayelet Zurer, a esposa de Eric Bana em Munique). Apesar de continuar fatos do primeiro longa e mencioná-los brevemente, a história na literatura foi precursora de O Código Da Vinci e a estreia do assexuado herói caxias Langdon.

Se o filme vale por alguma coisa, é pelo cenário e a edição competente - quando analisada isoladamente do todo - das cenas de ação. Como no primeiro filme, que realizou um apanhado de pontos turísticos em Paris e Londres, Anjos e Demônios faz uma tour belíssima por Roma e o Vaticano à noite. Nada que justifique aguentar os frenéticos 140 minutos, porém. Especialmente aturar o desfecho - que já discutiram comigo ser "muito parecido com o do livro". Ora, se não presta na literatura, vai ficar ainda mais escancaradamente trash na telona. Dá uma certa vergonha alheia de Ewan McGregor como o camerlengo Patrick McKenna na sequência do helicóptero. Santo Padre que nada... em tempos de Wolverine arrecadando horrores nas telonas, o Super Padre é que é o cara!

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Original: Angels & Demons
Gênero: Policial/Drama
Tempo de Duração: 140 min
Ano de Lançamento: 2009
Qualidade: R5
Formato: Rmvb
Áudio: Inglês
Legenda: Português
Tamanho: 430 mb

O Mensageiro(The Postman)

2009-06-23T09:14:00.000-07:00

No ano de 2013, o futuro não é o que se esperava. A Terra foi destruída pela guerra e os homens não sonham mais com um amanhã melhor... São apenas sobreviventes vagando pelos destroços de um lugar que já foi chamado de lar. Neste cenário apocalíptico surge Bill (Kevin Costner, de Um Mundo Perfeito), um homem sem destino que carrega as cartas do passado que se tornam mensagens de esperança e inspiram a juventude idealista a lutar para reconstruir suas vidas e sua nação. Mesmo sem querer, Bill se transforma em líder e descobre ser capaz de inspirar e guiar as pessoas. Mas sua luta mal começou e seus inimigos estão prontos para atacar.

É uma história emocionante que mostra o surgimento de um líder. Uma pessoa boa que fará história.

Para aqueles que nunca assistiram, recomendo. Não é o melhor filme de Kevin Costner, mas mesmo assim vale a pena pela história.

Para os amantes da tematica pós-apocalipse, um tema praticamente em extinção nos dias de hoje, esse filme é uma otima pedida. Não é aquele filme pipoca cheios de explosão, o filme puxa um pouco mais pro drama mas tem suas cenas de ação.

Apesar de ser um bom filme, na epoca de seu lançamento a critica caiu em cima, que depois do fracasso comercial que foi o filme "Waterworld" estrelado por Kevin Costner, todo filme dele antes mesmo de ser lançado ja era considerado uma bomba. Eu gostei bastante de Waterworld, na epoca que eu assisti tinha uns 15 anos, meu senso critico era diferente mas me divertiu. "O Mensageiro" assisti nessa mesma epoca, e mesmo não sendo um filme para adolescentes, gostei bastante tambem.

Vale a pena dar uma chance para esse longa, é so não ir assistir pensando que vai ver o melhor filme de todos os tempos que voce vai gostar bastante dele.

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Título Original: The Postman
Gênero: Ficção Científica
Tempo de Duração: 178 min
Ano de Lançamento: 1997
Qualidade: DVDRip
Formato: Rmvb
Áudio: Inglês
Legenda: Português
Tamanho: 577 mb

Fuga de Alcatraz

2009-06-23T09:05:00.000-07:00

Don Siegel e Clint Eastwood possuem diversas parcerias de sucesso. Desde faroestes como Os Abutres Têm Fome (Two Mules for Sister Sara, 1970), passando por uma das mais famosas séries policiais do cinema, os filmes de Perseguidor Implacável, até chegar em uma pequena e excepcional obra-prima da década de 1970, O Estranho Que Nós Amamos (The Beguild, 1971) - que rendera aquela que, para mim, é a grande atuação de Eastwood em toda a sua carreira. Porém, dentre estes filmes, poucos obtiveram a fama e a glória conquistada por Fuga de Alcatraz (Escape From Alcatraz, 1979), um dos mais lembrados e apreciados filmes de “fuga-de-prisão” já produzidos. Mas, vale dizer: de maneira extremamente superestimada.

Fuga de Alcatraz foge do estilo de um e de outro, se assemelhando mais com produções como Papillon (idem, 1973). Ambas são baseados em fatos reais, e possuem, como característica mais marcante, a capacidade de decepcionar aqueles que leram, ou ao menos conhecem as histórias nas quais foram inspiraram. Enquanto a produção de Franklin J. Schaffner retalhara a ótima e fascinante história do livro homônimo, o filme de Siegel traz uma visão bastante rasa e pouco pretensiosa sobre um dos fatos mais marcantes da história policial moderna norte-americana: a fuga de três prisioneiros da maior e mais famosa prisão de segurança máxima do país, conhecida como a Rocha. Teoricamente inexpugnável, a fortaleza de Alcatraz, ilhada perto da costa de São Francisco, determinara o término de suas atividadas uma ano depois do ocorrido, permanecendo inutilizada (a não ser para fins turísticos) até os dias de hoje.

Já Clint Eastwood, por sua vez, encarna aquele velho e conhecido tipo seu: o homem calado, sério, estrategista e mal encarado, que tornara-se praticamente um alter-ego do ator, ou pelo menos sua persona cinematográfica. Desde os tempos de suas maravilhosas parcerias com Sergio Leone, que iniciaram com Por Um Punhado de Dólares (Per um Pugno di Dolari, 1964), tendo fim com a inigualável obra-prima Três Homens em Conflito (Il Buono, Il Bruto, Il Cativo, 1966), o ator vem repetindo (ou melhor, vinha, já que a velhice fez com que Clint automaticamente abandonasse o estilo e se adaptasse aos padrões etários) o tipo de forma sempre interessante. Enquanto isso, o elenco de apoio também se mostra bastante eficiente, embora não conte com nenhum nome de peso.

É um bom filme sim, entretém de maneira corretinha e nos mantém interessados o tempo inteiro. Porém, um tema tão grandioso merecia algo muito mais significativo, que ao menos evocasse momentos de inspiração similares aos das citadas obras do gênero. Enquanto Parker transformara seu Expresso da Meia Noite em um filme forte e inesquecível, Siegel apostara na fórmula mais quadrada possível de se encontrar em Hollywood, temendo ousar a qualquer custo. Com isso, cria um filme de aventura divertido, mas extremamente simplório e banal. É pouco, visto as possibilidades existentes para um projeto como este.

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Título Original: Escape from Alcatraz
Gênero: Drama
Tempo de Duração: 111 min
Ano de Lançamento: 1979
Qualidade: DVDRip
Formato: Rmvb (RAR)
Áudio: Inglês
Legenda: Português
Tamanho: 371 mb

Os Suspeitos(The Usual Suspects)

2009-06-23T09:01:00.000-07:00

Esse é o tipo do filme que se você perder a atenção, nem que seja por um milésimo de segundo, se tornará um filme completamente confuso. Seu raciocínio irá se perder e você não terá noção do que está acontecendo. Mesmo com completa atenção você já fica um pouco perdido, e sempre por imaginar e se perguntar o que o filme propõe: “Quem é Keyser Soze?”. É essa a dúvida que paira durante seus 105 minutos. Uma pergunta só respondida no final. Vai ver por isso o filme é tão surpreendente, você nunca terá 100% de certeza, a não ser que alguém de conte. Podem ser todos, ou não. Existem maneiras de você suspeitar, mas a surpresa será a mesma. Um dos finais mais antológicos do cinema, o que torna o filme com uma conclusão tão perfeita, inteligente e maquiavélica.

Bryan Singer estreou muito bem, fazendo sua obra-prima, mas nunca decaiu, seguiu-se ainda o excelente “O Aprendiz”, e os ótimos blockbuster que realmente o tornaria famoso e abriria todas as portas com os dois “X – Men”. Singer mostrou logo do inicio sua capacidade de transformar uma história tão complicada, que é cercada por flash-backs, e cenas que vão e voltam. Isso é um problema, fazer com que torne um trama inteligente sem fazer uma coisa sem explicação. O filme tem sentido, é completamente coerente, e em hipótese alguma abusa de nossa paciência e sensatez. Creio que grande parte dos créditos vai para Singer, por sua bela condução e excelente visão e pretensão correspondida.

27 mortos. 91 milhões de dólares desaparecidos. O que será que aconteceu? Em Nova York, um navio que transportava 91 milhões de dólares e diversas pessoas, explode. Sem pistas, a polícia chega milagrosamente a “Verbal” Kint (Kevin Spacey), um criminoso aleijado. O delegado Kujon (Chazz Palminteri) pressiona Kint até falar. Segundo ele, tudo começou seis semanas antes com um roubo a um caminhão de armas. Cinco suspeitos foram presos, além de Kint, estavam Dean Keaton (Gabriel Byrne) um ex-tira corrupto, McManus (Stephen Baldwin) um bandido de quadrilhas, Tood Hockney (Kevin Pollack) um especialista em bombas e armas pesadas, e Fenster (Benício Del Toro) o principal parceiro de McManus. A partir desse primeiro encontro, o mundo da justiça estaria condenado. E assim sucede-se, até a entrada do mito Keyser Soze, a grande intriga do filme, que culmina no brilhantismo do filme.

Esse é o típico filme que necessita atenção redobrada, em todas as cenas, mas recomendo além do desfecho, o primeiro encontro deles, na delegacia e seus depoimentos. O encontro com Kobayashi (Pete Postlewaite), e os sucessivos contos e lendas de Keyser Soze. Além da cena do barco, onde eles dão sua investida.

O filme também tem grande ajuda do excelente elenco, provavelmente estariam em suas melhores performances da vida, com poucas exceções. Gabriel Byrne está perfeito como ex-tira corrupto, imprevisível até o último minuto, ele passa várias emoções além de mostrar como interpretar num suspense policial. Realmente, sua melhor atuação. Kevin Spacey, ainda em começo de carreira e sem muito prestígio, deu um show, um perfeito aleijado, que vê no crime a saída para seus problemas. Mereceu o Oscar de Ator Coadjuvante, sendo sua melhor atuação. Spacey é um excelente ator, e esse um excelente filme... se combinaram e deram um toque inesquecível ao filme. Stephen Baldwin é sem dúvida o irmão mais talentoso da estrela Alec Baldwin, apesar de só ter feitos poucos filmes de prestígio e bom gosto (como esse), Stephen é um ator competente que sabe fazer seu trabalho, apesar do individualismo nas cenas, ele é carismático e ao mesmo tempo bombástico, um ator que faz personagens de duas faces, sendo sempre um mistério. Kevin Pollack é um ator razoável, não há nada de especial, sempre fazendo papéis coadjuvantes, talvez devido a não ser um grande ator, não passa de um bom diretor. Ele em nenhum momento brilha na tela e sempre está com uma atuação caricata. Todas cenas de todos os filmes sempre com a mesma cara. Benício Del Toro, ainda era um desconhecido nos EUA e no mundo, foi seu filme de introdução, com um visual matusquelo e com pouca importância. Seria descoberto mesmo com seu Oscar em “Traffic”, tornando “público” o bom ator que era. Desde esse filme já tinha boas aspirações. Cahzz Palminteri e Pete Postlethwaite estão em suas melhores atuações, centrados e criativos, mostram seu lado “mau” no filme com estilo, são bons atores com escolhas de filmes ruins, ou seja, não sabem escolher um bom roteiro. Um mal que assombra também grandes atores de Hollywood como Kevin Costner e John Travolta. Palminteri vive isso no péssimo Diabolique.

Os Suspeitos tem um excelente roteiro. É simplesmente fantástico o modo que a obra envolve as pessoas e as deixam intrigadas até a fantástica conclusão. Um dos filmes mais inteligentes já produzidos é um filme confuso que prende todos a tela. È impossível não reconhecer uma obra como essa.

O filme é completado pela ótima trilha sonora, que contribui com o envolvimento das personagens com seus respectivos objetivos. Além da ótima fotografia, direção de arte e cenário e outras técnicas atribuídas ao filme. E apesar de não ser o ponto forte, é um fator que ajuda a compor o clima de tensão do filme, mas nunca sendo exagerado. Uma das grandes características do filme é não tentar impressionar nesse ponto.

Os Suspeitos é um filme brilhante, com grande elenco e excelente direção, além de um roteiro excepcional. A notoriedade e inteligência, que é seu ponto forte, fizeram com que o filme arrebatasse dois Oscar em 1995 (Melhor Ator Coadjuvante para Kevin Spacey e Melhor Roteiro Original). E assim como diz “Verbal”: “O maior mérito do diabo é acharem que ele não existe”.

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Título Original: The Usual Suspects
Gênero: Policial
Tempo de Duração: 105 min
Ano de Lançamento: 1995
Qualidade: DVDRip
Formato: Rmvb (RAR)
Áudio: Inglês
Legenda: Português
Tamanho: 352 mb

Halloween, Ressureição

2009-06-22T07:56:00.000-07:00

Halloween é uma daquelas franquias que parecem não acabar nunca, e sendo um filme de terror isto é comum.

Os filmes da série vieram se modificando para se adequar as tendências dos filmes de terror mais modernos, e parecem estar acertando em cheio.

Desta vez um grupo de adolescentes são escolhidos para fazer parte de um "reality show" que tem como cenário a casa do famoso assassino (e presuposto falecido) Mike Myers. O vencedor do programa é aquele que conseguir pasar uma noite inteira na casa.

Os produtores do programa já tinham planejado vários sustos para os concorrentes, mas ninguém - além dos espectadores do filme - esperava que o próprio Mike Myers fosse aparecer na casa. Dizer mais do que isso seria estragar algumas surpresas do filme.

Para uma série que já tem mais de 20 anos, 'Halloween' ainda tem muito pano pra manga.

Os roteiristas criaram um clima de originalidade e o diretor fez um bom trabalho com as câmeras, dando uma atmosfera meio 'A Bruxa de Blair' ao filme.

Se você adora tomar um susto de um filme que não tenta ser mais do que simplesmente é, corra pra ver Halloween: Ressurreição.

Afinal, cinema é lugar de diversão, e isso o filme tem de sobra.

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Título Original: Halloween, Ressurection
Gênero: Ficção Cientifica
Qualidade: DVDRip
Formato: Rmvb
Áudio: Inglês
Legenda: Português

Um Drink no Inferno 2, Texas Sangrento

2009-06-22T07:52:00.000-07:00

Já vi críticas de fãs declarando ser este o pior filme da série "Um Drink No Inferno", iniciada pela parceria Robert Rodriguez-Quentin Tarantino em 1996. Discordo desse pessoal, pois "Um Drink No Inferno 2 - Texas Sangrento" é o que tem mais ação. Quem se lembra daquele, estrelado por George Clooney, via que era uma mistura de road movie com filme de vampiros. Aquela fita tentava captar um clima trash bem original, mas quem queria ver o "gore" na tela tinha que aguardar quase uma hora até os vampiros realmente aparecerem. Não que tenha sido mal, pelo contrário, pois, na época, era original. Mas aquilo que funciona uma vez, não significa que vá funcionar sempre.

A opção do novo diretor Scott Spiegel (Robert Rodriguez está apenas como produtor executivo, o mesmo ocorrendo com Tarantino) foi diminuir a parte que antecede a chegada dos vampiros. Justamente por isso, é muito mais movimentado (já que "Um Drink No Inferno 3 - A Filha do Carrasco" é praticamente uma refilmagem do primeiro, só que passada no Velho Oeste). A constatação de que a homenagem aos filmes B continua em alta se confirma na presença de Bruce Campbell, em uma participação especial. Ele está na sequência de abertura, como um sujeito que, ao lado de Tiffani-Amber Thiessen, é atacado por um batalhão de morcegos em um elevador. Curiosamente, para quem se lembra do demônio travestido de galhos de uma árvore estuprando uma das personagens de "Evil Dead" (estrelado por Campbell) , verá que nessa cena um dos morceguinhos é muito safadinho, entrando por baixo da saia de Tiffani. Há uma outra cena em que uma mexicana é atacada no chuveiro (isso lá pra frente no filme), e também aparece um morceguinho muito malandro, peralta e serelepe, que a morde em um local estratégico. Mas voltemos a trama.

O líder dos bandidos agora é Buck - feito por Robert Patrick, que muitos se lembram por ter sido o vilão no filme "O Exterminador do Futuro 2". Um ator até que razoável, que se encaixa bem no cínico papel que o roteiro, quase inexistense, lhe proporcionou. Ele combina um plano de assaltar um banco no México, em parceria com Luther (Duane Whitaker). Ambos planejam se encontrar em um local perto daquele bar do qual vocês que viram o primeiro filme se lembrarão muito bem. Antes disso, Buck tem que convocar mais 3 parceiros para o serviço. São eles C.W. (Muse Watson), Ray Bob (Brett Harrelson) e Jesus (Raymond Cruz). Este último adora uma malhação e dá anabolizantes ao seu cachorro, Jaws II, o qual participa de rinhas. Como no anterior, só gente boa.

Enquanto os 4 esperam em um motelzinho de beira de estrada, Luther tem um acidente no meio do caminho. Ele atropela um morcego e danifica seu carro. O carro do Luther, não do morcego, óbvio. É quando dá uma parada "naquele bar" pra pedir ajuda. Lá está Razor Eddie, intepretado pelo sempre divertido Danny Trejo (o Johnny 23 de "Con Air"), que o atende e decide dar uma carona a ele ao saber que há um amigo acidentado, justamente o vampiro atingido por Luther. Quando chegam ao local, Razor não fica nem um pouco feliz em saber que seu amigo está todo detonado, e ataca Luther.

Luther, antes de chegar de encontro aos companheiros no motel, ataca uma prostituta no local enquanto ela está tomando banho. Ele aproveita também para atacar Jesus, o qual vai virar um vampiro também. Aí a gang, agora de 2 vampiros e 3 humanos (que ainda não sabem que os amigos viraram vampiros), parte pro assalto ao banco. Aí é natural que vampiros e humanos não se entendem, e o assalto não é dos mais felizes. E a polícia chega. Daí pra frente, o filme vira um samba do vampiro doido.

Com ação igual a uma fita do Van Damme e tantos desmembramentos e decapitações quanto o primeiro, "Um Drink No Inferno 2 - Texas Sangrento" é um daqueles filmes pra se assistir com o cérebro em ponto morto, mas que passa rapidinho. Detalhe para a participação de Bo Hopkins, como o xerife - ele era o jovem assaltante rebelde e burro do clássico "Meu Ódio Será Tua Herança" de Sam Peckinpah. Mesmo sendo feito diretamente para o vídeo, essa continuação não nega fogo, com direito até a um eclipse no meio de toda a ação, completamente injustificável. Mas lógica não é o elemento mais evidente nesse tipo de filme.

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Título Original: From Dusk Till Dawn: Texas Blood Money
Gênero: Terror
Qualidade: DVDRip
Formato: Rmvb
Áudio: Inglês
Legenda: Português

As Branquelas(White Chicks)

2009-06-22T07:47:00.001-07:00

Comédias americanas geralmente são um pé no saco. Com histórinhas mal-contadas e mal-planejadas, adicionadas a um excesso de piadinhas infames que, se forem entendidas, tiram no máximo um sorriso de nosso rosto, tem suas formas exaustivamente copiadas, mas todo mundo assiste para conferir uma ou outra piadinha nova no mercado.

'As Branquelas' nada mais é que uma junção de várias piadas já contadas, histórias já copiadas e clichês de todos os filmes de comédia que já vimos. Mesmo assim, 'As Branquelas' ainda se salva do desastre com uma ou duas piadinhas que faz a platéia rir por um minuto, e nada mais.

Apesar de todos os esforços, os agentes Marcus e Kevin Copeland acabaram penando na ‘cozinha’ do FBI. A mais recente investigação da dupla foi um verdadeiro fracasso e seus empregos estão por um fio. Quando um plano para seqüestrar as mimadas irmãs socialites Brittany e Tiffany Wilson é descoberto, o importante caso é entregue aos rivais de Marcus e Kevin, Vincent e Jake). Para aumentar ainda mais a humilhação dos dois, Kevin e Marcus são escalados para uma ingrata e medíocre missão — escoltar as jovens mimadas vestidas de Gucci, garantindo-lhes segurança do aeroporto até o hotel nos Hamptons. Impossível até para eles fracassar numa humilhante tarefa como esta, certo?
Quando o cachorro mal-acostumado de Tiffany, Baby, provoca uma confusão no trânsito, começa uma briga e as duas mulheres ficam desfiguradas — bem, se você chama lábio inchado e corte no nariz desfiguramento —, o que para essas socialites obcecadas com o visual certamente é uma grande tragédia. Diante da possibilidade de ficar desempregado, Kevin inventa um plano: Ele e Marcus irão se disfarçar das exigentes divas e, enquanto isso, tentar capturar os seqüestradores e, por fim, resgatar sua reputação.

Com um roteiro fraquinho, cheio de furos e clichês, e dois atores maquiados que parecem mais uma ovelha do que uma patricinha, o filme se contenta em ser forçado ao extremo, partindo às vezes para a baixaria para tentar tirar um sorriso de seu rosto.

Se você se diverte com cenas infames e piadas forçadas ao invés de uma boa história com situações hilárias, esse é o seu filme. Entretenimento puro... E nada mais.

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Título Original: White Chicks
Gênero: Comédia
Tempo de Duração: 114 min
Ano de Lançamento: 2004
Qualidade: DVDRip
Formato: Rm (RAR)
Áudio: Inglês
Legenda: Português
Tamanho: 365 mb